Los 10 mejores compositores de bandas sonoras
Una película tiene diferentes elementos con los que poder destacar: su fotografía, su trama, sus diálogos, sus efectos especiales y, lo que más nos gusta, la música, en formato de banda sonora. Se trata de un pilar fundamental del cine, capaz de motivar, entristecer, ponernos en tensión o inspirar diferentes emociones. En el artículo de hoy nos vamos a centrar en este elemento, presentando a algunos de los mejores compositores y compositoras de la historia, que han conseguido muchos elogios y distinciones debido a sus diferentes creaciones.
Hans Zimmer
No nos parece mejor forma de empezar nuestra peculiar lista con uno de los compositores más populares de la historia y de la actualidad. Hans Zimmer nació en Fráncfort en el año 1957 y es reconocido como el mejor compositor contemporáneo, habiendo firmado grandes contratos para enormes producciones. Tras una infancia y adolescencia protagonizada por la música clásica, comienza su trayectoria en 1982, poniendo banda sonora a películas como ‘El Rey León’, ‘Interstellar’, ‘Pearl Harbor’, ‘Gladiator’, ‘Piratas del Caribe’, ‘El Último Samurái’ o la reciente y aclamada ‘Dune’. Sin embargo, pese a tener tan importante historia sólo ha ganado un Óscar, en 1994, con ‘El Rey León’. También ha sido el compositor de la música de los videojuegos ‘Crysis 2’ y ‘Call Of Duty: Modern Warfare 2’. Os dejamos un dato curioso sobre él: fue tecladista en varias actuaciones de Mecano.
John Barry
El británico es reconocido por ser unos de los compositores de la música del cine más importantes, presentando una carrera plagada de creatividad y elegancia que se extrapoló a diferentes géneros. Nació en York, Gran Bretaña en el año 1933 y sus primeras composiciones estuvieron influidas por la música jazz. Se le identifica, principalmente, por ser el músico de las películas de ‘James Bond’, además de estar presente en otros títulos como ‘Chaplin’, ‘Bailando Con Lobos’, ‘Memorias de África’ o ‘Born Free’. En su palmarés aparecen 5 Óscars y un Globo de Oro.
Ennio Morricone
El italiano nació en Roma en el año 1928 y es reconocido como uno de los mejores compositores de la historia, especialmente en cuanto a cine western se refiere. Comenzó a componer en los años 60 y a su espalda se encuentran piezas que ponen banda sonora a famosas películas como ‘La muerte tenía un precio’, ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Cinema Paradiso’, ‘Kill Bill Vol. 1 y 2’, ‘Malditos Bastardos’ o ‘Django, desencadenado’. Ha ganado en su carrera más de 35 galardones, entre ellos un Oscar honorífico que recibió en 2006. Se retiró en el año 2016 tras ganar el Óscar a la mejor banda sonora por ‘Los odiosos ocho’. Falleció el 6 de julio de 2020 a los 91 años de edad debido a complicaciones producidas tras una caída.
Max Steiner
Es considerado uno de los pioneros de la música del cine, estando colocado por la crítica entre los diez más grandes de la historia. Nació en Austria en 1988 y desde pequeño empezó a crear sus propias obras, llegando a dirigir orquestas a los 16 años. Se le reconoce como ser el primer autor de una partitura compuesta explícitamente para una película; ‘King Kong’, adaptando cada escena e imagen con la música, cambiando así el concepto de la banda sonora. Entre sus obras encontramos películas como ‘Casablanca’, ‘Desde que te fuiste’, ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘La extraña pasajera’.
Howard Shore
El canadiense, nacido en Toronto en 1946, comenzó su andadura en la música como músico instrumentista de viento en el jazz y oros estilos. Fue parte de la banda Lighthouse hasta 1972 y posteriormente fue el director musical de Saturday Night Live. En su historial como compositor encontramos más de 80 obras producidas, algunas tan famosas como las de ‘El silencio de los corderos’ y ‘El Señor de los Anillos’, ‘Seven’ o ‘El Hobbit’. Su palmarés se forma por 3 Óscars y 4 Globos de Oro.
Alfred Newman
Otro de los representantes más elogiados de la música del séptimo arte. En la carrera de este americano nacido en 1901 aparecen, nada más y nada menos, que 45 candidaturas a los Premios Óscar, recibiendo el premio en nueve ocasiones. En su extendido historial se encuentran películas como ‘Dímelo cantando’, ‘La canción de Bernadette’, ‘La colina del adiós’ o ‘El Rey y yo’. Es, también, autor de la característica sintonía de 20th Century Fox.
John Williams
El americano nació en Floral Park, Nueva York en el año 1932. Desde pequeño estuvo rodeado por la música ya que en su familia era el día a día. Desde los 60 hasta 2010 se dedicó a componer obras para algunas de las películas y sagas más importantes de este tiempo. Además, también creaba composiciones clásicas externas al mundo cinematográfico.
En su largo historial encontramos películas como ‘Tiburón’, ‘E.T., el extraterrestre’, ‘La Lista de Schindler’ o sagas como ‘Harry Potter’, ‘Star Wars’, ‘Jurassic Park’ o ‘Indiana Jones’.
Rachel Portman
Los comienzos de la británica en el mundo de la composición fueron a una edad muy temprana, a los 14 años. Nacida en 1960, empezó su carrera profesional trabajando en programas y series de TV en la BBC. Ha sido nominada a los Premios Óscars en 3 ocasiones, ganándolo en el año 1996 al poner música a la película ‘Emma’. En su historial de composiciones encontramos ‘La bella y la bestia 2’, ‘Smoke’, ‘The Cider House Rules’, ‘Chocolat’ o ‘La sonrisa de Mona Lisa’.
Anne Dudley
Anne Dudley nació en 1956 y su desarrollo musical comenzó en el Royal College of Music situada en Kensington, Londres. Se trata de una artista muy polivalente ya que ha trabajado de compositora, arreglista, directora, orquestadora y productora musical. Destaca por su emotividad a la hora de crear, como ocurrió con las obras compuestas para ‘Los Miserables’, ‘American History X’, ‘El Libro Negro’ o ‘Full Monty’, con la que ganó el Óscar a la mejor adaptación musical en 1979.
Jerry Goldsmith
Y para acabar tenemos a otro prestigioso compositor americano. Jerry Goldsmith nació en Pasadena (California) en 1929 y desde bien pequeño mostró su amor por la música, estudiando teoría musical y composición con referentes de la música clásica. En su desarrollo, pasó por varios estilos y en cada nueva composición que creaba los combinaba, comenzando a hacerse un hueco en este mundillo. Comenzó a poner la banda sonora a diferentes películas allá por los principios desde principios de los 60 y no paró hasta su retiro. Ha puesto música a importantes como ‘Mulan’, ‘El Planeta de los Simios’, ‘La Profecía’ o la saga de ‘Star Trek’, siendo nominado al Óscar 17 veces, ganándolo en 1976.
Todos salimos del cine de otra forma cuando una buena película es acompañada de una mejor banda sonora, siendo este tipo de obras una demostración artística de grandes dimensiones. No te aseguramos que puedas ganar un Premio Óscar o que tu composición llegue a Hollywood pero sí podemos asegurarte que con nuestros cursos de producción podrás llevar tu música al siguiente nivel, clicka aquí para obtener más información.
Si te interesa hacer una buena banda sonora, en DJP Music School tenemos un Higher National Diploma in Music Production, una titulación oficial británica. Al finalizar una de las unidades del Programa Profesional de Producción y Composición Musical, serás capaz de crear una banda sonora para escenas o trailers, podrás musicalizar APPS y videojuegos, y entenderás las diferencias entre composición lineal y no lineal. Mola ¿no? Puedes contactarnos por aquí para solicitar más información
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Conoce cómo debe ser tu ordenador para producir a lo grande
Elementos esenciales que debe tener tu equipo para producir música
La mayoría de la música que escuchamos en la actualidad ha sido grabada y producida de manera digital.
Si eres un apasionado de la producción musical y estás empezando a crear tus primeras piezas seguramente te preguntes cómo debe ser tu ordenador para producir música de calidad.
No existe un ordenador perfecto para todo productor, ya que las características que debe cumplir tu PC dependerán de diversos factores como el presupuesto, la portabilidad que necesites o la capacidad de procesamiento.
Por eso, en este artículo queremos darte algunas claves para que sepas cómo elegir el mejor equipo para producir tus canciones.
Características de un ordenador para producciones musicales
Antes de comenzar a recomendarte marcas y modelos de ordenadores queremos hablarte de los componentes que deben conformar tu equipo para producir y cuáles son sus características.
Una vez sepas esto eres tú quien debe decidir si quieres buscar un ordenador que cumpla con esto en el mercado o si prefieres hacerte con un PC por piezas y montarlo tú ¡Comencemos!
Procesador
La unidad central de procesamiento (CPU) o procesador es un dispositivo hardware que se encuentra en cualquier dispositivo programable, como puede ser un ordenador o un smartphone.
Su labor se centra en interpretar las instrucciones de un programa informático realizando operaciones básicas aritméticas, lógicas y externas.
Es decir, es el componente electrónico donde se realizan los procesos lógicos.
La producción musical supone una gran carga en la CPU, por eso, necesitarás un procesador muy potente para poder realizar producciones complejas con varias pistas, multiples muestras de instrumentos...
Es muy importante que elijas un gran procesador desde el principio, ya que después te será muy difícil poder actualizarlo.
Para elegir un buen procesador tienes que tener dos aspectos muy importantes en cuenta;
Uno de ellos son los núcleos que debe tener. Un núcleo puede procesar información por él mismo. De esta manera, cuántos más núcleos tenga tu CPU mayor capacidad de datos será capaz de soportar.
Otro aspecto a considerar es la velocidad del reloj, se centra en medir en GHz (Gigahercios) el número de ciclos que tu procesador puede ejecutar por segundo, es aconsejable hacerse con un procesador cuya velocidad vaya de unos 2’4 a 4’2 GHz. Cuánto más rápido sea mejor nos funcionará.
Memoria RAM
La memoria RAM, o memoria de acceso aleatorio, es una memoria de almacenamiento a corto plazo.
Los sistemas operativos de los dispositivos utilizan esta memoria para almacenar temporalmente todos los programas y sus procesos de ejecución.
Cuanto más complejos sean los programas que utilicemos para producir nuestra música se necesitará una mayor capacidad en la memoria RAM.
Por eso, os recomendamos que os hagáis con una RAM que como mínimo contenga 8 GB. Si trabajas con varias pistas grabadas, muchos efectos digitales o bastantes instrumentos virtuales será mejor hacerte con una memoria de 16 GB.
Con el paso del tiempo si es posible aumentar tu RAM. Te aconsejamos que te hagas con un equipo que pueda dar cabida por lo menos a 16 GB de RAM.
Memoria de Almacenamiento
La memoria de almacenamiento es el dispositivo Hardware empleado para almacenar, memorizar y retener la información y el conocimiento que incluimos en nuestro PC en un período de tiempo.
En la actualidad existen tres tipos:
La HHD, o disco duro convencional. Este dispositivo depende de uno o más discos giratorios.
La SSD, o unidad en estado sólido, que no dispone de piezas sólidas. Suele ser más rápida, silenciosa y eficaz que el disco duro convencional, pero también su precio es bastante superior.
O, La HDD externo, o disco duro externo que se conecta al ordenador a través de un puerto USB. Este tipo de memoria te permitirá optar por equipos más finos y pequeños.
Los archivos de sonido ocupan una gran cantidad de espacio (una melodía compleja puede llegar a ocupar 1GB), por lo que es recomendable que tu memoria de almacenamiento sea como mínimo de 1TB.
Tarjeta de sonido
Es un dispositivo conectado a la placa base del ordenador o integrado en ésta. Es la encargada de reproducir las señales de audio. Se puede conectar a altavoces, instrumentos, auriculares, micrófonos…
También existen tarjetas de sonido externas que tienen el mismo precio que las integradas y obtienen mejores resultados.
Puertos de entrada
Un puerto es una interfaz para enviar y recibir distintos tipos de datos. En la producción musical son muy importantes, ya que gracias a ellos podremos conectar a nuestro ordenador micrófonos, instrumentos y otros elementos de sonido.
Es importante que nuestro equipo cuente con un número generoso de puertos, ya que con cuantos mas contemos más elementos podremos conectar a nuestro equipo, como teclados o paneles MIDI.
Una vez hayas tenido en cuenta las características de estos componentes tendrás que pensar en otros aspectos, como si es mejor para ti un ordenador de sobremesa o portátil. Esto dependerá de tus necesidades.
Si eres una persona que siempre produce en un estudio o en un lugar fijo te recomendamos que utilices un equipo de sobremesa, ya que estos suelen contar con mayor capacidad para soportar los dispositivos de mayor tamaño.
En el caso de ser un productor que realiza su trabajo en diferentes lugares te conviene un ordenador portátil, ya que estos cuentan con la ventaja de transportarse fácilmente. Pero es importante que sea lo suficientemente potente para soportar los componentes anteriormente mencionados.
Modelos de ordenador recomendados
Tras haberte decantado por el tipo de ordenador más conveniente para ti es el momento de empezar a ver que marca y modelo es el que más se acerca a lo que buscas.
A continuación, te dejamos algunos ejemplos:
Apple MacBook Pro
Si está buscando un ordenador portátil para realizar tus producciones musicales un Macbook es una gran opción.
Si te decantas por este ordenador podrás elegir que su pantalla abarque desde las 13” a las 16”. Y también debes elegir el año del modelo, cuanto más tamaño tenga su pantalla y más joven sea el modelo más alto será su precio.
Su procesador Intel i7 de seis núcleos a 2,6 GHz y su memoria de almacenamiento SSD de 512 GB te permitirá hacer sesiones profesionales sin ningún tipo de lag, chasquidos o estallidos.
Si decides comprar este equipo te recomendamos que te hagas con un disco duro externo de amplia capacidad para poder guardar tus creaciones allí, con el fi de liberar carga a tu equipo.
Además, cuenta con la posibilidad de instalar varias aplicaciones y VST.
Microsoft surface studio 2
Este ordenador de sobremesa cuenta con un buenísimo rendimiento a la hora de producir tu música.
Cuenta con un procesador Intel i7 de séptima generación con 4 núcleos y una velocidad de reloj de 2’9 GHz; una memoria RAM de 16GB y una interna de 1TB SSD, lo que facilita la rápida carga de datos y la amplia capacidad de almacenamiento.
También destaca por su conectividad, pues, cuenta con cuatro puertos USB 3.2; un puerto USB3.2 tipo C; un puerto LAN y una salida de auriculares.
Su estética es muy ergonómica, ya que combina el gabinete con el monitor en un solo componente. Además, el trípode se puede flexionar para utilizar el monitor como un panel de pantalla táctil.
Pesa menos de 10kg y su ancho no llega a los 70 cm.
Dell XPS 8930
Un ordenador de escritorio muy potente y fiable perfecto para producir música y ofrecer un gran rendimiento.
Cuenta con un procesador Intel Core i5 de 6 núcleos de novena generación y velocidades de reloj de hasta 4.1 GHz; una memoria RAM de 8 GB con capacidad de ampliarse a 16 GB; y 1TB de memoria de almacenamiento.
Si te decides finalmente por este PC tendrás que comprar a parte un ratón, un monitor y un teclado. Pero cuenta múltiples puertos, lo que consigue que la conectividad no sea un problema.
Apple MAC Mini
EL MAC Mini de Apple es la combinación perfecta, un ordenador de sobremesa totalmente portátil y con una gran potencia.
Tiene un procesador Intel Core i5 de seis núcleos de octava generación que cuentas con una velocidad de reloj de 3.0 GH; Una memoria RAM de 8 GB ampliable y una memoria de almacenamiento de 512 GB en SSD. Lo que consigue que el arranque y la carga del PC sean muy rápidos.
También debemos destacar su conectividad, pues a pesar de ser tan pequeño (sólo pesa 1.3 kg) cuenta con cuatro puertos thunderbolt 3 (USB-C); Un puerto HDMI 2.0 y dos puertos USB 3.0. lo que te ayudará a conectar tu ratón, monitor, teclado y todos los componentes externos que desees.
Esperamos que después de habernos leído tengas una idea clara de cómo quieres que sea tu ordenador para Producir Música.
Contar con un buen equipo es indispensable, al igual que tener los conocimientos adecuados para poder producir tu propia música.
Te dejamos aquí todos los cursos que puedes realizar en DJP Music School.
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Qué debes hacer si quieres vivir de la música
Cómo introducirse en la industria musical
Confucio dijo “Escoge un trabajo que te guste y no tendrás que trabajar ni un sólo día de tu vida” ¡Qué razón tenía! Si eres de los que el ritmo corre por sus venas y te apasiona la música seguramente quieras convertirte en un profesional que viva de la industria musical.
Todos queremos dedicarnos a aquello que realmente nos gusta, y no siempre es fácil. Con este mundo pasa lo mismo, que no es sencillo, pero ¡Tampoco imposible! Si quieres saber cómo puedes empezar a trabajar en el negocio de la música no te pierdas este artículo, te daremos algunas claves para poder vivir de ella.
Lo primero es poner dedicación a todo lo que hagas
¿Estás convencido de que quieres que tus ingresos provengan de esta industria? Lo primero que te recomendamos es que recibas la formación adecuada ¡Nadie nace sabiendo! Busca aquellos cursos o programas que mejor se adapten a ti, tus necesidades y que te enseñen todos aquellos contenidos que sean indispensables para poder formarte como profesional.
En DJP Music School contamos con diferentes programas para aquellos que quieren enfocar su carrera en la producción musical y DJ con formaciones de calidad, modernas y personalizadas. Puedes encontrar todos nuestros cursos aquí, .
Pero no sólo te quedes con lo que te ofrece la formación ¡Sé curioso! Existen libros, revistas y blogs que te enseñarán muchas cosas del mundo de la música, como los géneros y ritmos de moda, nuevas oportunidades con sellos jóvenes, festivales…
Un libro bastante interesante es Así funciona el negocio de la música de Vicente Maño y Javier Bori. Los autores te cuentan con todo detalle aquellos aspectos que tienes que conocer antes (y después) de firmar tu primer contrato cómo músico basándose en su experiencia personal. Otro ejemplo es la revista Mondosonoro, en la que podrás encontrar entrevistas a músicos que comienzan su carrera profesional, cuáles serán los próximos festivales, o, artículos de interés. Además, en nuestra web te ofrecemos una gran variedad de contenidos descargables que creemos que te ayudarán bastante.
Así que ya sabes, si quieres convertirte en un músico profesional consigue formarte adecuadamente y sobre todo busca la perfección en cualquier proyecto que hagas, por muy pequeño que sea, conseguirás diferenciarte de los demás.
No te olvides de hacer contactos
Para poder trabajar en la música es importante conocer y que te conozcan, por eso es primordial que consigas crear tu propia red de contactos. ¡No seas tímido! Preséntate a profesores, otros profesionales de la música que conozcas en conciertos o eventos, productores… y pídeles algún dato de contacto. Nunca sabes dónde vas a encontrar tu oportunidad.
Además, conocer a personas que se dediquen profesionalmente a lo mismo que tú no servirá solo para conseguir oportunidades, también puedes pedirles opinión de tus trabajos. Nuestro círculo de confianza nunca podrá ser tan objetivo como un profesional.
Aunque ya hablaremos de las Redes Sociales más adelante, es oportuno hablar de LinkedIn, la red profesional más conocida. En ella podrás contactar con todas aquellas personas que pueden ayudarte a prosperar en la profesión. Por otro lado, te recomendamos que, si puedes permitírtelo, realices prácticas o voluntariados en discográficas, u otras empresas relacionadas con la industria. Puede ayudarte a añadir experiencia en tu CV.
Consigue que tu marca se convierta en una empresa
Al principio de tu carrera profesional tendrás que invertir mucho dinero, por eso es aconsejable que crees tu propia empresa, así podrás conseguir las deducciones de impuestos y gestionar tu tesorería. Además, estarás protegido como individuo y te hace ser más efectivo en el crecimiento financiero.
Por otro lado, sería favorable que aprendas a producir tu música, esto te servirá para conocer mejor el oficio y encontrar tu sonido más auténtico.
Una vez que tengas tu música producida y grabada es importante que registres tus obras. En España puedes acudir al Registro de Propiedad Intelectual, eso asegurará que en aquellas ocasiones que un tercero quiera utilizar tu obra deba respetar los Derechos de Autor y te ayudará contra el plagio.
No olvides informarte sobre los derechos que tienes como autor, sobretodo si te animas a distribuir tu música ¡Algo que te sugerimos! ya que con el auge de las plataformas es más fácil.
Cómo ganar dinero
Si te quieres dedicar a esto es importante que conozcas cómo trabajar las fuentes principales que te ayudarán a conseguir ingresos:
Consigue giras
Que te contraten para giras se ha convertido en una labor más sencilla tras el éxito de los festivales. Consigue que tus fans vayan a tus conciertos en directo y los promotores te querrán en su escenario.
Ten en cuenta los derechos editoriales
Si tu música es de creación propia los derechos editoriales garantizan que eres el propietario de la obra. Por ello, si algún tercero quiere utilizar tu música primero tendrá que contactar contigo para negociar cuánto dinero debe pagarte por ella.
Preocúpate por tu Branding
Cuando hablamos de branding nos referimos a tu imagen, tus logos, qué representas y quién eres. Es muy importante porque será tu identificación comercial.
No descuides tus perfiles sociales
En la actualidad, las Redes Sociales son un portal muy importante para mostrar tu talento y darte a conocer. Muchos artistas conocidos surgieron de aquí. Como el caso del cantautor Pablo Alborán, cuyo éxito surgió tras publicar sus canciones en Youtube y recibir más de 180.000.000 reproducciones en España y América Latina.
No podemos dejar de mencionar la importancia que ha adquirido en la industria TikTok una comunidad a nivel mundial donde se comparten vídeos cortos en pantalla completa. Los trends (bailes o retos que se vuelven virales) que surgen en esta Red Social pueden conseguir que tu canción se encuentre en el número uno de las listas más conocidas. Si sacas algún tema no dudes en interactuar con él en esta plataforma y crear algún trend para que se haga viral. Lo mismo puede ocurrir en Instagram y su sección de Reels, cuya estética es sumamente parecida a Tik Tok.
Finalmente, pero no menos importante, tenemos que hablar de las ya mencionadas plataformas que te permiten compartir tu música. Por supuesto que te vamos a recalcar la importancia que tiene que estés presente en Spotify. Pero no nos podemos quedar sólo ahí, ya que existen otras plataformas que te ayudarán.
Una de ellas es Soundcloud, donde puedes subir tus canciones y que los oyentes las comenten y (si lo permites) las descarguen. Otra plataforma estupenda para quienes se inician es BandCamp, en ella encontrarás oyentes deseosos de descubrir nueva música. Además no sólo podrán escuchar tu música, sino que podrán comprar álbumes y productos de marca.
Cuánto mayor esté cuidado tu branding mayor reconocimiento tendrás, algo que es importante si quieres triunfar en la música.
Para terminar este artículo nos gustaría comentarte que no te centres solo en las marcas más conocidas. Existen pequeñas firmas que también publican su música. Pues, normalmente solo entran en las listas musicales más famosas el 25% de toda la música producida al año.
Vivir de la música no es imposible. Existen muchas maneras para introducirte en el negocio. Sé paciente y ¡nunca pierdas el optimismo!
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Los Drum Machines que más se utilizaron en 2021
Cuando uno quiere pasarse al mundo hardware por primera vez, suele ser un poco... avasallante. Si bien con los sintetizadores puede ser un tanto más sencillo, pues sus sonidos son relativamente fáciles de diferenciar, hay otros que pueden ser más espesos de estudiar: los drum machines.
Las cajas de ritmos a menudo ofrecen atributos muy similares, y es por eso que os venimos a traer las mejores opciones si es tu primera compra. Eso sí, de nada sirve si no sabes sacarle el máximo partido ni tienes los conocimientos de producción musical suficientes. Si quieres convertirte en un profesional y aprovechar todo lo que te ofrecen estos instrumentos, consulta nuestros múltiples cursos haciendo click aquí.
Roland TR-8S
La mítica marca de sintetizadores, con algunos de los drum machines más conocidos de la historia en su catálogo, ha traído su apuesta futurista para los beatmakers. Diseñado para ser usado en directo, este “rhythm performer” combina una interfaz compacta y práctica con una gran variedad de sonidos. Entre estos, encontrarás algunos de los más conocidos de Roland junto a una extensa librería que incluye samples personalizados, una amplia variedad de sonidos FM y efectos muy interesantes. Entre ellos, delays, reverbs y un overdrive que pasan todos por un filtro afinado para cada sonido de cada pack.
Behringer RD-8 MKII Rhythm Designer
El RD-8 homenajea a uno de los drum machines más influyentes de la historia. A falta de un re-lanzamiento decente de Roland de su mítico 808, Behringer ha satisfecho los deseos de la gente con esta caja de ritmos.
Mejorando los intentos de su competidor con su TR-08, Behringer tomó nota de lo que fallaba y lo implementó en su dispositivo. Una recreación del sonido original del TR-808 con una interfaz totalmente analógica y que recuerda a su musa. Eso sí, añadiéndole algunos toques que la convierten en única.
El RD-8 contiene los mismos 12 tracks y 16 sonidos de percusiones que la original con los mismos parámetros de afinación y nivel. Para actualizarlo, Behringer ha añadido otros parámetros como un swing completamente variable, factores de randomización y un knob dedicado al kick drum para que lo uses como bass line sobre un MIDI. Y por supuesto, con salidas MIDI y USB-MIDI.
Korg Volca Drum
Esta línea de pequeños dispositivos que Korg ha confeccionado está triunfando por su accesibilidad en cuanto a precio y manejo. En este caso, el Volca Drum está enfocado a generar sonidos únicos con un motor que incluye un simple trigger waveform que puede ser manipulado a tu antojo. Aplicándole overdrive, overtone, distorsionado y pasado por un resonator.
Todo ello partiendo de 5 posibles ondas, que se pueden editar juntas o por separado. Además, incluye un secuenciador de 16 pulsaciones con posibilidad de grabar pulsación por pulsación.
Elektron Model:Samples
Siendo una de las marcas con las cajas de ritmos más cañeras, a veces Elektron peca de querer ir demasiado a lo complejo. Con el Model:Samples, eso ya no es un problema ya que han simplificado su flujo de trabajo con un drum machine fácil de usar y divertido.
Un Groove box de 6 canales repleto de samples de alta calidad, con 300 presets que van desde sonidos familiares a otros que nunca habías escuchado. Todo acompañado de knobs que te permite toquetear y transformar cualquier sample en algo único.
A parte de un botón para randomizar el secuenciador, puedes también guardar hasta 96 proyectos con 96 ritmos de hasta 64 pulsaciones. Además, con 64MB de memoria para samples y capacidad general de 1GB puedes llenarlo con tus propios sonidos.
Moog DFAM
El Moog DFAM (Drummer From Another Mother) parte del Mother-32, y utiliza un generador de White noise con dos osciladores de rango ancho como fuente junto a un Hard Sync y una FM controlada por voltaje. Incluye algunos elementos clásicos de Moog como el low pass ladder filter para perfilar el tono.
Su secuenciador es de los más simples que veréis, con solo 8 pulsaciones que pueden ser modificadas individualmente por su pitch y velocidad. El resultado es complejo, orgánico, emocionante y sorprendente.
Akai Pro Force
El Pro Force es un cruce entre el legendario sampler MPC de Akai y la vertiente enfocada a directos de Ableton Live. Incluye una pantalla táctil para controlar el secuenciador, un lanzador de clips 8x8 y aunque parezca un controlador MIDI funciona como un standalone – lo tiene todo integrado.
Puede hacer muchas cosas, desde importar stems, loops y samples para usarlos al vuelo, a sincronizarlos y afinarlos al momento con el master clock. Puedes convertirlo en un dispositivo para actuaciones de DJ mezclando entre temas y añadiendo efectos, modulaciones y filtros desde la pantalla táctil. Un dispositivo de lo más versátil.
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909 Day: Datos curiosos que probablemente no sepas acerca de la TR-909
Si en el 8 de agosto os hablamos de la Roland TR-808, en este 9 de septiembre no iba a ser menos. En DJP Music School también celebramos el ‘909 Day’, el día internacional de la Roland TR-909, lanzada tres años más tarde (1983) que su anterior versión, con el objetivo de conseguir un sonido más realista.
¿Qué le permitió diferenciarse de la Roland TR-808? Esta nueva drum machine presenta diferentes elementos analógicos y digitales basados en samples, incorporando un secuenciador de 16 pasos y una batería.
Aquí os dejamos con algunos datos curiosos e históricos de esta popular caja de ritmos
- Fue creada por Tadao Kikumoto, quien estuvo detrás de la roland TB-303.
- Se produjeron únicamente cerca de 10.000 unidades. Ocurrió algo similar a lo que pasó con la TR-808, al no haber gran interés por la industria musical se comenzó a comercializar en tiendas de segunda mano a un precio inferior por lo que más gente empezó a adquirirla.
- Algunas de las canciones más populares de la época de los 90 tales como ‘Show Me Love’ de Robin S, ‘Pump The Jam’ de Technotronic, ‘Big Fun’ de Innercity o ‘Vogue’ de Madonna fueron creados usando la Roland TR-909.
- La TR-909 incluía los siguientes sonidos: Bombo, Caja, Tom bajo, Tom medio, Tom alto, Rim Shot, Aplauso, Hi-Hat y Platillo.
- Su presencia va más allá de la industria musical, la canción principal de Mortal Kombat está creada con esta caja de ritmos.
- La TR-909 fue la primera caja de ritmos en incorporar conexión MIDI. Mediante esta novedad, los usuarios podrían construir su pequeño estudio que normalmente incluía una caja de ritmos, un muestreador y un procesador de efectos.
¿Queréis ver a la TR-909 en plena acción? Aquí tenéis esta exhibición de la leyenda estadounidense Jeff Mills
Actualmente, varios de los DAWs de producción musical más populares tales como Ableton, Pro Tools, FL Studio o Logic Pro cuentan con bancos de sonidos inspirados en esta revolucionaria caja de ritmos. Si te gustaría poder crear canciones con sus sonidos haz click aquí para apuntarte en algunos de nuestros cursos de producción musical.
Además, os dejamos una playlist con un buen repertorio de canciones populares creadas con la TR-909 para que no paréis de bailar en este ‘909 Day’:
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6 curiosidades sobre los Discos de Vinilo
Parece mentira que, justo en el momento histórico donde las cosas están más digitalizadas que nunca, está resurgiendo lo analógico. Una melancolía que, plasmada en cifras, tiene muy contentos a los fabricantes de vinilos, pues están viviendo una segunda juventud. Los discos de cera han vuelto para convertirse ya no solo en una herramienta para escuchar música sino sobre todo para ser objetos de coleccionista. Piezas únicas y tangibles que hacen sentir a aquel que las obtiene que tiene consigo un tesoro. Es por eso que hoy, día del disco de vinilo, vamos a contar algunas de las curiosidades de ellos.
Thomas Edison, de la bombilla al vinilo
Thomas Edison patentó el fonógrafo en 1878. Ese aparato podía grabar y reproducir sonido, y lo hacían con una aguja conectada a un amplificador que se deslizaba sobre un cilindro recubierto de cera que permitía escuchar los sonidos registrados. Este invento dio paso al gramófono diez años después, cambiando los cilindros por unos discos que, en 1948, se acabaron convirtiendo en los primeros discos de vinilo.
El primer vinilo
Enrico Caruso, el que por aquel entonces era el máximo exponente de la ópera mundial, fue el primer cantante en tener su obra registrada en un vinilo. Fue en el año 1902 y llegó a vender un millón de copias.
La electrónica, el segundo género más vendido
Por lo que a estilos musicales se refiere, sorprende que algo tan reciente como es la electrónica sea el segundo género más comprado por los melómanos del último siglo. Por delante suyo, no podía haber otro que el rock, pero con una diferencia sorprendentemente corta.
‘Thriller’ es el número 1 de ventas de la historia
El mítico álbum del mismísimo Michael Jackson es aún a día de hoy el LP más comprado 40 años después de su lanzamiento. Tras él encontramos otras leyendas como Pink Floyd y su ‘The Dark Side of the Moon’ o ‘Back in Black’ de los australianos AC/DC.
El vinilo más caro de la historia
El CD más caro jamás vendido llevaba ritmo de hip hop. Wu-Tang Klan imprimieron una sola copia de su álbum ‘Once Upon a Time in Shaolin’ que fue comprada por ni más ni menos que por 2 millones de dólares. Pero si hablamos de vinilos, tenemos a Ringo Starr ocupando la primera plaza, que vendió su copia del álbum homónimo de los Beatles con el identificativo número de serie ‘0000001’. Este se vendió a un comprador anónimo por 790.000 de dólares, en una subasta celebrada en diciembre de 2015 que también vendió su famosa batería Ludwig, que fue comprada por 2,2 millones de dólares.
El vinilo vuelve a estar de moda
La nueva tendencia a coleccionar memorabilia de nuestros artistas favoritos ha convertido al vinilo en uno de los objetos más demandados por los fans tras el lanzamiento de un álbum. Este nuevo hábito de querer obtener un objeto físico para guardarlo cual tesoro ha hecho que en los últimos años, los vinilos superen en venta a los CDs por primera vez desde 1986. El primer semestre de 2020 se facturaron 232 millones de dólares con la venta de vinilos, un 62% del dinero total generado por el formato físico pero un 4% del total de los beneficios generados por las grabaciones musicales en todas sus formas.
Lo que está claro es que los artistas están teniendo en cuenta este nuevo fenómeno mundial, y muchos están optando por ofrecer en formato vinilo sus nuevos lanzamientos. ¿Y es que a quién no le haría ilusión poder tener entre sus manos su propia obra? Para ello, antes es necesario aprender producción musical. Si quieres saber cómo se siente el poder compartir con el mundo lo que uno crea, puedes hacer click aquí para adentrarte en el mundo de la producción con nuestros múltiples programas.
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8 canciones hechas con la TR-808 de Roland
Hoy es un día que los amantes de la música electrónica miramos con especial atención. En este 8 de agosto se celebra el día internacional de la caja de ritmos más popular: Roland TR-808 y en DJP Music School hemos querido hacer un repaso en su historia trayéndoos 8 canciones creadas a partir de esta drum machine.
La aparición de este famoso aparato en 1980 de la mano de la Roldan Corporation revolucionó totalmente la manera de crear música, permitiendo programar baterías mediante un sistema de secuenciación y creación de patrones. Incluía diferentes sonidos que permitían al artista personalizar sus sets; bombos, cajas, hi-hats y otros sonidos como rim shots, claps o shakers.
Su camino a la popularidad no fue tan sencillo en sus comienzos, ya que no muchos artistas y bandas decidieron incorporarla en sus creaciones debido a que no ofrecía sonidos de percusión tradicionales o realistas, no logrando llegar así al público mainstream siendo un fracaso en términos de ventas. Su popularidad se elevó cuando artistas emergentes de estilos undergrounds como el hip hop y house la comenzaron a usar en sus producciones al igual que el maestro del R&B y soul Mavin Gaye.
Estas son algunas canciones que fueron hechas con la TR-808:
Yellow Magic Orchestra - 1000 Knives (1980)
La banda japonesa fue la primera en incluir a la Roland TR-808 en su proceso creativo y en sus actuaciones en vivos. Su tema ‘1000 Knives’ de 1980 y su disco ‘BGM’ de 1981 son de las primeras grabaciones en incluir esta máquina.
Marvin Gaye - Sexual Healing (1982)
A finales de 1981 el americano Marvin Gaye se encontraba de retiro en Ostende (Bélgica), tratando de poner orden a su vida y buscando nuevas fuentes de inspiración. Creó su álbum ‘Midnight Love’ gracias a la cantidad de posibilidades de la TR-808 y su popular tema ‘Sexual Healing’ fue el primero en utilizar esta máquina en llegar al Billboard Top 100, aumentando su popularidad.
Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force - Planet Rock (1982)
Este tema, publicado en 1982, fue uno de los precursores de la ola posterior de house, techno y hip hop. Fue un tema que definió unos sonidos y estructuras que marcarían la escena electrónica de los 80.
Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody (1987)
Tras el año 82 fue más común ver a artistas mainstreams usar esta máquina. Otro caso destacado es el de Whitney Houston y su ‘I Wanna Dance With Somebody’, convirtiéndose en la primera artista en llegar a la certificación platino.
Lil Louis – French Kiss (1989)
El americano procedente de Chicago Marvin Burns, conocido por su alias Lil Louis, publicó en 1989 ‘French Kiss’, uno de los temas que marcó la era de la música disco, debiéndole su éxito al uso de la 808.
Xtal - Aphex Twin (1992)
El carismático australiano Richard David James más conocido como Aphex Twin es un artista conocido por su experimentación dentro del sonido y en el proceso creativo. En 1992 usó una 808 que él mismo hackeó, modificando la configuración de la máquina para experimentar con sus sonidos.
OutKast – The Way You Move (2003)
El dúo de Atlanta Outkast, formado por André 3000 y Big Boi, son unos grandes amantes del sonido de la 808. En su tema ‘The Way You Move’ de 2003 no sólo utilizan la máquina para su creación si no que le dedican una frase: “I know y’all wanted that 808” (Sé que querían esa 808)
Kanye West – Love Lockdown (2008)
El amor por la 808 por parte de Kanye West es más que conocido, titulando a su álbum publicado en 2008 ‘808s & Heartbreak’, estando presente la popular máquina en todo el proceso creativo.
Hemos creado esta playlist con éstas canciones para que la puedas escuchar cuando quieras:
En DJP Music School no os podemos regalar, ni dejar una Roland TR-808, pero si que ofrecemos varios cursos de producción para que domines las percusiones y demás ámbitos de la música. Puedes descubrirlos haciendo clic aquí.
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Conoce los términos que debes saber si quieres ser DJ
Términos y palabras técnicas que todo DJ debe conocer
Seguramente si estás empezando en el mundo del DJ y has tenido tus primeras conversaciones con otros profesionales del gremio, te hayan dicho alguna palabra que te ha dejado con la cara de póker.
Esto se debe a que los DJ’s, al igual que otros profesionales de otros sectores, tienen su propia jerga a la hora de referirse a diversos aspectos que tienen que ver con las técnicas de DJing, con su experiencia en las salas, etc.
En este nuevo post queremos presentarte aquellos términos más comunes entre todos los discjockeys.
Diccionario para DJ's
Backspin o spinback: Efecto que se produce cuando se gira el disco al sentido contrario de las agujas del reloj.
Back to Back o B2B: Actuación de dos o más DJ’s al mismo tiempo y en la misma cabina.
Beat o pulse: Es el golpe que delimita el tiempo rítmico de la música. Tú mismo puedes medir los beats moviendo la cabeza al ritmo de la música.
Beat-juggle: Creación de un ritmo totalmente nuevo con los golpes de batería sacados de una pareja de discos.
Beatmaching: Técnica musical que cambia la velocidad de una pista para que coincida con el tempo musical de otra pista con el objetivo de sincronizar los beats.
B.P.M: Beats por minuto.
Break o cut: Silencio de todos los elementos (también la percusión) para romper el ritmo de una misma pieza. Normalmente los DJ’s lo utilizan para subir el volumen y pausar la canción o para cambiar de pista sin tener que mezclar.
Breakbeat: Pequeña porción de batería sampleada y repetida a forma de loop para que sirva como estructura rítmica (base). De esta forma se construye el ritmo en el Hip-Hop.
Breakdown o puente: Sección en la que se dejan los mínimos elementos, normalmente suele ser la voz o la percusión.
Corte o drop mixes: Cambio rápido de un disco a otro sin que se pierda el control.
Crab: Movimiento de los dedos que permite realizar técnicas de scratching muy rápidas.
Delay: Efecto de sonido donde se retiene la señal original para producir una sola repetición.
DJ set: Lista de temas que el DJ tiene pensado pinchar.
Drop o smash: Momento donde explota la canción con ritmos y melodías fuertes y constantes.
Extended-mix: Canción que tiene intro y outro.
Fade: Ajuste gradual del volumen. Puede ser un ajuste del silencio a la música, de la música al silencio, o de una pista a otra.
Hook o gancho: Esa parte memorable o pegadiza de la canción que invita a todo el mundo a escucharla una y otra vez.
Hot-cues: Creación de marcas en un determinado punto de la pista.
Loop: Sample que se repite para formar un ritmo constante o melodía en un tema.
Megamix: Combinación de diferentes elementos de distintas canciones para crear un conjunto unitario.
Mixtape: Recopilación de varias canciones. Normalmente suelen ser de distintos artistas.
Sample: Técnica que consiste en coger un beat o un tipo de música para crear música nueva.
Scratch: Creación de sonidos rítmicos con el movimiento hacia atrás y hacia adelante y cortarlo con los faders de la mesa.
Sincopa: Mezclar los ritmos antes o después de lo normal para crear sonidos más interesantes.
¿Te sonaban estas palabras? Si te gustaría comenzar tu carrera profesional como DJ pinchando en las grandes salas te recomendamos que comiences a formarte cuanto antes. Ahora puedes aprender con los Cursos de DJ que ofrecemos en DJP Music School.
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¿Qué no debe faltar en tu maleta de DJ?
A un bolo siempre hay que ir preparado. Cuando menos lo piensas, ocurre algún inconveniente que debes resolver, y mejor si eres precavido, ya que un buen DJ no se presenta en el evento solamente con su música.
Aunque hayas hablado anteriormente con los organizadores y sepas a qué equipo te vas a enfrentar o cómo es el lugar, si preparas tu maleta de DJ siguiendo los consejos que te damos a continuación, podrás resolver las pequeñas trabas que se pueden presentar. La regla general para preparar tu maleta DJ es tener en cuenta todos los percances que puedan suceder durante una sesión. Aquí va una lista con lo básicos que necesitas ¡DJ precavido vale por dos!
Cables
Los cables son muy dados a estropearse y a perderse. Por eso, no está de más llevar unos cuantos en tu maleta por si alguno falla.
Los cables que no pueden faltar son: un par de cables RCA de mínimo un metro de largo para conectar los reproductores a la mesa de mezclas, un cable de red para poder interconectar los reproductores y un cable USB extra además de los que ya necesites, puesto que este es el que más suele dejar de funcionar.
Además, te recomendamos que estudies y conozcas bien cómo funcionan las conexiones de cables de diferentes equipos. Normalmente, cuando tienes un bolo en un sitio pequeño no suele haber un técnico de sonido y tienes que ser tú quien conecte y prepare todo.
También te aconsejamos que marques los tipos de cables con trozos de cinta aislante de diferentes colores. Así si tienes que utilizarlos con urgencia podrás diferenciarlos rápidamente.
Cascos de repuesto
Sería de muy mala suerte que tus cascos de confianza dejarán de funcionar en mitad de un bolo. Pero por si acaso, no estaría de más que incluyeras unos de repuesto en tu maleta.
Nuestra recomendación es que los cascos que utilices sean desmontables, por si lo que falla es alguna de sus piezas. En este caso, estaría bien que lo que llevases de recambio fuese el cable. Los cables siempre son los que más problemas dan.
Adaptador de minijack a jack extra
Incluso te aconsejamos que lleves un par más de la cuenta. Estos pequeños desaparecen por arte de magia.
Copias de seguridad de tu música
No cometas el error de llevar toda tu música metida en un solo pendrive. La experiencia nos ha enseñado que es muy fácil que un pendrive deje de funcionar en el momento menos adecuado o que el reproductor no lo lea. Por eso lo más conveniente es llevar copias de tu música analizada en varios dispositivos. Un par de pendrives extra no ocupan apenas sitio y pueden salvarte la sesión. En uno de ellos es aconsejable que metas tu música sin analizar por si el reproductor no es compatible con el software que utilizas en casa.
Si pinchas con ordenador te sugerimos que lleves una copia de seguridad externa con toda tu música, a ser posible en un pendrive. Si tu ordenador se avería y la sala cuenta con reproductores, podrás pinchar con ellos.
Instalador de tu software para pinchar
La informática a veces es traicionera y los programas dejan de funcionar cuando menos te lo esperas. Para no entrar en crisis y poder seguir con tu bolo, si tienes el instalador de tu software a mano podrás reinstalarlo. En menos de quince minutos tendrás solucionado el problema y la música estará sonando.
Tapones para los oídos
Vas a destinar muchas horas a estar expuesto a un alto nivel acústico. Con los tapones protegerás tus oídos y evitarás la fatiga auditiva a lo largo de la sesión. Por culpa de esta segunda, a veces, se comete el error de subir la ganancia y poner los temas a un volumen más alto de lo que se debería.
Limpiador de vinilos, cápsulas, agujas y patinadores
Si eres de los que pincha con vinilos hay varias cosas que no se te pueden olvidar. En primer lugar, un limpiador de vinilos. Es muy fácil que en el ambiente haya pequeñas motas de polvo y una de ellas sobre tu vinilo puede hacer que no suene correctamente.
Además, si vas a utilizar el equipo de la sala quizás las cápsulas y las agujas no estén en el mejor estado pues suelen desgastarse bastante. Es recomendable que lleves un par de repuesto y unos patinadores.
Linterna
Ya sabemos que hoy en día el teléfono móvil sirve para muchas cosas, incluso como linterna. Pero si tienes un bolo nocturno o en un sitio con poca luz no puedes depender de la batería de tu móvil o de su capacidad de iluminar si en algún momento necesitas ver con claridad. Una pequeña linterna led será de gran ayuda si necesitas cambiar un cable o si se te cae un pendrive, por ejemplo.
Alargador y/o regleta
Si pinchas con ordenador no puedes arriesgarte a quedarte sin batería en medio de la sesión y, a veces, no queda ningún enchufe libre cerca de la cabina. Un alargador o regleta siempre es útil. Más vale que sobren clavijas para poder conectarte a la corriente eléctrica a que falten.
Ten en cuenta todas estas cosas a la hora de armar tu maleta de DJ. Recuerda siempre ser precavido, de esta manera podrás prevenir cualquier imprevisto que pueda ocurrir en tu trabajo.
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Las apps que no pueden faltar en tu móvil si eres DJ
¿Te ha pasado alguna vez que se te ocurre una melodía, no tienes forma de plasmarla y queda en el olvido? No te preocupes, la creatividad llega cuando menos te lo esperas y eso es algo muy común que nos ha pasado a todos. Es por eso que con este artículo queremos darte la solución. Si eres dj, a continuación, te dejamos algunas aplicaciones que deberías tener instaladas en tu teléfono móvil. Así la próxima vez que la inspiración te pille fuera del estudio no perderás esa idea. Algunas de ellas, incluso pueden servirte para amenizar una fiesta.
Edjing
Es una aplicación muy potente para mezclar música. Cuenta con doble bandeja de mezcla, grabador, ecualizador y automix. Pero sus características más impresionantes son la compatibilidad con Deezer, el soporte para tu biblioteca local, que cuenta con 16 muestras para reproducir y que tiene sincronización continua de dos pistas y bucles. También tiene turn-tables, acceso a SoundCloud, un crossfader y la capacidad de subir tus mezclas a la nube directamente desde la app.
Djay
Con esta app tendrás todas las herramientas de la mesa de un DJ en tu móvil. Cuenta con doble plato de mezclas, auto-mezcla, efectos, pitch-bend, looping y grabación de música siempre que no sea en streaming, entre otras muchas cosas. Pero lo que más destaca de Djay es la integración de Spotify premium, por lo que si cuentas con este plan podrás utilizar toda su música sin necesidad de tenerla guardada en tu dispositivo.
Traktor DJ
Una de los softwares de djing más populares adaptado a tu smartphone. Esta app tiene gran cantidad de efectos de transición, detección automática de tempo y sincronización de BPM. Además, la misma app te sugiere el tema que poner a continuación y lo hace con bastante acierto.
FL Studio Mobile
Los productores amantes de Fruity Loops pueden llevar este DAW con ellos siempre. Aunque en su versión móvil tiene algunas limitaciones, esta app ofrece gran cantidad de posibilidades. Puedes crear melodías a través de su piano roll y de los diferentes instrumentos, grabar y exportar tus creaciones en WAV, MIDI y AAC.
FL Studio Mobile cuenta con varios efectos como EQ, Delay, Reverb, Limiter, Filter o Amp. Además, te da la posibilidad de compartir tus temas a través de Dropbox o correo electrónico. Pero su característica estrella es que puedes conectarla a tu DAW del ordenador para poder trabajar con mayor comodidad sobre todas tus creaciones.
Esta aplicación te ofrece secuenciador de canciones, bastidor de efectos que admite dos efectos por módulo, control de volumen maestro, EQ, limitador y un mezclador de siete canales. Caustic cuenta con módulos como Beatbox, Organ, Modular, Subsynth, FMSynth, 8BitSynth, PCMSynth, Bassline, Vocoder o KSSynth. Además, podrás usar tus archivos WAV guardados con la app en BeatBox, PCMSynth y Vocoder.
Music Maker JAM
Se trata de un pequeño estudio de grabación de 8 pistas en las cuales se pueden mezclar diferentes loops que están organizados por géneros musicales que, a su vez, cuentan con varios instrumentos musicales. Tiene 100 estilos de música diferentes como EDM, Hip Hop, House, Pop, Dubstep o Rock.
Una de las particularidades de Music Maker JAM es que puedes grabar sonidos con el micrófono de tu teléfono, por ejemplo tu voz, y añadirlo como una pista más. También cuenta con varios efectos y capacidad para ajustar el tempo y la armonía. Además, podrás compartir tus creaciones directamente desde la app a tus redes sociales.
Drum Pad Machine
Esta app funciona como un launchpad, aunque de forma más básica. Su funcionamiento se basa en ir pulsando los diferentes cuadrados de colores. A cada uno de estos pads les puedes asignar un sonido diferente y con ello crear una base o una melodía.
Drum Pad Machine cuenta con un aspecto visual muy cómodo y mucha facilidad de manejo.
Y, como bonus tracks, te dejamos unas apps que no son para crear pero que sí son obligatorias en el teléfono móvil de cualquier artista musical o melómano:
- Shazam: Un detector de canciones. Para cuando escuchas ese tema que te molaría meter en tus sesiones pero no sabes de qué artista es ni como se llama.
- SoundCloud y MixCloud: Las plataformas más populares donde djs y productores comparten sus creaciones. Si no tienes un perfil ya creado en ellas, estás tardando en hacerlo.
- Spotify o Apple Music: Desde que llegaron este tipo de plataformas de música en streaming no hay disculpa para no estar al tanto de todas las novedades.
Así que ya sabes, si eres dj y buscas apps que pueden salvarte de alguna situación, aquí tienes algunas para descargar y trastear. Eso sí, ten en cuenta que casi todas estas aplicaciones tienen su versión gratuita, más limitada, y su versión de pago, con la que tendrás una experiencia más completa.
"Mi experiencia en DJP Music School" por Beatriz Cano
En esta ocasión os traemos la experiencia de Beatriz Cano, tras su paso por DJP Music School. Una alumna que buscaba aprender más acerca de Ableton, y decidió hacerlo en nuestra escuela que es el primer Ableton Certified Training Center de Madrid. Os dejamos con su testimonio a continuación.
De cómo me he iniciado en la producción musical
Por Beatriz Cano
Mi trabajo siempre ha estado ligado a la música aunque desde la retaguardia, en el mundo de la comunicación. Hace un par de años di el paso a meterme en la cabina pero nunca me había atrevido a crear más allá de las mezclas como DJ.
Componer un tema se me hacía un mundo ya que solo he tenido formación musical autodidacta para enfrentarme a la mesa de mezclas. Por eso decidí que tenía que hacer algo para ser una artista más versátil y poder ofrecer mejores experiencias en mis lives. Ahí fue cuando me topé con DJP Music School.
Para iniciarme en el mundo de la producción musical escogí Ableton Live por las buenas referencias que me habían dado compañeros profesionales de la música. Entre los DAWs que estuve investigando fue el que más me convenció para incluirlo en mis performances. Y ya de lanzarme a ello, ¿qué mejor que aprender en un centro certificado por el propio programa?
Por si no lo sabías, DJP Music School imparte un Programa Certificado de Producción en Ableton, puedes ver más información aquí
https://www.youtube.com/watch?v=liF4LhNhu78&ab_channel=DJPMusicSchool
Una de las cosas que creo que ha de tener una escuela de música es la capacidad de adaptarse al nivel y a los gustos del alumno puesto que cada uno llega al aula con un currículum diferente. En mi caso, mi repertorio pasa por varios estilos que pueden ir del rock o el indie hasta el techno más oscuro y, en ocasiones, he tenido que decantarme por uno u otro a la hora de buscar formación. Así pues, desde el primer momento que hablé con el equipo de DJP supe que era un buen lugar donde evolucionar ya que supieron amoldarse a lo que necesitaba y encajaba conmigo.
Empezar en el mundo de la producción musical puede dar un poco de vértigo, sobre todo en los inicios, dado que son muchos los conceptos y las técnicas que tienes que dominar para poder plasmar de forma audible las ideas que surgen en tu cabeza. Por eso es importante tener un temario estructurado y desglosado que sirva como guía antes de enfrentarte a la pantalla y al Ableton Push. En mi caso, un truco que he utilizado ha sido ojear todo el contenido del campus virtual antes de ir a las clases presenciales para no sentirme muy perdida. De esta forma, las clases se han hecho más amenas y las hemos podido dedicar casi en su totalidad a practicar, que es la mejor forma de aprender a hacer música.
Al realizar un curso intensivo asistiendo tres días por semana a la escuela, repartidas en clases de casi tres horas cada una, más el tiempo que tienes que dedicarle en casa para repasar y realizar los trabajos prácticos, te obligas a ser constante para completar todo del programa. El plan académico que sigue DJP Music School propone metas a corto, medio y largo plazo. Cada clase tiene un objetivo y cada bloque es evaluado para comprobar que se hayan alcanzado las competencias que se habían propuesto. En cuanto vayas cumpliendo todo esto te darás cuenta de que aprender a producir con Ableton Live es bastante sencillo y al cabo de dos meses sabrás todo lo necesario para construir un buen tema o finalizar los que ya tienes. Aunque siempre se van descubriendo novedades, en la música nunca se sabe lo suficiente.
Contaros también, que en DJP Music School cuentan con asesores muy cualificados que podrán interpretar lo que necesitas y llegarán a ofrecerte la mejor opción para ti, como en mi caso con el curso.
Con pasión por lo que se imparte se consigue que el estudio se convierta en algo ameno y divertido. Por eso, una de las cosas que más valoro de todas las que me he llevado de DJP Music School, aparte de los conocimientos y destrezas musicales, son las ganas de seguir adelante en el mundo de la producción. Ahora es el momento de seguir indagando y poner en práctica todo lo que me han enseñado. Ya he empezado a montar mi pequeño estudio en casa, quizás los que no están tan contentos con la idea son mis vecinos.
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La mezcla armónica para DJs principiantes
Un buen dj no sólo se caracteriza por encajar a la perfección el tempo de dos temas, sino que tiene que ser capaz de mezclar dos (o más) tracks cuyas tonalidades casen de forma precisa. El truco para ello es la mezcla armónica.
El mixing armónico sigue unas reglas establecidas utilizando el sistema de la Rueda de Camelot, cuya interpretación ayuda a acertar qué canción pega con cuál a la hora de pinchar. A continuación te contamos cómo interpretarla y los trucos para comenzar a utilizar esta técnica que perfeccionará tus sesiones.
¿Qué es la rueda de Camelot?
La rueda de Camelot es una representación gráfica de las 12 tonalidades mayores y las 12 tonalidades menores. Las mayores se representan en el círculo exterior y las menores en el interior. A cada nota musical se le asigna un número del uno al doce que van en la dirección de las agujas del reloj. Se trata de una reinterpretación del Círculo de Quintas.
Las tonalidades situadas en la parte interior y exterior respectivamente poseen las mismas notas de la escala, aunque distinto centro de gravedad (mayores y menores). La tonalidad establecerá un centro de gravedad a partir del cual se crearán las escalas y sobre el que orbitarán los distintos acordes. La letra A se asigna a las escalas menores (en el interior de la rueda) y la letra B a las mayores (en el exterior de la rueda) e indica qué tipo de escala se utilizó para la composición del tema.
Siguiendo esta gráfica, los tracks asignados en la misma casilla con el mismo código o tonalidad, son los más propensos a encajar fácilmente porque comparten todas las notas de la escala. Pero existen diferentes trucos o técnicas para variar la tonalidad en tus sesiones y mezclar temas con tonalidades diferentes.
Lo primero que necesitas saber para empezar a utilizar la mezcla armónica es el tono en el que se encuentra cada canción pero si no lo sabes reconocer solo escuchándolo, no te preocupes. Por suerte todos los softwares para djs incorporan ya sus propios sistemas para analizar cada track y detectar su tonalidad para facilitarte las mezclas armónicas. Fíjate en la pestaña key y lo sabrás.
Si eres de la antigua escuela y pinchas con vinilos quizás esto te resulte más complicado sin ayuda de ningún software, pero entrenando la escucha puedes conseguir saber qué tonalidad tiene cada tema. Aún así, tanto si eres dj de vinilo como digital, con el tiempo y la práctica serás capaz de saber de manera intuitiva qué tracks combinan entre sí.
¿Cómo usar la Rueda de Camelot?
La utilización de esta técnica para mezclar consiste en casar temas que tengan tonalidades compatibles.
Antes de ponerte a pinchar tienes que bloquear el cambio de tonalidad. Se trata de activar el Keylock o Master Tempo, tendrá un nombre u otro según el software o herramienta que estés utilizando. Esto es porque si cambia el pitch de la canción cambiará su tonalidad. Si pinchas con platos, donde en algunos modelos no es posible bloquear el cambio de tono, tienes que fijarte en que no haya una diferencia de pitch de más de 1,7% para que el mixing armónico funcione.
A continuación, te contamos cuáles son los trucos básicos para saber cómo poder dar saltos en la Rueda de Camelot manteniendo la armonía.
Cambiar de mayores a menores relativas y viceversa:
Se trata del salto más sencillo y que a primera vista parece más lógico. Muévete de una letra a otra (de A a B y al revés), es decir, de la casilla interior a su homónima exterior y viceversa, manteniendo el mismo número. Es decir, mezcla temas que tengan la misma nota pero cambiando de escala mayor a menor. Por ejemplo, 7A con 7B.
Cambio tonal:
Es otro de los saltos más simples. Se trata de moverte entre los números contiguos en ambos sentidos de la rueda. Solo tienes que solo tienes que sumar uno o restarlo. O lo que es lo mismo, subir o bajar una nota. Por ejemplo, 3B con 2B o 4B.
Cambio modal:
El cambio modal consiste en saltar de tonos mayores a tonos menores y viceversa.
Si te encuentras en una tema con tonalidad mayor (en la parte exterior del círculo), puedes cambiar a uno menor bajando a la correspondiente menor (interior del círculo) y dar tres saltos hacia la izquierda (sentido contrario a las agujas del reloj). Por ejemplo, de de 7B a 4A. Si, por el contrario, quieres pasar de una tonalidad menor a una mayor el movimiento se realiza a la inversa: saltas a la nota correlativa mayor (exterior del círculo) y das tres saltos hacia la derecha (sentido de las agujas del reloj). Por ejemplo, de 7A a 10B.
Energy Bost:
Esta técnica no es exactamente de mezcla armónica porque no combina armonías compatibles. Hacer Energy Bost es crear una sensación de aumento de energía (lo coloquialmente conocido como subidón).
Este tipo de cambio consiste en que la siguiente canción que vas a pinchar tenga una tonalidad que esté a 2 posiciones más (si quieres subir un tono) o 7 posiciones más (si quieres subir un semitono) que la que principal. En este método siempre se suma, es decir, los movimientos son en el sentido de las agujas del reloj y sin cambiar de A a B o viceversa. Por ejemplo, para irías de 2A a 9A para subir el track un semitono o de 2A a 4A para subirlo un tono.
Este efecto es recomendable en transiciones muy rápidas o en las que hay una parada y en ese momento aprovechamos para lanzar el siguiente tema con el bajo ya subido para que no haya disonancias.
Así que ya sabes, si todavía no tienes tanta experiencia como Dj y quieres saber si tus mezclas sonarán "bien", te aconsejamos que utilices la Rueda de Camelot. Así verás si todo encaja perfectamente sin haberlo comprobado antes.
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Los mejores auriculares para DJ que encontrarás en Madrid HIFI
Conoce los mejores auriculares para DJ que existen en el mercado
Si quieres ser un DJ de renombre, es muy importante que cuentes con el equipo adecuado para elevar tus habilidades y ofrecer actuaciones de alto nivel.
Cuando se trata de equipos imprescindibles, los auriculares encabezan la lista. Son tus compañeros de confianza en cada mezcla, permitiéndote captar cada detalle y afinar las transiciones con precisión.
En este post, de la mano de Madrid HIFI, te ayudamos a decidir cuáles serán los mejores auriculares para acompañarte en tus sesiones.
Sennheiser HD 25 Auricular DJ
Estos auriculares son muy valorados por los DJs. Destacan por su calidad de sonido excepcional.
Sus potentes controladores dinámicos ofrecen una respuesta de frecuencia amplia y equilibrada. Son ideales para detectar cada detalle de la música y realizar transiciones precisas.
La construcción robusta de los HD 25 los hace resistentes a golpes y caídas, y su cable reemplazable garantiza una mayor durabilidad. Además, su capacidad de rotación permite el monitoreo con un solo oído mientras interactúas con el entorno.
Estos auriculares los puedes comprar por menos de 140 € en Madrid HIFI, y cuentan con una valoración de “excelente”.
AUDIO-TECHNICA ATH-M30X Auricular Profesional
Estos auriculares son una opción asequible para profesionales de la música. En Madrid HIFI podrás encontrarlos por menos de 80€.
Sus controladores de 40 mm producen un sonido claro y balanceado, con una respuesta de frecuencia amplia que permite capturar todos los detalles de la música.
Los bajos son ricos y potentes, mientras que los medios y los agudos se mantienen nítidos y bien definidos.
Además, sus materiales robustos y duraderos, resisten el uso intensivo. El cable desmontable de 3 metros brinda flexibilidad y se puede reemplazar fácilmente.
AIAIAI TMA-2 MOVE. Auricular Inalámbrico
La capacidad inalámbrica de estos auriculares brinda la libertad de movimiento sin restricciones y una fácil conectividad con tus dispositivos.
La calidad de sonido de estos auriculares es excepcional. Sus controladores dinámicos de 40 mm ofrecen una respuesta de frecuencia equilibrada y detallada.
La versatilidad es otra característica destacada de estos auriculares. Gracias a su diseño modular, puedes intercambiar diferentes partes. Esto te permite personalizar tu experiencia auditiva y adaptarlos a diferentes situaciones.
Están construidos con materiales de alta calidad y resistencia, asegurando una mayor vida útil. Su diseño plegable facilita su transporte y almacenamiento, y también protege los auriculares cuando no están en uso.
Puedes hacerte con ellos en Madrid HIFI por poco más de 200€.
Audio Technica ATH-SR50BT-BK
Con su capacidad inalámbrica, los ATH-SR50BT-BK te ofrecen la libertad de disfrutar de tu música sin cables y sin comprometer la calidad de sonido. Puedes comprarlos por unos 150€ en Madrid HIFI.
Su conectividad estable garantiza una reproducción fluida y sin interrupciones, mientras que su alcance extendido te permite moverte libremente mientras mantienes la conexión.
Estos auriculares ofrecen un sonido equilibrado y detallado gracias a sus controladores de 45 mm con tecnología Pure Digital Drive. La respuesta de frecuencia amplia y precisa permite disfrutar de una experiencia de escucha envolvente y gratificante.
Estos auriculares también cuentan con funciones prácticas, como controles táctiles intuitivos en los auriculares que te permiten administrar la reproducción de música. Además, su batería de larga duración te ofrece hasta 28 horas de reproducción continua.
La elección de los auriculares adecuados es esencial para los DJs que buscan un rendimiento de alto nivel.
Los auriculares mencionados ofrecen calidad de sonido excepcional y características sobresalientes para satisfacer las necesidades de los artistas.
Sin embargo, no se trata solo de tener el equipo correcto. La educación y el estudio también desempeñan un papel fundamental en el camino hacia convertirse en un DJ profesional.
En DJP Music School, entendemos la importancia de la formación especializada en DJ y ofrecemos cursos especializados en DJ diseñados para ayudarte a perfeccionar tus habilidades y conocimientos.
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Los mejores auriculares para DJ
¿Necesitas auriculares para comenzar tu carrera como DJ? ¿Te gustaría escuchar tus listas de reproducción con un sonido claro y nítido?
Si eres DJ o conoces lo básico de este oficio, sabrás que una de las herramientas más importantes para los DJs son, sin lugar a dudas, sus auriculares.
La elección de unos auriculares para Djing depende de muchos factores: la preferencia por una marca u otra, sus características técnicas o incluso su versatilidad al poder utilizarlos también en nuestras producciones o como auriculares de uso diario, determinan nuestra elección final.
En el mercado actual existen muchos modelos de auriculares hechos para este trabajo, donde la durabilidad, la portabilidad y la comodidad, son las características más importantes a tener en cuenta. Además existen otros factores que influyen en la elección como son la resistencia, la personalización o el precio.
A continuación te damos una lista con nuestras recomendaciones de auriculares duraderos, portátiles, y con un sonido de alta calidad.
Así que si buscas cascos para pinchar o disfrutar tus ritmos con la calidad de sonido que merecen, esta lista simplificará tu búsqueda de los auriculares más adecuados:
Sennheiser HD 25
Posiblemente los auriculares más vistos en las cabinas de todo el mundo. No es de extrañar ya que su ligereza y resistencia los convierten en unos de los más demandados.
A favor tienen su escaso peso (lo que los hace muy cómodos), su construcción duradera (con materiales plásticos prácticamente indestructibles), su precio asequible y una gran cantidad de opciones de recambio para todos sus componentes.
Lo único negativo de estos auriculares es que con el uso, las almohadillas de la diadema siempre se acaban despegando y el cable de serie podría ser de mejor calidad.
Sennheiser HD 25 Light
La nueva versión de estos auriculares ha mejorado significativamente al cambiar la forma en la que van equipados en la diadema, permitiendo la utilización de los mismos auriculares que en su modelo superior- el Hd25.
Con las mismas características del modelo superior, al tener una diadema simple mucho más ligeros y económicos.
Audio Technica ATH-M20X/ ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT
Estos modelos de Audio Technica son prácticamente clónicos en su construcción y materiales, con pequeñas diferencias aparte de las especificaciones técnicas de cada modelo y su precio.
Estas diferencias son:
- La posibilidad de plegado en los modelos ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT
- El cable desmontable en los modelos ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT
- El giro de los auriculares en los modelos ATH-M50X/ ATH-M50XBT
- La conexión Bluetooth en el modelo ATH-M50XBT
Todos ellos son sumamente resistentes, aunque el ATH-M50XBT es bastante más pesado al equipar el sistema Bluetooth y la batería, lo que permite hasta 40 horas de escucha de forma inalámbrica.
El rango de precios va desde los 49 euros del modelo ATH-M20X hasta los 219 euros del modelo ATH M50XBT en su página oficial.
AIAIAI TMA-2
Los auriculares modulares AIAIAI TMA-2 permiten una completa configuración personalizada de cada uno de sus componentes. Así podrás elegir almohadillas de diferentes tamaños, composición y aislamiento, cables, auriculares de diversas especificaciones técnicas, y diferentes diademas, una de ellas equipada con sistema Bluetooth.
La posibilidad de una configuración totalmente personalizable y de poder cambiarla según nuestras necesidades adquiriendo nuevos elementos, convierte a estos auriculares en una gran elección a pesar de su elevado precio.
Los fabricantes de equipamiento para DJs aún no han creado unos auriculares que puedan usarse de forma inalámbrica. No cabe duda que ésta opción será el siguiente paso en el abanico de posibilidades de auriculares para DJs, formando parte de las actuales opciones de conexión WIFI con plataformas de streaming musical de los reproductores más modernos.
Y tú ¿qué auriculares prefieres para pinchar?
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Instagram como herramienta de marketing para DJs y Productores
A día de hoy, Instagram es una de las redes sociales mejor valorada y que más se utiliza. Al comenzar tu carrera en la música, ya sea como DJ o Productor, tienes que saber que esta aplicación es una muy buena herramienta para darte a conocer, promocionarte y llegar a un gran público sin salir de tu casa o de tu estudio.
Pero antes tienes que saber que todo lo que te recomendaremos a continuación te ayudará a crear tu marca personal.
¿Qué es la Marca Personal y cómo te ayudará con la música?
La marca personal es la huella que dejamos en los demás a través de las distintas acciones que vamos haciendo, lo cual deriva en una buena reputación personal y profesional. Jeff Bezos, CEO de Amazon, la define como "lo que dicen de ti cuando no estás presente". Consiste en identificar y comunicar de manera constante las características que te hacen ser diferente y visible en un entorno competitivo y cambiante.
No se trata de vender nada, sino de posicionarte como persona destacada en tu rubro. Para eso deberás tener bien en claro cuáles serán tus objetivos, el público al que quieres dirigirte, definir la voz que utilizarás y también la gama de colores que te representen. A todo eso deberás sumarle mucho esfuerzo y dedicación. ¡Ah! Y no te olvides de crear contenido de calidad para tu público objetivo, esto también suma a tu marca personal.
En esta ocasión te daremos 5 tips para hacer que tu cuenta sea aún más profesional y mejorar su uso como herramienta de marketing digital.
1. Genera contenido de calidad
Tienes que conocer muy bien el target de tu audiencia para generar el contenido adecuado. Si bien la música es un arte universal, tienes que tener en cuenta que dependiendo del estilo que más se asocie con lo que tu haces, tendrás un público u otro. No es el mismo grupo social el que escucha trap que el que oye rock. Por eso, tienes que segmentar tu público objetivo y crear contenido acorde a sus gustos estéticos o su franja de edad, entre otras cosas.
Es muy importante cuidar la calidad de las fotografías y vídeos que subes así como la gramática y ortografía de cada copy. Planea tu contenido con anterioridad y no publiques por publicar. Por supuesto, si ocurre algún evento urgente del que haya que informar en el acto esto cambiará.
Ten también en cuenta el aspecto de tu feed para que sea atractivo visualmente. Instagram es una red social visual y cuanto más bonito se vea todo, sin fotos o vídeos pixelados y mal iluminados, y con textos breves pero directos, mejor acapararás la atención de los usuarios. Para esto te puedes ayudar de aplicaciones paralelas, como Preview, que te ayudarán a visualizar cómo queda la estética de tu feed antes de postear.
Otro consejo que te damos es que si utilizas filtros para tus fotografías y vídeos siempre uses el mismo o como mucho dos diferentes (por ejemplo, uno a color y otro en blanco y negro) para crear una imagen de marca asociada a los colores de tu Instagram. Si tienes un poco de técnica en el mundo del retoque fotográfico es aconsejable que crees tus propios presets en vez de utilizar filtros universales. Así te diferenciarás del resto.
2. Sé activo en Instagram Stories
A la mayor parte del público de Instagram le gusta consumir contenido rápido. Por ello debes aprovechar esta herramienta que ofrece la app para subir contenido diferente y para enlazar tus posts.
En esta parte de Instagram puedes dar rienda suelta a tu creatividad subiendo vídeos, fotografías o series de stories con una secuencia lógica. Usa las diferentes herramientas que la propia aplicación te proporciona en este apartado para hacer llamadas de atención a tus seguidores: preguntas y respuestas, encuestas, activación de cuentas atrás para tu próximo lanzamiento o live, etc.
Además, ten en cuenta que al subir una historia tu perfil aparecerá en el encabezado de la vista principal de Instagram y eso hace que tus seguidores sepan que estás activo y visiten tu perfil con mayor asiduidad.
3. Las emociones y el entretenimiento son muy importantes
Aunque tu cuenta esté dedicada a promocionarte como artista musical, tienes que tener en cuenta que Instagram es una red social de entretenimiento y, por esto, este tipo de contenido es el que mejor funciona.
Es muy importante compartir imágenes y vídeos con contenido emocional que involucren al público y hagan que suba el porcentaje de interacción. Muestra tu lado humano, no te muestres como una empresa sino como una persona. Esto no dista de vender tu trabajo, pero hazlo de tal forma que no conviertas tu perfil en una tienda. Comparte tu día a día o tus intereses más allá de tu música para crear un vínculo especial con tus followers.
También es importante que interactúes con tus colegas de profesión y compartas su trabajo, siempre y cuando éste te parezca interesante y te guste. La retroalimentación dentro de las redes sociales es muy importante para generar mayor alcance.
4. Mantén activa la comunicación con tu público
Da likes a las publicaciones de la gente a la que sigues, responde a los comentarios que te dejan, sigue cuentas que tengan intereses comunes a los tuyos. Cada vez que interactúas con tu público potencial reciben una notificación y, cuando esto sucede, casi siempre, suelen meterse a mirar tu perfil. Si no te seguían anteriormente y tu contenido les interesa, habrás conseguido un nuevo seguidor. Si ya era alguien que te seguía sabrá que no eres un robot, sino que detrás de ese perfil hay un ser humano.
Al igual que si saludas a alguien por la calle y no te responde te parecerá antipático, en las redes sociales pasa lo mismo. Muéstrate como alguien accesible, por supuesto con limitaciones.
5. Usa los hashtags correctos
El uso de hashtags es importante porque aumenta la posibilidad de que tu publicación aparezca en el motor de búsqueda de Instagram. Pero no se trata de etiquetar cualquier cosa; tienes que buscar con qué hashtags puedes mejorar tu alcance. Si usas hashtags con mucha competencia tu publicación puede caer en saco roto dentro de esa categoría. En cambio, si escoges hashtags más concretos, con actividad y sin spam dentro de su contenido, será más factible aparecer entre sus primeras publicaciones y podrás aumentar el alcance de tu post y tu audiencia.
Por ejemplo, #música es un hashtag muy amplio en el que será difícil posicionarse pero #músicaurbana es más concreto y alcanzará al público que le interesa de verdad.
Te aconsejamos que si utilizas los hashtags dentro del copy de tu post, los uses dentro del texto en vez de poner un montón de ellos al final. Visualmente quedarán remarcadas las palabras más importantes y facilitará la lectura.
En conclusión, éstos son sólo algunos consejos para utilizar Instagram como otra herramienta más para hacer llegar tus creaciones a más gente. Con el tiempo y el uso de la aplicación, irás dándote cuenta de qué es lo que más te conviene según tu perfil y el de tus followers. Mantener una buena red de contactos en el mundo virtual lleva su tiempo, no desesperes, ten paciencia y trabaja tus redes sociales para poder ir construyendo tu marca personal.
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Los mejores DAW del 2021
Tanto si estás empezando en la producción musical como si ya tienes algo de experiencia, es común preguntarte ¿cuál DAW es el mejor? ¿con cuál debo trabajar?, creyendo que las características técnicas de un DAW pueden influir en tu creatividad y/o afectar tus producciones.
Pero ¿de verdad un DAW puede afectar cómo trabajamos? ¿existe un DAW mejor que todos los demás? Y si es así y hubiese un reconocimiento al mejor DAW, ¿cuál sería el ganador?
¿Con qué DAW puedo hacer el match perfecto?
Para empezar, vamos a aclarar conceptos básicos, para aquellos que apenas empiezan en el mundo de la producción musical.
DAW es la abreviación inglesa de Digital Audio Workstation, o lo que es lo mismo, una estación de trabajo digital. ¿Y qué es esto? pues es simple, es un estudio de grabación pero en software, de ahí el concepto de producción “in the box”.
Atrás han quedado los tiempos en los que la única forma de producir un disco era en un estudio de grabación equipado con decenas de miles de euros entre software y hardware. Los avances tecnológicos han permitido que hayan programas que emulan estas funciones y así poder producir nuestra propia música simplemente teniendo un ordenador personal.
Hace 30 años cuando empezaron a aparecer en el mercado los primeros DAW, eran herramientas rudimentarias que solo trabajaban con MIDI y aunque eran útiles, las aplicaciones eran muy limitadas. Afortunadamente ahora todo es distinto, con diferentes fabricantes y desarrolladores buscando ganarse el mercado. Hoy en día disponemos de un catálogo bastante amplio, y con tantas opciones es fácil entrar en confusión cuando llega el momento de elegir uno.
Para ayudarte a salir de dudas, a continuación detallamos algunas de las características principales de los DAW que están encabezando las listas de los más populares entre músicos y productores.
Reaper
Este quizás será el más joven de la lista, con múltiples opciones para personalizar la interfaz de trabajo y un precio reducido de sólo 60$USD. Reaper es la opción de muchos principiantes que se lanzan al mundo de la producción. No te dejes engañar por su precio, estamos hablando de un DAW hecho y derecho que te permitirá realizar cualquier tipo de producción.
Sus puntos fuertes, además del precio, son las opciones de ruteo y una gran cantidad de plugins nativos que te serán útiles cuando estás empezando.
Su punto débil va directamente relacionado a su edad, pues aunque tiene muchos plugins de fábrica, estos no son visualmente atractivos ni fáciles de manejar. Además, muchas de las características que normalmente tenemos en los apartados de edición en cualquier otro DAW, aquí o no están o no son tan flexibles como quisiéramos.
Es tu match si apenas estás empezando, si te dedicas al diseño sonoro y quieres una interfaz limpia, o simplemente si no quieres dejarte mucho dinero en un DAW.
Reason
Reason suele ser la opción de productores de música electrónica que adoran el look de lo analógico. Su interfaz es famosa pues además de emular el sonido que es el apartado que nos suele interesar, también emula visualmente cómo funcionaría el equipo físico, permitiéndonos usar la pachera para combinar diferentes equipos y crear nuestros propios sonidos.
Su fuerte es la gran cantidad de instrumentos que trae de serie así como las posibilidades de crear diferentes sonidos y efectos.
Su debilidad quizás es el apartado de edición de audio, pues no es tan robusto como es en otros DAW.
Es tu match si no tienes intención de grabar audio y te gustan los instrumentos virtuales robustos y con buena calidad.
Cubase
Desarrollado por Steinberg, Cubase es el hermano menor de Nuendo. Con más de 30 años en el mercado, Cubase sigue manteniéndose en el top debido a su gran número de instrumentos y samples de fábrica, así como su estabilidad. Muy popular entre compositores de bandas sonoras.
Su fuerte es el gran número de instrumentos incluidos y su facilidad para escribir notación musical.
Su debilidad es el flujo de trabajo, que no es especialmente fluido ni intuitivo.
Es tu match si eres músico de conservatorio y la notación musical es algo imprescindible para ti.
FL Studio
Antes conocido como Fruity Loops hasta que Kellogg 's decidió que alguien se iba a terminar confundiendo con sus cereales del tucán e iba a tomar unos beats por desayuno. FL Studio nació como un videojuego para hacer beats, un enfoque de hacer música para no músicos que pronto le dio una gran popularidad entre los más jóvenes. Más de 20 años de vida han dado a FL Studio la madurez para convertirse en uno de los DAW más populares no solo entre los jóvenes, sino también en profesionales, que aprovechan un piano roll casi perfecto y una interfaz intuitiva para hacer producciones de vanguardia.
Sus puntos fuertes además de un precio competitivo y actualizaciones gratis de por vida, es una muy buena implementación MIDI, una interfaz muy amigable con usuarios nuevos, y una gran variedad de instrumentos y plugins de serie de gran calidad.
Sus debilidades quizás son vestigios de sus orígenes, y es que algunas técnicas de producción se realizan de maneras poco convencionales así como muchas características que hacen lo mismo lo cual puede resultar confuso o redundante.
Es tu match si quieres empezar a producir de cero, o si eres un productor de hip hop, trap o música electrónica, donde lo más importante son los instrumentos virtuales y el apartado MIDI.
Si te interesa este DAW, puedes descargarte el e-book gratuito
Pro Tools
Probablemente Pro Tools es el software que ha estado más tiempo en estudios profesionales de la industria, se caracteriza por tener una interfaz que se centra en parecerse a cómo se hacían las cosas antes en analógico, lo cual da estupendos resultados para quienes tienen mucha experiencia. Por otro lado carece de una buena implementación MIDI y/o opciones para escribir notación musical.
Sus puntos fuertes son las opciones y características en el apartado de grabación y edición de audio, así como el hecho de ser un estándar en la industria.
Sus puntos débiles son sus precios desorbitados, su anticuada interfaz, su torpe implementación MIDI y lo poco amigable que puede ser con usuarios neófitos.
Es tu match si ya trabajas como profesional en la industria, y estás más centrado en la parte de grabación que en la de producción
Logic Pro
Uno de los más populares para usuarios de Mac que empezaron con el GarageBand y decidieron dar el salto a algo más profesional. A l igual que todos los productos de Apple, Logic Pro ha venido bebiendo de los softwares estándar de la industria, primero tomando de Pro Tools y recientemente de Ableton Live. Popular también entre compositores de bandas sonoras, con una muy buena implementación MIDI y facilidad para escribir música así como para mezclar. Por otro lado, la edición de audio no está precisamente a la altura de sus competidores.
Sus puntos fuertes son su versatilidad, una interfaz intuitiva y amigable.
Sus puntos débiles, además del apartado de edición de audio, no existe un soporte o una atención especializada por el hecho de que sólo funciona en Mac.
Es tu match si eres usuario de Apple y quieres un DAW bueno tanto para componer música como para mezclar.
Si te atrae este DAW, quizá puede interesarte nuestro curso de Logic Pro X, míralo aquí.
Ableton Live
A pesar de llevar poco más de 20 años en la industria, Ableton ha sabido desarrollar un software que a día de hoy ha conseguido estandarizarse como uno de los más utilizados en la industria musical, tanto por principiantes como por profesionales, que buscan un sistema intuitivo y sobre todo, rápido. Con una interfaz pensada en los directos, donde todos los elementos caben en una sola pantalla y una forma innovadora de crear música de una manera no lineal, Ableton Live es un DAW potente para un profesional, así como efectivo y fácil de usar para quienes apenas empiezan.
Sus puntos fuertes son su Session View que permite producir de forma creativa y eficaz, su gran cantidad de plugins y librerías de serie, así como unas grandes características de automatización e implementación MIDI.
Su punto débil es quizás el apartado de audio, donde aún no consigue ser tan robusto como otros DAW
Es tu match si haces música electrónica, te gusta experimentar con loops, eres DJ productor, si eres un artista enfocado en hacer live performances, o si te gusta mezclar la producción con el directo.
Si te interesa este DAW, puedes descargarte la guía de manera gratuita
Si aún no tienes claro que lo tuyo es la producción musical y sólo quieres probar uno de estos softwares, te recomendamos probar con un trial. Casi todos los desarrolladores ofrecen su software para probarlo de forma gratuita por algunos días e incluso meses como es el caso de Ableton Live.
Lo que no recomendamos es buscar un software gratuito si lo que quieres hacer es algo más serio, pues con esto, probarás cientos de opciones disponibles, encontrarás que de todas esas opciones la única que realmente te permitirá hacer algo es Audacity, y aun así sus funciones son tan limitadas, que terminarás pagando por algo más profesional.
Recuerda que al elegir un DAW, no estás firmando un contrato de por vida, no te vas a casar con él para siempre. La tecnología sigue avanzando, los desarrolladores siguen innovando y nuestras formas de trabajar van cambiando con las nuevas actualizaciones. Al final con tanta competencia, el ganador de esta lucha por crear el mejor DAW, siempre vas a ser tú.
Las 5 mejores colecciones VST gratuitas
Actualmente el mercado está inundado de librerías, sintetizadores, instrumentos virtuales y efectos de muchísima calidad, pero lo que no todos saben, es que gran parte de estos son 100% gratuitos. A continuación os dejamos una lista con algunos que complementarán a la perfección tu librería.
Labs por Spitfire
Spitfire es uno de los grandes fabricantes de librerías orquestales y cinemáticas del momento, y decidieron crear una librería gratuita con unos 12 Gb de peso y cientos de sonidos increíbles. Labs también incluye 34 paquetes de sonidos donde podrás encontrar pianos, instrumentos de cuerdas como charangos, mandolines y guitarras, sonidos de orquesta, percusiones y una variedad de sonidos de sintetizadores sampleados muy útiles para todos los géneros musicales.
Puedes descargar el gestor de Spirfire aquí.
Allí encontrarás todas las librerías de Labs disponibles para descarga e instalación.
Komplete Start de Native Instruments
No quedan dudas que de Native Instruments es uno de los más importantes fabricantes de software de producción musical en el mundo y que su paquete de pago Komplete, es uno de los más completos en el mercado; así que tener una parte de ese Komplete gratuitamente siempre será una gran oportunidad.
Komplete Start incluye unos 6 Gb de contenido, donde podrás encontrar unos 2000 sonidos de muy alta calidad, con 7 sintetizadores virtuales, 9 instrumentos sampleados, la suite de efectos Guitar Rig en su versión gratuita, con 50 presets de efectos disponibles y 3 programas claves en el universo de Native Instruments, Komplete Kontrol, Kontakt Player y Reaktor Player.
Puedes descargar Komplete Start aquí.
Syntronik Free por IK Multimedia
Los italianos IK Multimedia, lograron con su paquete de pago Syntronik, la recreación de muchos de los sintetizadores más icónicos de la historia. Syntronik Free es la puerta de entrada a esta librería, con 17 sintetizadores clásicos muy bien emulados y totalmente funcionales, dentro de los que vamos a encontrar sintetizadores soñados como el Minimoog, el Jupiter, el Prophet V, el ARP 2600, el Juno, el Andrómeda, el CS80 y muchos más.
Puedes descargar Syntronik Free aquí.
Sampletank CS por IK Multimedia
Otro de los muchos regalos de esta increíble empresa, esta vez con una librería que abarca muchos más sonidos de todo tipo y que se complementa muy bien con Syntronik.
Sampletank CS es la versión gratuita de la librería de pago Sampletank 4 y en ella podrás encontrar unos 4 Gb de contenido con 50 instrumentos sampleados, en los que hay cuerdas orquestales, pianos, guitarras, órganos, sintetizadores, sonidos de voces y mucho más.
Otro detalle interesante de esta librería es que incluye también 200 ritmos MIDI y un mezclador con 70 efectos disponibles.
Puedes descargar Sampletank CS aquí.
SineFactory de Orchestral Tools
Esta es una librería reciente, lanzada por Orchestral Tools para ganar notoriedad en la industria y para promocionar su gestor de librerías el Sine Player.
Aunque esta librería no tiene tantos sonidos disponibles como las que te mencionamos anteriormente, los que tiene son de muy buena calidad; con 11 Gb de sonidos, pueden encontrar un piano de cola muy bien sampleado, cuerdas orquestales con varias articulaciones disponibles y una librería de percusiones muy variadas y útiles.
Otro detalle a tener en cuenta es que cuando descargues Sine Player, también puedes elegir descargar una librería gratuita adicional llamada Layers, con más sonidos orquestales de gran calidad.
Puedes descarga Sine Player aquí.
Puedes solicitar SineFactory para descargar en SinePlayer aquí.
En conclusión una selección muy completa de sonidos gratuitos para disfrutar y complementar nuestro entorno de trabajo digital.
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7 libros para regalar a un DJ
No solo de música viven los amantes de este arte. Si tienes un amigo DJ, productor o simplemente aficionado a la electrónica, aquí te dejamos siete libros para regalarle con los que acertarás seguro.
1. “Loops I”, Javier Blánquez y Omar León, y “Loops II”, Javier Blánquez
Dos libros que han de ocupar un lugar obligatorio en la librería de cualquier amante de la música electrónica. Más de 1.300 páginas donde el periodista Javier Blánquez (con la colaboración del DJ Omar León en el primer tomo y otros invitados como: Luis Llers, Marc Piñol, DJ Zero o Quim Casas) cuenta la historia de la música de club y su evolución a lo largo de los siglos XX y XXI.
En sus páginas se trazan las conexiones de la música electrónica con los universos del pop, el rock, el cine y la literatura. Además se plantea la evolución del techno en los últimos años, el papel que juega la electrónica en los guetos del tercer mundo y su relación con el hip hop, entre otros muchos temas relacionados el clubbing.
2. “Last night a DJ saved my life”, Bill Brewster y Frank Broughton
Se trata de una misiva de amor a la figura del DJ y al mundo que rodea a este. Los autores cuentan la historia secreta de algunos de los momentos musicales más memorables de la cultura club. Desde los primeros discos pinchados en la radio hasta el techno, el house y todos los géneros relacionados con la electrónica.
A lo largo del libro se pueden encontrar testimonios de primera mano sobre el nacimiento de géneros como el disco, el hip hop, el house o el techno. Además por sus páginas podrás dar un paseo detallado por clubs legendarios como el Peppermint Lounge, el Cheetah, el Sound Factory o el Ministry of Sound, entre otros, con entrevistas a sus DJs más míticos.
En la edición de 2019, Alejandro Álvarez lo completa incluyendo textos sobre la misma escena pero en la actualidad.
3. “Techno Rebels”, Dan Sicko
En la ciudad de Detroit, a principios y mediados de los años 80, se vivió una revolución musical que cambió la forma de escuchar música y de bailarla. En sus clubes y en sus radios surgió el techno. Y ahí es donde Dan Sicko comienza a trazar la evolución histórica de este estilo de música.
Esta obra se ha denominado la “Biblia del Techno”, por lo que es un imprescindible para los amantes de uno de los géneros más importantes de la música electrónica.
4. “Porcelain”, Moby
El nombre del mítico tema del artista neoyorkino da título a esta autobiografía. “Porcelain” fue, y sigue siendo, un himno que hasta sirvió de cortinilla en TVE.
Este libro cuenta la vida de Moby en la ciudad de Nueva York durante la década de los 90, comenzando en 1989 y acabando el 1999 (año de la publicación de su álbum “Play” en el que se incluye la canción que bautiza a este libro).
Se trata de un recorrido por la génesis del artista en una época convulsa para la Gran Manzana, tanto por su nivel de delincuencia como por el auge del consumo de drogas. Todo ello junto a la eclosión de la cultura club que terminó de emerger a principios y mediados de los 90 en una de las ciudades más caras, elitistas y mitificadas del mundo.
Con ironía y humor, Moby relata su etapa de oro como músico. Un viaje a sus primeros pasos en el panorama musical a través de su actividad como DJ en el Club Mars o sus primeras grabaciones y consecuentes éxitos como “Go”.
Este libro cuenta con una secuela titulada “Then It Fell Apart” que también merece como lectura recomendada.
5. “This is my Church”, Rutger Geerling
Es el más visual de todos los libros que te recomendamos en este artículo.
A través de fotografías tomadas por RUDGR, o Rutger Gerling como es su nombre real, conocerás a algunos de los djs más prestigiosos, los escenarios más notorios, los festivales más aclamados, las giras y todo lo que hay en el interior del mundo de la música electrónica.
Un álbum de fotos de lo más completo.
6. “Electroshock”, Laurent Garnier y David Brun-Lambert
Se trata de la autobiografía del artista Laurent Garnier elaborada a medias junto al escritor David Brun-Lambert. La publicación original se hizo en 2003, pero en 2017 se hizo una reedición a la que se le añadieron ocho capítulos más.
Este libro no solo habla de la relevancia de Garnier en la música electrónica y de sus más de 30 años de trayectoria, sino que también nos transporta en un viaje a la realidad del clubbing.
Una de las características que hace destacar esta publicación frente a otras biografías de artistas de la música es la pasión con la que el autor nos habla de este arte y de cómo se enamoró de la profesión y decidió dedicar su vida a ella contando al detalle sus altibajos.
7. “Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura de club”, Simon Reynolds
El autor de este libro, Simon Reynolds, es un afamado crítico musical británico. Con sus dotes de historiador de la música, en estas páginas aborda desde el boom del house en Chicago y el techno en Detroit hasta la cultura del rave en Reino Unido y el fenómeno EDM, el acid house y la cultura balearic importada de Ibiza a finales de los años 80. También harás un viaje a las primeras fiestas ilegales en naves industriales.
Además, dentro de estas páginas encontrarás joyas como entrevistas a DJs y productores claves de cada escena como Carl Craig, Paul Oakenfold, Goldie, Jeff Mills o Richie Hawtin, entre otros.
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8M: las brillantes carreras de las profesoras de DJP Music School
Conoce la trayectoria de nuestras profesoras
En un día como hoy es importante reconocer y celebrar los logros y contribuciones de las mujeres en todas las áreas de la vida. Desde los avances en los derechos de la mujer hasta los éxitos en el ámbito profesional, el 8 de marzo es un día para honrar y reivindicar los derechos a las mujeres de todo el mundo.
En este post, queremos destacar la trayectoria profesional de algunas de las talentosas profesoras de DJP Music School. Desde su formación y sus inspiraciones hasta sus desafíos y triunfos, nos sumergiremos en las historias de estas mujeres para inspirar y motivar a las futuras generaciones de mujeres en el mundo de la música.
Salomé Limón
Salomé es productora musical e ingeniera de sonido, presidenta de PIAudio (Asociación Iberoamericana de Productoras e Ingenieras de Audio) y miembro activa de la Grammy Academy, la Latin Grammy Academy y del Circulo de Productores e Ingenieros de los Latin Grammy.
Ha trabajado con grandes artistas como Andrés Calamaro, Paco de Lucía, Anoushka Shankar, Chick Corea, John Legend, Vampire Weekend, Enrique y Estrella Morente, entre muchos otros.
Ha sido galardonada en cuatro ocasiones en los Latin Grammys y nominada como mejor ingeniero de sonido 5 años consecutivos por la Academia de los Latin Grammy.
A día de hoy Salomé continúa su carrera como productora, ingeniera y compositora y también es tutora de producción musical en nuestra escuela.
Rosa Garrido
Rosa es DJ activa en la escena madrileña, forma parte del proyecto TWO EX junto su compañera, DJ y amiga Adriana Calvo. Además, es profesora de DJ en DJP Music School.
Actualmente, son unas de las figuras que se pueden encontrar dentro de la escena española más internacional, para resaltar su paso entre otros festivales, como es Paraíso Festival ’22. Y donde parece que la historia no cambia en el 2023, ya que acaban de ser programadas para el Primavera Sound 2023 en las dos ediciones (Barcelona y Madrid, respectivamente.) Mad Cool y Sun&Snow.
La dirección de arte y el diseño gráfico también están presentes en sus actuaciones, ya que hacen de su cosecha sus propios visuales para tener una experiencia 360º.
Julia Alejandra Sánchez
Julia es magister en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura por la Universidad Autónoma de Madrid, licenciada en composición por la Universidad Católica Argentina, Gestora en Políticas Culturales y Directora de Orquesta por la Universidad Nacional de La Plata.
Sus dos años como pasante y asistente en Dirección de Escena en el Teatro Argentino, siete años en la dirección orquestal y coral de agrupaciones juveniles y la inmersión en el mundo de la composición contemporánea le han brindado solidez en el campo de la escena musical.
Como docente se ha especializado en diversos campos de la pedagogía y didáctica musical con más de doce años de trayectoria. Fue docente invitada por la Universidad Católica de Perú, ASPEB, La Universidad Nacional de La Plata, la Kaltad University Ingesund of Music en Arvika.
Actualmente es profesora de composición y teoría musical creativa en la escuela mientras continúa su formación doctoral en el campo de la composición, la dirección y la comedia.
Juana Morales
Directora de marketing digital en diferentes consultoras españolas en los últimos doce años, Máster en diseño aplicado a nuevas tecnologías, especialista en Inbound Marketing certificada por Hubspot y especialista en Growth Hacking.
La experiencia adquirida a lo largo de los últimos 12 años en sectores cómo los de la moda, turismo, música o tecnología le ha permitido elaborar su propia metodología en lo relacionado a la implementación de acciones y estrategias de marketing digital.
Juana también trabaja impartiendo las asignaturas de marketing digital y promoción musical en DJP music School.
Impulsar el papel de la mujer en la industria musical.
DJP Music School es una escuela de música que se enorgullece de fomentar la intervención de las mujeres en la industria musical. Creemos firmemente que el equilibrio de género es esencial para garantizar una industria musical vibrante, diversa e innovadora. Es por eso que trabajamos incansablemente para proporcionar oportunidades y recursos para mujeres en todas las etapas de su carrera musical.
Como la próxima Masterclass, el próximo Martes 14 de Marzo de 2023, impartida por Lao Ra, una artista colombiana de renombre que ha ganado fama internacional gracias a sus canciones. Con motivo del mes de la mujer la artista también hablará de algunas mujeres songwriters que han destacado en la música.,
En colaboración con Beats By Girlz Madrid, hemos organizado diversas actividades y eventos para mujeres que desean desarrollar sus habilidades en la música. Ofrecemos cursos y talleres diseñados específicamente para mujeres que buscan desarrollar sus habilidades musicales en entornos acogedores y de apoyo.
Nuestra misión es ayudar a las mujeres a encontrar su sonido y su lugar en la industria musical, y creemos que ofrecer estas oportunidades y recursos es fundamental para lograr un cambio duradero. En DJP Music School, estamos comprometidos con la igualdad de género y trabajamos constantemente para crear un futuro musical más diverso e inclusivo
Si tu también eres una mujer que quiere encontrar su lugar dentro de la industria musical no dudes en informarte de nuestros cursos y de las inciativas de Beats By Girlz Madrid.
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Aprende a gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad musical
Conoce las técnicas que te servirán para ver lo positivo en lo negativo y maximizar tu potencial aún en los tiempos más difíciles.
¿Sabías que hay circunstancias externas estresantes que pueden afectar a tus producciones? ¿Quieres conocer cómo gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad y productividad a la hora de crear nuevos temas?
Para emprender con la música conviene estar preparado/a tanto para disfrutar de logros, como para ver el lado amable de los momentos más convulsos e inciertos. Y en esto la psicología y la industria musical van muy de la mano.
En este post te contamos las técnicas psicológicas que te ayudarán a controlar mejor tus emociones, tomar decisiones, y sobre todo, proteger tu salud mental y física en medio de cualquier tipo de crisis, personal, global, etc.
Rosana Corbacho, psicóloga clínica y humanista especializada en la industria musical, y Fundadora de M.I. Therapy , ha creado este listado que seguro te ayudará a gestionar tus emociones y potenciar toda tu creatividad. ¡Allá vamos!
Auto-conocimiento
No se trata de que evites tus emociones negativas sino de que las identifiques para saberlas llevar. Es bueno hablar con otras personas acerca de ellas, detenerte a pensar de qué está hecho tu miedo, confrontarlo y así, aceptar y acoger tu vulnerabilidad para luego ponerte en acción con el fin de estar mejor.
Ser consciente de cuáles son tus valores y reacciones internas a los eventos externos te ayudará a tomar mejores decisiones e incrementar tu resiliencia.
Auto-cuidado
Duerme lo suficiente, haz ejercicio de forma regular, come saludable, escucha las necesidades y señales de tu cuerpo para desconectar y descansar. Antepón tus necesidades físicas a tu carrera.
Para ello, puedes acudir a prácticas como yoga, meditación, hacer ejercicio o escribir pensamientos. Evita los estimulantes, mejor reemplázalos con descanso y una buena alimentación.
También puedes dividir el trabajo intenso y programar tus actividades diarias en pequeños segmentos. Esto te permitirá conseguir logros, conectar con los demás y dejar un espacio para disfrutar de otras cosas que te guste hacer. No es bueno aislarte y concentrarte solamente en lo que tienes que hacer. Tu trabajo no es lo único que define tu identidad.
Ayuda especializada
Los profesionales te ayudarán a fomentar tu crecimiento, así como cualquier problema que encuentres en el camino. Recuerda que cuanto antes mucho mejor.
Conecta
Da prioridad a relaciones profundas y significativas. No te olvides de conectar con personas y actividades fuera de la industria musical. Somos animales sociales y el sentimiento de pertenencia nos hace más fuerte.
Desconecta
Tomarte días libres y hacer actividades fuera de la música te permitirá oxigenarte y estar plenamente presente cuando vuelvas al trabajo.
Fomenta tu Creatividad
No dejes de ser curioso o curiosa. Procura salir de la rutina, medita, separa la creatividad de la productividad. Evita el perfeccionismo, este tiende a generar bloqueo creativo.
No creas en los mitos relacionados con la creatividad, muchos de ellos te causarán más daño que beneficio. Por ejemplo “es que si no sufro no puedo crear nada” o “solo me inspiro cuando es de noche”.
Estos 4 poderosos hábitos te ayudarán a hacer música con impacto.
Busca la resiliencia
Este viene a ser el resultado de aplicar las técnicas anteriores. La resiliencia consiste en tener la capacidad de sobreponerse a la adversidad y salir lo más fortalecido(a) posible de ella.
Según investigaciones internacionales de la especialista Rosana Corbacho, las cifras de problemas de salud mental, como ansiedad, depresión o ideación suicida en personas de la industria musical superan a las de la población en general.
Un panorama que muchas veces tiene su causa en realidades de la industria como el estrés, falta de trabajo, competitividad, condiciones económicas y laborales, consumo de sustancias, aislamiento social, entre otras.
Pero ante esto, la solución para que te sientas mejor no pasa por cambiar la industria musical, todos los cambios inician por ti mismo(a). Y para eso la clave está en tu equilibro físico y mental.
Consigue tus objetivos musicales en tiempos de pandemia.
Aplica las técnicas. Tu cuerpo y tu mente te recompensarán con buena energía y esa condición te ayudará a llevar la situación de la manera más constructiva posible, evitando caer en emociones negativas como agobio, preocupación, miedo, tristeza, inseguridad, enfado, desmotivación y en problemas como el insomnio, abuso de sustancias, sensación de soledad, dificultad para concentrarse, tomar decisiones, trabajar, exceso de negatividad, la lista puede ser muy larga.
Recuerda siempre que las crisis siempre traen algo positivo, todo depende de cómo las veas.
Por último, ten en cuenta que estás claves no solo te servirán para momentos puntuales de crisis, también puedes convertirlas en hábitos, eso te hará aún más fuerte dentro de la industria.
Conoce más sobre M.I. Therapy, una organización que tiene como objetivo crear conciencia sobre la salud mental en la industria de la música.
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¿Qué necesito para grabar un podcast?
Graba podcast y conquista fans con estos sencillos pasos.
Actualmente uno de los formatos de entretenimiento e información en auge son los podcast. Lo cierto es que cada vez hay más y de variadas temáticas. No te quedes atrás y descubre aquí todo lo necesario para grabar el tuyo.
El podcast se ha convertido en uno de los principales argumentos para la supervivencia de la radio. Cada vez más marcas, personajes famosos, músicos, medios de comunicación tienen el suyo. Para empezar, podríamos definir lo qué es: se trata de episodios, generalmente de audio, que se publican de manera periódica sobre alguna temática. En los últimos tiempos este tipo de programas vienen ganando cada vez más peso, obligando a muchos creadores de contenido a adaptarse a este formato y a las ondas radiofónicas.
Para muchos, quizá los podcast sean algo desconocido y por lo tanto cueste de primeras el querer grabar uno. No obstante, es más sencillo de lo que parece y no son necesarias unas grandes instalaciones para grabarlo. Por ejemplo, si eres DJ o productor y quieres acercarte más a tus seguidores mediante un programa de radio, en este artículo de carácter técnico, te decimos qué pasos debes seguir.
¿Qué modelo de podcast quieres?
Lo primero de todo, antes de empezar a grabar, tienes que tener claro de qué vas a hablar y qué tipo de podcast quieres. Esta información es esencial para empezar con tu programa de radio. Por un lado tienes que elegir el género del podcast, quieres hacer un magazine, un programa de improvisación, entrevistas, análisis, opinión… Por otro lado, también debes definir la temática: deportes, música, cultura, política, algo variado…
Otros factores a tener en cuenta es el público al que irá dirigido tu podcast, esto definitivamente marcará el tono y la jerga del mismo. Por último, ¿para qué quieres grabar un podcast? puede ser para dar a conocer tu música, informar, cumplir con un objetivo de actualidad, entretener o quizá para hacer publicidad de los servicios de una empresa. Una vez resuelvas estas cuestiones, puedes ponerte manos a la obra con los siguientes aspectos técnicos. Conoce las últimas tendencias del Marketing Musical.
Recuerda también definir con qué frecuencia publicarás nuevos episodios y su duración. Existen podcast de 10 minutos a 2 horas o más. De publicación diaria, de 1 o 2 veces por semana, o de diferentes momentos en el mes. No hay regla, tu lo defines. La clave está en la constancia y organización.
Ten tu micrófono
Si bien es cierto que en los comienzos de los podcast caseros, la calidad pasaba a un segundo plano, ahora mismo es esencial tener cierta nitidez en el audio. Para ello es necesario que tengas tu micrófono. Puedes optar por opciones de las que ya dispongas en tu home studio y que te ofrezcan mayor calidad para tu audio, como un micrófono de condensador que conectes a tu tarjeta de sonido.
Si no cuentas con alternativas como estas, una opción más que válida sería un micrófono de conexión USB, directa al ordenador, que por lo general por un precio no superior a 50€ ofrecen una muy buena calidad de sonido. Además, sería importante comprar una esponja para el micrófono e incluso un filtro antipop para que el sonido sea lo más limpio posible. Gracias a las nuevas tecnologías, puedes grabar tu podcast con calidad sin tener que gastarte una fortuna.
Insonoriza tu habitación
Como puedes comprobar, no es necesario grabar en un estudio de radio para obtener una calidad óptima en tu podcast. Claro que, cuanto mejor acondiciones el lugar, por ejemplo tu habitación, el resultado será más gratificante. Para ello puedes llevar a cabo una serie de acciones para la insonorización para que no se nos cuelen ruidos externos en la grabación.
Existen diferentes maneras de insonorizar una habitación. A modo casero, puedes tratar de sellar los bordes de puertas y ventanas, para evitar que vengan ruidos del exterior de la habitación. Es aconsejable el uso de alfombras y de cortinas especiales, que también aportarán a la hora de obtener un sonido más limpio, así como muebles de madera. Lo más habitual es adquirir paneles de espuma para colocar en la pared, de forma estratégica y que aíslen del ruido. Estos son solo algunos trucos para poder hacer tu espacio ideal para grabar un podcast.
¿Con cuál software vas a grabar?
Puedes hacerlo con tu DAW favorito o si dispones de una grabadora, no necesitas el software para capturar el sonido, con la propia grabadora te será suficiente.
Sin embargo, si vas a grabar con varios micrófonos o directamente con un micrófono conectado por USB a tu portátil o PC, si necesitarás software para que coja el sonido. Para grabar tu podcast también puedes pensar en otras herramientas prácticas y gratuitas como Audacity, que coge bien el sonido y además permite su edición. Si lo que estás grabando es un podcast de música, combinando un DJ Set con locución, quizá te sea suficiente con Serato, Traktor o Virtual DJ.
Actualmente, para hacer entrevistas, por ejemplo, o programas con varios colaboradores, no es necesario estar juntos en la misma habitación. Aplicaciones como Zoom, te permiten grabar la videollamada, separando vídeo y audio y lo más importante, ofreciendo una calidad bastante competitiva. Con un micrófono de calidad, este tipo de aplicaciones deberían ser suficiente para grabar un programa de radio sin problemas.
Edita tu podcast
Con grabar un programa no es suficiente, tu podcast requiere una edición posterior. Incluso si grabas mientras emites en directo, para subirlo luego a las plataformas digitales, tienes que editarlo. Elimina algunas partes que puedan estar mal, haz cortes para que el podcast sea más dinámico, añade música de fondo o piezas de audio que apoyen lo que se está hablando y también en mejorar el sonido. No tienen que ser solamente de audio también pueden ser de vídeo y mezclar los dos formatos en tu podcast.
Lo cierto es que con las tecnologías actuales, puede haber una gran diferencia entre lo que grabas y lo que finalmente publicas, gracias a la postproducción. Edita en el DAW que manejes o igualmente, puedes tirar de alternativas como Audacity o Soundtrap, este último está online. También hay programas como Audition, que son de pago, pero que ofrecen unas prestaciones más profesionales.
Compártelo
Finalmente es el momento de compartir tu podcast. Como hemos comentado, actualmente este formato está de moda y como tal hay muchas plataformas digitales para distribuirlos.
Ivoox es por excelencia el lugar donde subir de manera online tus podcast, pero han ido surgiendo otros portales que han ido ganando popularidad. Apple lleva tiempo apostando por este formato, con su aplicación para IOS, donde recogen la mayoría de episodios de los programas más populares. Spotify en algo más de un año se ha posicionado como una de las plataformas en las que todo podcast debe estar, popularizando este formato, dividiéndolo en múltiples categorías y facilitando su publicación. Google Podcast o Tidal son otras de las opciones más populares.
Finalmente, las redes sociales, como en todos los campos de la vida de hoy en día, juegan un papel esencial. Hemos podido comprobar que el disponer de un podcast, es mucho más que grabar, hay que editarlo y distribuirlo. En esta última acción Instagram, Twitter y Facebook son vitales. Más allá de compartir los diferentes episodios de tu programa a través del marketing digital, se debe continuar con la línea y la tonalidad del podcast. Se trata de un canal para establecer contacto con los oyentes y sobre todo un apoyo al programa.
¿Vas a esperar más para grabar tu podcast?
Tips para cantar TRAP y crear tus mejores beats
Conviértete en el dios del trappin. ¡Atención a estos consejos!
Las mismas técnicas utilizadas para el resto del Rap son las que le dan vida al Trap, su principio básico es el sampler, es ahí en donde está el secreto.
Entrando más en detalle, la velocidad en el Southern Rap, o Trap, o como lo quieras llamar, es muy inferior a la de otros estilos, rondando entre 50 y 70 BPM. Esto permite rapear utilizando mayor número de sílabas en cada barra o incluso cantar más libre al disponer de más tiempo entre bombo y caja. Además se pueden hacer diferentes giros con otros elementos como el característico hihat.
Esta deceleración de velocidad se la debemos a DJ Screw , quien pinchaba bajando la revolución del vinilo en busca de mayor grave y una cadencia más lenta, pero más rápida. Él decía que esto es como se percibe todo cuando bebes sirup o lean, otra moda que el Trap toma del Southern Rap.
Tips básicos para hacer Trap
- Más lento todo va más rápido.
- Nútrete del Rap Sureño (estilo de Rap de finales de los 80, muy popular en el Sur de Estados Unidos).
- Sé genuino, hazlo a tu manera.
- Y sigue leyendo, porque tenemos más.
Crea un beat de Trap con esta guía gratuita. Descárgala aquí
Cuando de la voz en una canción de Trap se trata, hay que hacer referencia al famoso plugin: el Auto-Tune. Dale las gracias a Cher, quien usó por primera vez este corrector como una distorsión al ajustarlo demasiado rápido.
¡Pero ojo! Auto-Tune es un corrector, que valga la redundancia, corrige tu tono de forma natural si estás próximo al tono perfecto. Si no afinas, de nada te va a servir la herramienta y terminará haciendo lo que quiere con tu sonido. En este caso la clave está en ser genuino y tener gracia, y eso depende más de ti que de este corrector.
Por ser alumno DJP tienes un 50% de descuento para la compra de este software o cualquier otro producto de Antares. Infórmate + aquí.
Cómo cantar Trap
Si buscas en internet "cómo cantar Trap" o "cómo se canta el Trap", lo que vas a encontrar es un montón de gente diciéndote cómo silabear o cómo cantar como Migos, Asap o Drake. Si haces eso, solo acabaras cantando como ellos, y para que exista otro(a) como ellos, mejor seguir escuchando a esos mismos artistas. ¡Tienes que ser diferente!
La única manera de aprender a rapear es que lo hagas, te salga como te salga, y que no pares de hacerlo y de mejorar. Imitar si, pero no te limites a observar cómo lo hacen otros, mucho menos te copies, tírale e inspírate para crear tu propia propuesta.
Aprender a hacer música no es un proceso rápido que puedas aprender de un día para otro y más aún si quieres profundizar en la producción de música urbana.
Los mejores sonidos de Trap
Si has llegado hasta aquí, seguramente has oído hablar del 808, esa es la piedra angular del sonido tan característico de la música Trap. La Roland TR-808 fue presentada en 1980. ¡Si, hace 40 años!
https://www.youtube.com/watch?v=1juUbvmDSKk&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=3
El 808 no es solo el bajo grave que escuchamos; es una caja de ritmos con un sonido muy característico. Aquí tienes un emulador online de Roland TR-808 donde podrás jugar un poco.
Pues bien, se podría decir que la gran mayoría de los Trap Sound Pack, Trap Drum Pack o librerías de Trap que se pueden descargar, son sonidos con diferentes ajustes de esta máquina, o en su defecto re-sampleados por otras que le imprimen cualidades adicionales, como sucede con el 808 Bass que no es otra cosa que el propio Kick de la 808 con su decay al máximo y re-maestreada con un sampler cromático.
La muestra más conocida de las últimas décadas es el 808 Bass retocado por DJ Spinz y que comúnmente se conoce con su nombre 808 Spinz.
https://www.youtube.com/watch?v=8-dxomV68Qc&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH
Esto también se puede ver en el Phonk (originario de Memphis), que hacen exactamente lo mismo con el CowBell de la 808 que usan como instrumento melódico.
La elección de si vas a usar librerías de terceros o usar muestras originales de 808 para después retocarlas o no, es cosa de cada uno. El mejor consejo en este caso es que cada situación es diferente, así que lo mejor es decidir con base en cada momento.
Y un mejor consejo aún, no te limites a la 808 porque son los sonidos de moda; están guapos si, pero son muy usados y para sonar único hay que buscar sonidos que no use nadie o que no se suelan usar de esa forma o en este género.
Un ejemplo: 808 Mafia suele usar junto a su Tag un sonido de sirena que hizo muy característico su manera de comenzar cada tema. Ese sonido no es otro que el de Killbill, pero lo cogieron, lo samplearon y filtraron para hacerlo propio y añadir identidad.
https://www.youtube.com/watch?v=wGseV8EJjFA&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=2
El mundo está lleno de sonidos para tu sampler, te dejamos estos tips adicionales para que consigas sonidos Trap con tu propio toque.
Tips para el sonido Trap y Rap
- Juega con el pitch de tus muestras.
- Presta especial atención a que el 808 Bass esté bien afinado.
- No trates de obtener un sonido a partir de otro diferente, manipulando en exceso una muestra. Si quieres un sonido busca ese sonido.
- Fíjate que el sonido que eliges actúa en las frecuencias en las que lo necesitas.
- Busca sonidos que la gente reconozca, pero ve más allá de lo que se espera de ellos.
Cómo crear sonidos increíbles en Operator de Ableton
Exprime al máximo Operator, el sintetizador FM de Live.
Conoce cómo es Operator y aprende a crear sonidos ‘metálicos o acampanados’ en este potente sintetizador digital. Aquí tienes todos los detalles:
Hoy en día en el mundo de la síntesis de sonido existen muchos métodos para poder generar una enorme variedad de timbres. Algunos de estos métodos pertenecen al ámbito analógico, como la síntesis substractiva o la síntesis aditiva; pero otros, mucho más sofisticados, tienen su origen en el mundo digital. Uno de los métodos digitales más famosos es la Síntesis por Frecuencia Modulada o Síntesis FM.
La síntesis FM (a partir de aquí FM) es un método para poder generar sonidos de manera tanto analógica como digital. Pero es cierto que la FM en el ámbito digital ofrece muchas más posibilidades que en el ámbito analógico.
El término algoritmo en FM se refiere a la disposición de los operadores; un operador es un conjunto de 4 parámetros generales, forma de onda (waveform), afinación (pitch), envolvente (envelope o ADSR) y amplificador.
Los sintetizadores basados en FM suelen ser sintetizadores de 4, 6 u 8 operadores. Sólo existen 2 disposiciones de los operadores en los algoritmos, o se suman entre ellos (aditiva), o se modulan entre ellos (FM). Gracias a estas características los sintetizadores FM te brindan la oportunidad de llegar a timbres imposibles de conseguir a través de otros métodos de síntesis.
Operator combina síntesis FM y aditiva, como puedes ver en la imagen, ofrece 4 operadores: A, B, C y D, dispuestos de abajo a arriba. En la ventana central se puede observar lo que contiene cada uno de los operadores, forma de onda y envolvente. La afinación se encuentra en la ventana de la izquierda, Coarse y Fine (afinación o pitch) y Level (amplificador).
Si pinchas en el módulo final de la parte derecha del sintetizador podrás ver, en la ventana central, los siguientes algoritmos de los que dispones.
Atendiendo a estos algoritmos puedes ver que el que está más a la izquierda (en vertical) presenta una disposición de operadores, de tal manera que el operador D modulará en FM al C, y este al B, para terminar modulando al operador A.
Sin embargo, al otro lado, el que está más hacia la derecha (en horizontal) ofrece una disposición de operadores donde ninguno modula en FM a ninguno, sino que se basaría en ir sumando el operador A, el B, el C y el D (aditiva). Entre uno y otro hay, como puedes ver en la imagen, diferentes disposiciones de estos operadores, combinando así ambas formas, FM y aditiva.
Esto quiere decir que, en base a la afinación (Coarse y Fine), la forma de onda (Waveform) y el volumen (Level) de los operadores, los distintos algoritmos te ofrecerán variedad de timbres de esa configuración en concreto, la cantidad de timbres diferentes que puedes crear son prácticamente infinitas.
Así puedes diseñar tus sonidos metálicos
Al cargar el Operator te ofrecerá por defecto el primer algoritmo de su serie, el vertical. Puedes empezar a crear tu sonido con ese algoritmo.
Operador A
Este operador, según el algoritmo elegido, será el que porte toda la modulación producida por los otros 3, de ahí que, en este caso, se le denomine Portador (Carrier).
- La forma de onda del operador A será una sine wave.
- En la envolvente bajaremos el sustain considerablemente y aumentaremos ligeramente el release.
- La afinación se queda como está, coarse (1) y fine (0).
Operador B
- Forma de onda sine wave.
- Copiamos la envolvente del Operador A, esto se puede hacer muy fácilmente dando al botón derecho sobre la pantalla de la envolvente.
- Aumenta el volumen del operador (Level) hasta oír un cambio grande en el sonido inicial.
- Aumenta la afinación, por ejemplo, Coarse 8 y Fine 0.
Operador C y Operador D
- De la misma forma que en el operador B.
- Observa cómo alejando las afinaciones (Coarse y Fine) de unos operadores con otros, puedes conseguir sonidos metálicos muy realistas, timbres más naturales y orgánicos.
- Experimenta cómo cambia el sonido y los distintos timbres que puedes obtener al manipular las afinaciones (Coarse y Fine) y los volúmenes (Level) de los 4 operadores. También con sus distintas formas de onda y cambiando ligeramente las envolventes de los operadores.
- Quédate en un timbre que te guste y ve cambiando el tipo de algoritmo del Operator, obtendrás otro tipo de sonido de acuerdo a cada configuración.
Una vez encuentres el timbre final que más te guste, te animamos a que experimentes con los diferentes tipos de filtrado, ligeras modulaciones con el LFO, abriendo el campo estéreo del sonido, usando el parámetro ‘Spread’, buscando un tono más claro o más oscuro con el parámetro ‘Tone’, alargando o acortando el release del sonido con el parámetro ‘Time’, etc., incluso creando una pequeña sensación de desafinación en el attack del sonido usando el parámetro Pitch Env.
También usando el plug-in Arpeggiator de Ableton Live crearás una secuencia muy variada gracias a sus muchas posibilidades, de esta manera podrás obtener algo parecido a una línea de percusión por ejemplo.
Por último y para completar el diseño del sonido es muy recomendable que te ayudes de un plug-in de reverberación y otro de delay estéreo con diferentes tiempos a izquierda y derecha. De esta manera podrás ubicar el sonido en un espacio y conseguirás un sonido mucho más natural. Descubre cómo crear 808 con Operator.
Datos extra sobre la síntesis de sonido
La aparición de los chips digitales, y más tarde la de los microchips, permitieron a la síntesis de sonido expandirse como nunca lo había hecho anteriormente. Tan grande es el abanico de posibilidades en el ámbito digital que incluso hoy en día estos métodos siguen en desarrollo, sin conocer aún cuál es el límite.
La FM digital fue un invento del compositor e inventor estadounidense John Chowning en el año 1967. En aquel año y desde la Universidad de Stamford, Chowning desarrolló un algoritmo matemático para hacer posible la modulación de frecuencia.
A pesar del año en el que se inventó no sería hasta principios de los años 80, concretamente en 1983, cuando la marca Yamaha sacase al mercado el primer sintetizador basado en FM, el Yamaha DX7. Un sintetizador muy conocido mundialmente (este fue el primer sintetizador, además del Prophet V de Sequential Circuits, en incorporar MIDI) y que disponía de una base digital donde se almacenaban un número determinado de algoritmos.
Cómo promocionar tu música en Spotify
Si quieres anunciarte en Spotify, Ad Studio te lo pone fácil.
La principal plataforma de música en streaming ha lanzado Ad Studio, una herramienta imprescindible para que promociones tu música de forma fácil e intuitiva. En esta sencilla plataforma de Spotify podrás crear en poco tiempo y sin un presupuesto tan alto, anuncios de audio, imagen o vídeo para llegar con tu música a las personas que quieres.
Comprueba lo fácil que resulta anunciarte en Spotify, con este post en el que te explicamos paso a paso cómo hacerlo.
Lo primero que tienes que hacer es entrar en Spotify Advertising. Una vez dentro deberás hacer clic en EMPEZAR AHORA (puedes encontrar este botón en la parte superior derecha o a medida que haces scroll en la página). Regístrate con tu cuenta de Spotify (si no tienes una tendrás que crearla), e incluye otros datos como tu nombre, email, el país en el que estás y, si resides en el Reino Unido, España, Australia, Nueva Zelanda o México, un número de identificación fiscal (IVA) o su equivalente local.
Empieza a promocionarte con Ad Studio de Spotify
Ahora viene lo interesante: empezar a crear tu campaña de anuncios para promocionarte. Para ello, una vez te hayas registrado en la plataforma y estés dentro, deberás hacer clic en la opción crear campaña. Posteriormente te aparecerán estas alternativas:
Ponle un nombre a tu campaña y piensa en tu objetivo: si lo que quieres es promocionar un sencillo, un álbum o una lista de reproducción, elige An artist's music on Spotify o Un artista en Spotify (dependiendo si la interfaz te aparece en inglés o español). Si esta es tu elección tendrás que buscar tu nombre de artista y seleccionarlo.
Otra opción para ti puede ser Un concierto o merchandising del artista, si quieres que los oyentes de Spotify se enteren de tu próximo evento o venderles algún tipo de merchandising.
Una vez tengas tu objetivo elegido haz clic en el botón SIGUIENTE.
Armar tu grupo de anuncios, el siguiente paso
La estructura de Ad Studio de Spotify es muy similar a la de otras plataformas de publicidad online como Facebook o Google Ads: campaña, grupo de anuncios y anuncios. La campaña se compone de grupos de anuncios y estos de anuncios.
Luego de crear tu campaña es momento de armar tu grupo de anuncios. En esta fase te vas a encontrar con la siguiente información:
Dale un nombre a tu grupo de anuncios, luego elige el formato de anuncio que prefieras: audio, vídeo horizontal o vídeo vertical. Una vez hayas hecho esto, verás las opciones de las plataformas en las que mostrar tus anuncios: ordenador, iOS, Android o todas, Ad Studio aconseja directamente que para que tu campaña funcione bien, la decisión más recomendable es todas.
Lo siguiente que debes hacer es definir el tiempo de duración de tu campaña, ponerle fecha y hora de inicio y fin, así como el presupuesto que vas a invertir. De momento en España puedes crear campañas a partir de 250 €. Además de España, Ad Studio también está disponible en Nueva Zelanda, EE. UU., Reino Unido, Canadá, Australia, Alemania, Italia, Francia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Irlanda, Países Bajos, México, Colombia, Chile, Argentina, Filipinas, Singapur, Malasia y Taiwán.
Para continuar debes empezar a configurar tu audiencia, es decir, establecer las características del público al que le quieres mostrar lo que haces: edad, género, el país, la ciudad o los códigos postales en donde se encuentra.
Una vez definas y registres estas características, Ad Studio te empezará a mostrar una estimación de cuantas personas oirán y/o verán tus anuncios, cuantas veces, con qué frecuencia y si tu presupuesto es suficiente. Puedes hacerte una idea de esto fijándote en la parte derecha de la siguiente imagen:
Te vas a encontrar con una forma adicional de definir el público que quieres conquistar con tus anuncios:
Puedes elegir entre llegar a esas personas, si ya son tus fans o lo son de otros artistas. Esta es la opción más recomendada para promocionar un sencillo, un álbum, una lista de reproducción, un evento o merchandising. Esta opción te permitirá llegar a personas que ya te sigan o a públicos que sigan a otros artistas similares o que vayan por delante de ti.
Aún así también tienes estas otras alternativas que puedes elegir:
- Géneros: los géneros musicales que tiende a escuchar el público al que quieres llegar: hip hop, latin, pop, indie, electrónica, etc.
- Contextos en tiempo real: lo que están haciendo esas personas mientras escuchan música: ejercicio, fiesta, cocina, estudio, cenar, viajes, gaming, entre otros.
- Intereses: cosas que le gustan a las personas a las que te propones llegar: deporte, cocina, gaming, humor, teatro, viajes, fiesta, entre muchas más opciones.
- Sin segmentación adicional: por si prefieres no definir tu público con ninguna de estas opciones, y dejarlo un poco más amplio y con solo los datos como edad, país, género.
Te recomendamos que conozcas y tengas lo más claro posible el público al que quieres llegar para poder definir todos estos datos. Actualízate con las Tendencias del Marketing Musical para 2021.
Ahora crea tus anuncios
Es momento de que elijas el material con el que estará hecho tu anuncio: el audio (de no mas de 30 segundos), la creatividad o el vídeo si has optado por este formato. Para esto, Spotify te ofrece dos opciones, que ya tengas el material hecho por tu cuenta y lo subas, o ayudarte con ello.
Bien si prefieres que Spotify te ayude o hacer el material por tu cuenta, debes definir un texto o guion claro y con tono atractivo para tu anuncio de audio, que por supuesto lleve de fondo tu música, tu voz o si prefieres la de un locutor; en este último caso analiza si te conviene más que sea una voz femenina o masculina, joven, adolescente o adulta.
No te olvides de la imagen que necesitarás para acompañar tu anuncio, a esta también le puedes incluir un pequeño texto que atrape y no debe tener una medida de 640 x 640. Acuérdate también de definir una llamado a la acción, slogan y tener el enlace del destino a donde quieres que vaya tu público al hacer clic sobre la imagen que acompaña el anuncio, tu cuenta de Spotify, una playlist, etc.
Una vez montes el material creativo de tu anuncio, Ad Studio te mostrará una vista previa tanto en móvil como en ordenador.
Cuando estés satisfecho con tu anuncio, el siguiente paso es validar tu pedido en Ad Studio y comprobar tu método de pago. Te recomendamos que antes de realizar todo el montaje de tus anuncios, vincules tu forma de pago.
En un plazo de 24 horas o menos recibirás una notificación a tu correo informándote si tu anuncio ha sido aprobado o si tienes que hacer ajustes. Una vez tu campaña esté funcionado podrás ver informes con cifras en tiempo real sobre la entrega de tus anuncios.
Durante el tiempo que hayas elegido para que tu anuncio se muestre al público, podrás realizarle cambios sin problema. Luego de las modificaciones que hagas, Spotify te notificará si han sido aceptados o no para que tu campaña continúe activa.
Esperamos que este post te haya ayudado a descubrir mucho más sobre Ad Studio de Spotify, y a ponerte manos a la obra para conquistar y cultivar cada vez más fans.
Aprende más sobre Ad Studio de Spotify y otras herramientas para dar a conocer tu música con el Curso de Marketing y Promoción Musical Online.
Tendencias del Marketing Musical para 2021
Actualízate con las últimas tendencias de marketing musical para poder desarrollar tu pasión y vivir de la música.
Una de las claves para triunfar como artista, es llevar el ritmo de lo que pasa en el marketing musical. El mundo digital evoluciona cada vez más rápido y consigo las formas de llevar tu música a los oídos de quienes te propones. Si aspiras a triunfar en la Industria Musical, no te puedes quedar atrás de estos cambios.
Actualízate con este post en el que nuestra profe de industria musical, Nathy Faria te presenta las tendencias del marketing musical que marcarán el 2021. ¡No las pierdas de vista! son tu as bajo la manga para promocionar con éxito tu música este año y los siguientes, porque estas tendencias llegaron para quedarse.
Estar al tanto de cómo se mueve el marketing musical te ayudará a definir objetivos alcanzables y estrategias eficaces para convertir tu música en temazos. ¡Comencemos!
El Marketing Digital es Ley
Actualmente para cualquier sector, el marketing digital ya no es una alternativa a elegir, sino que se ha convertido en un must, algo que no podemos descartar para darnos a conocer.
Ahora más que nunca, vivimos en función del marketing digital, es un mundo de todos, y aún más en la música. Estás tardando si como artista no has empezado a aprovechar el marketing online para mostrar quién eres y lo que haces. Ayúdate con esta guía de marketing digital para artistas.
El artista emprendedor
Hoy como artista debes tener el poder de tu carrera, controlarla, autogestionarte, visualizarte como una empresa o negocio y apoyarte en otros profesionales para crecer y surgir, pero sin depender de ellos.
Sácale provecho a esta tendencia que te lleva a estar en el centro como artista, te da la libertad para crear tu propia historia y hacer posible tu negocio musical sin depender de que alguien haga las cosas por ti.
A este perfil de artista se suma el de el E-Manager, la figura que lo sabe planificar todo entorno al marketing digital, desde distribuir la música en este escenario, manejar herramientas digitales, hasta controlar los ingresos que vienen desde este espacio y más. Hoy hablamos de un manager con responsabilidades aún más interesantes e importantes, ya que si o si debe controlar el medio online.
Artista como marca
Ahora y de aquí en adelante, crear buena música es lo mínimo que debes hacer como artista. Tienes que ir más allá, buscar llamar la atención del público con lo que le ofreces y conseguir que se identifique con tu mensaje. Si no intentas hacer esto no llegarás a nada.
Para lograrlo, más que como un artista visualízate como una marca y hazte preguntas como:
- ¿Por qué la gente me va a escuchar?
- ¿El público qué puede esperar de mi?
- ¿Cuáles son mis locuras?
- ¿Con qué puedo definir mi identidad como artista?
No se trata de que copies algo que ya está, se trata de que trabajes en identificar tu propia esencia, en quién eres tú como artista, fijándote en características únicas, por ejemplo, cómo ves el mundo alrededor y cuáles son tus fuertes.
De esta manera, busca una conexión constante con tus fans, a ellos ya no solo les basta con escuchar la buena música que haces, sino que quieren estar cada vez más cerca de ti porque la era de lo digital así lo facilita.
Liderar una tribu
Una tribu se define como un grupo de personas conectadas entre si y que alguien lidera. En este caso se trata de la tribu que tu vas a inspirar con lo que haces. Cuando más que un artista eres una marca, a tus fans les va interesar cómo los puedes inspirar o cómo se pueden identificar contigo.
Así que también pregúntate ¿cuál es la tribu que vas a liderar? ¿cómo la vas a inspirar? ¿a partir de qué? Puede ser de tu pasión, por ejemplo.
Conectar con las personas es un punto muy importante de tu carrera artística y que, por tanto, no debes descuidar.
Contenidos de valor
Cuéntale a tus fans historias relacionadas contigo y tu música, busca despertar emociones en ellos a través de diferentes formatos: vídeos, textos, tus mismos sonidos, opciones hay muchísimas, pon a volar tu creatividad.
No te fijes solamente en lo que quieras contar, también busca descubrir qué le interesa a tu público, cuáles son sus intereses, sus necesidades y responde a ello con tus mensajes. Hoy a las personas no solo les gusta escuchar, sino también ser escuchadas y participar.
Tráfico cualificado
Trabaja porque a tu página web llegue gente realmente interesada en tu música. Esto lo puedes conseguir con estrategias gratuitas o pagas.
Asimismo, no te enfoques en el número de tus seguidores en redes sociales, sino en la calidad. Puede que tengas muchos seguidores, pero si no interactúan con tu contenido eso equivale a nada. Recuerda siempre, calidad no es cantidad.
Conciertos online
Antes, pensar en hacer un concierto online era una locura; hoy las cosas son distintas. Con motivo de la pandemia hemos tenido meses para probar ese formato y ha llegado para quedarse.
Ten en cuenta que hay dos tipos de conciertos online: los live de promoción y el concierto online totalmente producido, en el que hay que pensar en iluminación, producción, y en detalles que motiven al público a comprar entradas. Actualmente, lo que se gana con conciertos online está superando lo que se obtiene con los conciertos presenciales.
Sin embargo, detrás de todo esto hay una estrategia digital para comunicar esta clase de eventos, venderlos y convertirlos en una completa experiencia. Como usuarios de tecnología cada día queremos vivir experiencias.
Trabajar canción por canción
Como artistas pensamos que producir un disco es el mayor éxito, la alegría más grande, algo completamente maravilloso, casi como un hijo. Pero como estrategia ya no funciona, ahora debes trabajar canción por canción.
Esto debido a que detrás de cada canción hoy hay muchísimas cosas más que puedes explotar: eventos, variedad de contenidos, novedades y muchas maneras de conectarte con el público en todo momento.
De esta manera, también puedes evaluar cómo te va con cada canción y convertirla en una oportunidad para hacerlo mejor, así como mejorar tus estrategias y acciones de promoción. Este formato te da muchas ventajas de producción e inversión para ver resultados.
Tik Tok y Reels
Los altos números demuestran el imparable auge de estas plataformas y con ello, que nos encanta ser prosumidores, producir y consumir contenido al mismo tiempo.
Tik Tok facilita este tipo de interacción y sus algoritmos permiten hacer algo viral o mostrar tu contenido muy fácil y rápido.
Como artista no puedes perder de vista esta plataforma para conquistar fans. Piensa cómo puedas estar ahí con contenido de valor, igual que en los reels de Instagram.
Los videojuegos
Conciertos en vivo en videojuegos, un formato altamente interactivo que se mantiene como tendencia por la experiencia que ofrece y las facilidades que le da al público de participar. Este es el caso de los conciertos de Travis Scott y Marshmello en Fornite y de otros muchos más artistas que ya se han sumado a este formato.
¿Y cómo se gana con la música en los videojuegos?, pues a través de patrocinadores a quienes también les conviene llevar sus marcas a este escenario. Aquí también se manejan otros formatos como el merchandasing virtual, variedad de accesorios y avatares.
No dejes de ver las posibilidades de cómo funciona este mundo de los videojuegos y la música y lo que puedes proponer como artista para estar en él.
De momento, es muy difícil saber cuándo volverán a estar abiertas las salas de conciertos con normalidad, por lo tanto, como artista cada vez más vas a tener que estar muy activo en el escenario online.
Estas tendencias no son más que grandes oportunidades que te brinda el marketing musical para posicionarte como artista y estar en donde está el público para conquistarlo. Es momento de probar, explotar tu creatividad y poner en acción tus mejores ideas para llegar a donde quieres.
5 consejos para ser DJ
¿Quieres comenzar a dar tus primeros pasos como DJ? En este artículo te damos cinco consejos para empezar.
Si eres de esas personas que mientras ve a David Guetta, Dimitri Vegas & Like Mike o Martin Garrix actuar, se imagina a sí mismo encima de ese escenario, esto te interesa. Empezar como DJ no es sencillo, cada vez son más las personas que les gustaría dedicarse a ello profesionalmente y por este motivo hay que tener una hoja de ruta clara. Aquí te damos cinco claves para empezar como DJ.
Compra tu primera controladora DJ
Si has llegado hasta aquí, es porque tienes clara la idea de acabar siendo DJ. Lo primero, es empezar a practicar, a familiarizarte con el hardware y el software de un disc jockey. Hay muchas maneras de mezclar música, a través de vinilos o reproductores, pero lo ideal es comenzar con una controladora.
Los comienzos suelen ser complicados, a la par que humildes económicamente hablando. Por este motivo, lo habitual es aprender a pinchar con una controladora de dos canales y por lo general, de precio bajo rondando los 200-400 €. Desde ahí, podrás manejar los principales DAW para DJ e ir evolucionando. El siguiente paso sería una controladora de cuatro canales y después ya vendrían los sistemas autónomos, reproductores o vinilos.
Aprende a pinchar con los mejores
Hasta cierto punto se puede aprender a ser DJ siendo autodidacta. Por un lado, una buena manera de comenzar es fijándote en tus artistas favoritos, analizando sus mezclas e incluso copiándolas en tu habitación. Como resultado de estas medidas, verás como combinando diferentes estilos, al final conseguirás labrar el tuyo propio.
Sin embargo, hay un punto en el que quizá para aprender a pinchar correctamente necesites ayuda directa de un profesional. Siempre es mejor tener un contacto constante con tu profesor, que te puede dar consejos adaptados precisamente para ti. Además, si das clases con más compañeros, esto puede favorecer la dinámica, progresando unos al lado de otros. Además, si tienes compañeros, se puede producir el típico “pique” sano que puede ayudar a ambas partes a mejorar.
La práctica hace maestros
Ser un DJ profesional, como en cualquier campo del mundo de la música, requiere muchas horas. Normalmente, el primer escenario sobre el que empezarás a mezclar canciones será tu habitación. Es allí donde debes pasar tiempo mezclando, llevando a cabo trucos nuevos y sobre todo practicando. Solo así conseguirás un alto nivel de confianza sobre los platos y en consecuencia un gran nivel como DJ.
El siguiente paso, es perder el miedo a los escenarios, a pinchar delante de gente y sobre todo mezclando tu música en altavoces potentes. Puedes comenzar poniendo a prueba tus nervios en una fiesta con amigos y así tratar de desarrollar algo vital para un disc jockey: la lectura de pista. Lo ideal es que poco a poco tu público vaya siendo más amplio, hasta que exista un punto en el que actúes igual en tu habitación que delante delante de más personas.
También puedes prepararte practicando en eventos, pequeños festivales o en fiestas privadas. Así, además de ensayar podrás ahorrar algo de dinero de cara a tu futuro profesional como DJ. Te recomendamos que busques en el portal Jooble, que cuenta con más de 70000 ofertas de empleo en España.
Demasiada música nunca es suficiente música
La figura del DJ tiene también un papel de investigación. Debes estar al día de toda la música que ha salido, pero sin olvidar los grandes clásicos. Un DJ set en directo, sobre todo en bares, clubes o discotecas, puede ser impredecible. Nunca sabes qué tipo de público va a estar ahí, si te va a tocar pinchar para abrir la fiesta, quizá para cerrar o incluso las dos. Por esta precisa razón hay que estar preparado para todo y la única manera de hacerlo es llevando un pen drive con más música de la que consideres necesaria.
Muchas veces un DJ trabaja sobre la idea de querer poner un tipo determinado de música, generalmente su género favorito, ya sea EDM, Techno, House, Hardstyle… No obstante, lo más probable es que en tus inicios tengas que pinchar otros tipos de música e incluso algunos que no te gusten. Mantente al día de las canciones que salen nuevas de todos los géneros, cuáles son las modas y tendencias y así empezarás a triunfar. Ya habrá tiempo más adelante de poner la música que amas.
Ser DJ, cuando la música es lo único que importa
Date a conocer como DJ
¿Cómo dar el paso de ser un Bedroom DJ a pinchar en clubes? La respuesta es sencilla, promocionándote. Ahora bien, esta tarea no es tan sencilla como parece. Para empezar el mundo del DJ es altamente competitivo y no hay lugar para la gente tímida. Lo primero que hay que hacer es que te pongan cara, trata de asistir a aquellas fiestas donde en un futuro te gustaría hacer una performance y date a conocer, que los promotores se queden con tu cara.
Realmente, el ejemplo anterior es algo anticuado. Hoy en día gracias a las redes sociales podemos darnos a conocer sin salir de nuestra habitación. Es casi igual de importante que saber utilizar bien una mesa de mezclas para ser activo en Instagram, Twitter o Facebook. Sube publicaciones pinchando, participa en concursos de discotecas, ofrece directos desde tu perfil y sobre todo, trabaja una imagen divertida y que sea atractiva para el gran público. No puedes dejar de leer Marketing Digital en la Industria Musical: guía para artistas.
Es evidente que primero va el aprender a pinchar, pero, tal y como podemos comprobar, una imagen cuidada puede marcar la diferencia. Esto pasa por tener un logo llamativo, buen material audiovisual o incluso vestir de una manera curiosa. En otras palabras, construirse una personalidad como DJ, no tiene que ser la que tengan los demás, debe ser con la que te sientas cómodo.
Un consejo extra es tener paciencia y ser perseverante. Como hemos podido ver en este artículo, el panorama de un DJ es muy complicado y competitivo. Seguro que muchos de tus artistas favoritos han tenido que pasar por fiestas de las que prefieren no acordarse, con poca gente o en malas condiciones. Sin embargo, todas conforman una carrera que puede llegar a ser muy exitosa. El esfuerzo, al final se ve recompensado, ya que de una manera u otra, al final ver a gente disfrutando con la música que tú, DJ, estás poniendo, es algo que no tiene precio.
¿Sin ideas para regalar en Navidad? Sounds Market te lo pone fácil
Esta Navidad regala equipos de producción musical y DJ
La web de compraventa especializada en equipos DJ y de producción musical Sounds Market, es tu aliada perfecta para elegir tus regalos de este año.
En esta plataforma podrás encontrar alternativas nuevas de las mejores marcas y tiendas del mercado, y opciones de segunda mano en muy buenas condiciones. Además descuentos, ofertas y precios especiales para que tu lista de regalos sea perfecta.
Por si fuera poco, si eres alumno o ex alumno DJP cuentas con 20€ y 50€ de descuento exclusivo para compras de más de 100€ y 400€. Conoce todos los beneficios que tienes por ser parte de DJP.
Si lo tuyo es el mundo de la mezcla o de la producción musical, toma nota de estas opciones que hemos encontrado en Sounds Market:
Equipamiento DJ
¿Alguna controladora para tu lista? ¿una mesa de mezclas para pedir a los Reyes Magos? ¿platos? ¿efectos? ¿auriculares DJ? ¡Seguro que sí!
En Sounds Market encontrarás una gran variedad de opciones nuevas y/o usadas, de diferentes marcas y modelos, tanto para principiantes como para profesionales. Así no te faltarán ideas para pedir, regalar o autoregalarte.
Equipamiento de estudio y producción musical
Sounds Market concentra en un solo lugar la mayor variedad de opciones.
Podrás encontrar teclados y controladores MIDI, tarjetas de sonido, cajas de ritmos, monitores, sintetizadores y todo lo que no puede faltar en tu home studio.
Licencias de software
Sounds Market también ofrece los principales DAW de producción musical del mercado. Con varias ofertas, en este marketplace podrás cumplir tu deseo de Navidad, y tener contigo la licencia del software que más te guste: Ableton, Logic Pro, Cubase, FL Studio, Pro Tools, entre muchos otros.
Descubre otras alternativas de regalos de Navidad para DJ’s y productores
Alquiler de espacios
Navegando en Sounds Market también podrás encontrar interesantes opciones de alquiler de espacios de ensayo, estudios de grabación o salas de conciertos en las mejores ubicaciones de España, con o sin equipamiento y a precios muy económicos por horas o días.
Podrás tener a tu disposición espacios de todos los tamaños, desde pequeños home studio hasta grandes estudios de grabación profesional con variedad de equipos de alta gama.
Otros instrumentos musicales
Y para que nada te falte en esta Navidad, en Sounds Market también encontrarás otro tipo de instrumentos musicales y sus accesorios, tanto en venta como en alquiler.
Este marketplace también dispone de una gran oferta de instrumentos de cuerda como guitarras eléctricas, clásicas, acústicas, amplificadores, bajos eléctricos, violines, contrabajos, ukeleles y más; así como instrumentos de percusión: baterías acústicas, electrónicas, etc.
A estos se suman las opciones de viento metal y viento madera: saxofón (alto, tenor, barítono o soprano), trompeta, clarinete, flauta, tuba, trompa, trombón, flauta travesera, oboe, fagot, armónica, también instrumentos de viento étnicos y accesorios como estuches, boquillas, sordinas o abrazaderas.
Podrás elegir lo que prefieras, entre opciones de las mejores marcas al precio más barato. Y, por si fuera poco, también tendrás posibilidad de acceder a alternativas para reparar los instrumentos que ya tengas.
Vende tus equipos
Y si para esta Navidad tu deseo no es comprar o alquilar equipamiento, sino vender, Sounds Market también es tu lugar. Esta es una plataforma de compraventa, así que no solo es posible comprar sino también vender equipos que ya no uses. Podrás publicar tus anuncios gratis y de una manera fácil y rápida para exponerlo ante una audiencia de miles de músicos en España.
En Sounds Market no solo podrás encontrar miles de ideas de regalos de producción musical y DJ para esta Navidad, sino también la forma más fácil y segura de comprar o vender. No correrás riesgo de estafa alguna por querer ofertar o tener tus equipos de forma muy cómoda. A diferencia de otras plataformas, esta web es muy atractiva y organizada visualmente, esto te facilitará ubicar rápidamente todo lo que quieres.
Además, cuenta con un método integrado de pago y envío. Todo el proceso de compra o venta se realiza dentro de la misma página y el vendedor no recibe el dinero hasta que el comprador tenga su producto con total satisfacción en su domicilio. Sounds Market intermedia en todo, cuida de tu producto, retiene el dinero de forma segura, realiza el proceso de compra o venta, evita encuentros entre vendedores y compradores, y te presta soporte personalizado 24/7.
Entra ahora a esta completa web hecha por y para músicos, y encuentra en un solo lugar miles de ideas para tu lista de regalos de Navidad. Seguro que te darán ganas de hacerte a muchas más cosas el resto del año.
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Cómo crear sonidos propios utilizando la envolvente ADSR
Conoce qué es el ADSR y descubre consejos prácticos para diseñar nuevos sonidos manipulando esta envolvente
Como productor(a) y beatmaker, siempre tratas de conseguir sonidos especiales y atractivos. Pero cuando te pones en ello y buscas los sonidos adecuados, en ocasiones puedes caer en el vicio de usar presets predeterminados sin ni siquiera modificarlos.
Esta práctica te impedirá conseguir un sonido propio y único, y no te ayudará a aportarle esencia única, o ese toque personal a tus producciones.
En este post te hablaremos de una las secciones más esenciales de la síntesis y del diseño de sonido, el ADSR. Te contamos qué es y te damos consejos que te servirán de guía a la hora de usar esta envolvente para crear tus propios sonidos.
¿Qué es la envolvente ADSR?
Las siglas del ADSR significan Attack, Decay, Sustain y Release, y cada uno de estos parámetros como envolvente determinan las principales características de un sonido.
- Attack: tiempo que tarda el sonido en escucharse desde que se ejecutó en el instrumento.
- Decay: tiempo que tarda la amplitud de volumen en bajar hasta el volumen de sustain.
- Sustain: tiempo que una nota se mantiene sonando constante.
- Release: tiempo que tarda en desaparecer el sonido desde que terminó el tiempo de sustain.
Los parámetros de está envolvente la sueles encontrar en los instrumentos VST, sintetizadores de software y hardware y en plugins de sampling o samplers.
Además de tener claridad sobre lo qué es el ADSR, también es fundamental saber emplear muy bien cada uno de sus elementos para conseguir tus objetivos en el diseño de tu sonido. A continuación, algunos consejos prácticos que te servirán mucho según el tipo de sonido que quieras crear, veamos:
Si quieres conseguir sonidos percusivos, como sonidos staccatos o plucks
Es fundamental un attack muy corto o mantenerlo en 0, y un release rápido, ya que el sonido impactará con rapidez y dejará de sonar rápido, sin que se mantenga.
Aunque el parámetro fundamental en sonidos percusivos es el attack rápido y un decay y sustain prácticamente nulos, el release, como hemos mencionado, suele ser corto también.
Dependiendo del diseño de sonido puedes utilizar diferentes longitudes de release para dar cola al sonido, conseguir glissandos o hacerlos más duraderos y menos groovy (como es el caso de sonidos como los rides o crashes).
Escucha ejemplos de plucks:
Para lograr sonidos atmosféricos, como pads o leads
Busca alargar el tiempo de attack y usar también tiempos de decay y sustain largos, que te ayudarán a crear esos sonidos envolventes y atmosféricos.
Sin embargo, el release, se suele ajustar según intenciones y los parámetros que presente el attack, ya que de ello dependerá si la anterior nota deja o no de previamente a que el attack del siguiente empiece a hacer efecto.
Si quieres mantener una atmósfera de sonido constante, interesa que el release sea largo también, ya que ayudará a camuflar la entrada de la siguiente nota, consiguiendo constancia en el sonido.
Escucha ejemplos de pads:
Ten precaución con sustains demasiado largos y attacks demasiado cortos
Con todos los sonidos a diseñar, es importante que pongas especial atención en que el tiempo de attack no sea excesivamente corto. Esto puede derivar en clicks molestos que no queremos, por muy percusivo que pueda llegar a ser el objetivo.
Además, es recomendable ajustar el tiempo de sustain en función de la transición deseada entre notas, ya que estas transiciones serán más acentuadas y marcadas o más suaves y fluidas dependiendo del tiempo que se designe al sustain.
En el caso de los 808, se suele mantener un sustain largo, ya que esto te ayudará a acercar las transiciones entre las siguientes notas y evitará la perdida del bajo en algunos momentos del track.
Diseña sonidos más interesantes y personales, ajustando varias envolventes ADSR
Haz uso de varias envolventes ADSR y que estas sean asignadas a diferentes parámetros, como LFOs, filtros o en casos donde se combinan dos tipos de síntesis diferentes.
Vincula estos envolventes ADSR a parámetros que controlen elementos que tu quieras, como, por ejemplo, curvas de filtrado, distorsiones y efectos o resonancias. Esto dará riqueza sonora y te ayudará a mejorar tu diseño sonoro de forma exponencial.
El objetivo del diseño de sonido es el de conseguir crear tu sonido personal y buscar esencia en tus creaciones, para lo cual también puedes ayudarte con el resto de los elementos que puedes encontrar en las diferentes formas de síntesis.
La combinación de osciladores, ruteos de señal, combinación de canales de efectos o control de parámetros asignados por LFOs, u otras envolventes como ya hemos mencionado, serán tus grandes aliados a la hora de crear nuevos sonidos.
Las posibilidades son infinitas y siempre puedes guardar y almacenar tus propios presets; esto te ayudará a mejorar tu workflow y a crear poco a poco un banco de sonidos propio y muy original.
TRAP O NO TRAP... Esa es la cuestión
¿Qué es el TRAP?
Mucho se habla del Trap hoy en día, pero ¿cuánto se sabe realmente de este género que hasta hace 10 años era un completo desconocido? ¿Lo que comúnmente conocemos como Trap tiene que ver con lo que realmente es?. En este post hablamos del tema y abrimos el debate para que saques tus propias conclusiones. Vamos a ello:
Muchos definen el Trap como un subgénero de la música Rap, y esos son los más acertados. Los más perdidos se creen que se trata de un tipo de Reggaetón o una mezcla de música negra y ritmos africanos. A Bad Gyal se le asocia con estos géneros, pero de ahí a ser trapera…
Estas ideas erróneas, propagadas por la prensa y por las tendencias del momento, han hecho que lo que creemos que es urbano no sea más que marketing que sellos y magazines usan para vender.
Es cierto que el Trap forma parte de la cultura Hip Hop, pero está lejos de ser un subgénero del Rap. Podríamos hablar de un subgénero con temáticas de trapping o trapicheo, pero ¿cuándo no se ha hablado de drogas, joyas y trapicheos en el Rap? Igual qué pasó con el Gangsta Rap, una nueva etiqueta hace que algo que ya existía parezca novedoso.
Quizá habrá muchos inconformes con la siguiente afirmación: no hay grandes diferencias entre música Trap y Rap. A quienes creéis que se trata de dos géneros completamente diferentes os invitamos a que penséis ¿de qué Rap estamos hablando? El Rap que se escucha en países como España por lo general llega tarde, mal o nunca.
El Rap que generalmente conocemos como Rap real, auténtico, underground, no es otro que el rap de Nueva York y con suerte el de California (East Coast y West Coast). Se ha dejado de lado a todo el Rap que se salía de la norma o los sonidos que no fueran similares. Todo esto es propiciado por una vieja escuela que no terminó de entender el juego y limitó a los demás bajo la amenaza de no ser real o ser un vendido.
Crea un beat de Trap con esta guía gratuita. Descárgala aquí
Ese sonido característico (del que hablaremos en próximos posts y es donde está el truco) esa cadencia rítmica, esa manera de rapear (también veremos de dónde viene esto), es la evolución del sonido del sur de EEUU en la década de los 90. Y es de ahí de donde salen diferentes géneros que se han propagado con el seudónimo de Trap Music, pero que tienen como origen el Dirty Sound.
Cómo hacer música urbana: 6 claves para convertir tus beats en temazos.
Volver al origen del Trap
Para ser concretos, el primero en usar el término Trap fue TI, Raper originario de Atlanta, quien publicó en 2003 Trap Muzic, un disco con mucho éxito pero también con mucha controversia relacionada con drogas y desacatos a la ley.
Previo a él, en otras ciudades del sur otros grupos pioneros como Three 6 Mafia, Underground Kings (UGK) o DJScrew y su Screw Up Click, ya habían utilizado esos ritmos, esos sonidos, y por descontado esas temáticas.
Aquí algunas muestras para sacar conclusiones:
En este vídeo podemos ver como ASAP Rocky rinde homenaje a PIMP C (UGK) y a JUICY J (Three 6 Mafia).
Y ahora que ya has sacado tus propias conclusiones, deja la Playlist sonando para escuchar más temas bravos como este.
Evita estos errores al producir música
¿Estás trabajando en un solo tema? ¿solo usas auriculares al producir? ¿tus sonidos tienen la misma frecuencia?
Pon mucha atención a este post. Te contamos los errores más comunes que puedes cometer al producir, lleves poco o mucho tiempo en ello.
Descúbrelos y aleja estos fallos de tu día a día como productor(a) musical. Aquí vamos:
1. No tener una fuente de escucha adecuada
Una fuente de escucha adecuada significa trabajar principalmente con unos monitores de estudio en condiciones y con auriculares, pero como complemento.
Usar solamente auriculares durante toda la producción no te ayudará a obtener un sonido óptimo y resultados profesionales.
2. Dedicarte al mismo proyecto durante días
Seguramente, piensas que, si trabajas constantemente en un solo tema conseguirás avanzar mucho más, pero, todo lo contrario, con esto solo provocarás que tu cerebro se sature con el mismo sonido y al final no lograrás nada de lo que esperas.
Lo mejor es que te dediques paralelamente a 2 o 3 proyectos, ya que volver poco a poco a cada uno de ellos te generará ideas frescas. Ten en cuenta que no se trata de trabajar en una gran cantidad de tracks al mismo tiempo, al irte a este extremo también corres el riesgo de no terminar ninguno. Estas son las 10 falsas teorías de la producción musical y del mundo DJ.
3. Descuidar la calidad de tus cables
De nada te sirve tener un buen sinte, excelentes monitores de escucha, un micrófono increíble o una interfaz estupenda, si tus cables no son de buena calidad.
Trabajar con un cableado regular afectará demasiado el resultado de tus proyectos, por esto, tomate el tiempo e invierte en unos muy buenos cables, incluso procura que sean hechos por profesionales.
4. Excederte con los plugins y las librerías
¿Has oído que el exceso de posibilidades limita la creatividad? Pues así es. Contar con muchos recursos al tiempo solo causará que avances a paso muy lento, te hará corregir todo el rato y que siempre quieras cambiar lo que vas haciendo.
Disponer de demasiados plugins y librerías termina siendo no una ventaja, sino un problema para tu creatividad. Inspírate un poco en los tiempos de antes en los que los recursos eran limitados y había que buscarse la vida, estaban disponibles solo unos cuantos plugins, un par de librerías de sonido y hasta un solo sinte en estudio.
5. Producir varios sonidos con frecuencias iguales
Puedes caer muy fácilmente en el hábito de repetir constantemente la creación de patrones similares en cuanto a frecuencias. No es que no se pueda terminar un tema con tres bajos distintos, pero lo ideal es que alternes o que consigas que no suenen disonantes.
Arriésgate a crear con recursos que a veces te pueden parecer complicados o poco normales para tus oídos, pero eso sí, que cubran ampliamente el espectro y les den un buen aire a tus temas. Estos son 4 poderosos hábitos que te servirán para hacer música con impacto.
Tanto en un nivel inicial como avanzado de la producción musical, es muy fácil adquirir este tipo de prácticas que hacen sentir cierta comodidad al producir. Ya has podido conocer en este post cuáles de ellas debes evitar de inmediato, para no afectar los resultados de tu trabajo creativo.
Si quieres conocer más cosas que no debes hacer a la hora de producir descarga la guía completa aquí:
Si te has identificado con alguno de estos errores, no pasa nada, se vale equivocarse y aprender, lo más importante es que tomes soluciones a tiempo. Si este no es tu caso, ¡genial!, ya sabes qué no hacer al trabajar tus temas.