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7 consejos para grabar una canción

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Grabar una canción de forma profesional no es tarea sencilla, pero con estos tips el proceso te resultará un poco más fácil, y mucho más enriquecedor.

Actualmente tenemos a nuestro alcance numerosas técnicas, procesos y herramientas que hacen que crear música resulte mucho más sencillo que hace unos años. Sin embargo, el proceso creativo de creación musical puede resultar complejo si no cuentas con bases sólidas y un proceso claro de trabajo.  En DJP Music School queremos que mejores tu forma de trabajar a la hora de grabar o producir una canción, así que te dejamos 7 consejos que con seguridad te resultarán útiles. 

 

Crea una plantilla de trabajo

Cuando adquieras una rutina de producción o grabación es importante ahorrar tiempo, por lo que te recomendamos crear una plantilla de trabajo. Si usas casi siempre los mismos plugins y configuraciones similares puedes crear cadenas en tus diferentes pistas para que cuando abras la plantilla no tengas que configurarla una tras otra. 

 

Se ordenado

Esto se relaciona con el punto uno, el hecho de tener una plantilla va a hacer que el orden sea mucho más fácil de seguir. Ordena tus pistas, por ejemplo por su tipo de espectro de frecuencia para que siempre las tengas localizadas. El orden también es recomendable a la hora de ir sumando pistas a tu tema; comienza con las percusiones o melodías, como te sientas más cómodo y ve añadiendo elementos secundarios a tus principales.

 

Trabaja en la composición, luego mejora el sonido

Que una canción suene bien al final de todos los pasos depende mucho del principio. Si realizas una buena composición con grabaciones y samples de calidad ya conseguirás de por sí un buen sonido. Más tarde los llevarás al siguiente nivel a través de la mezcla. 

consejos para grabar una canción

 

Menos es más 

Con el paso del tiempo se ha visto justificado que menos es más y que lo simple funciona mucho mejor que lo complejo en cantidad de ocasiones. No te obsesiones con añadir capas de sonido a tu tema, busca espacio y profundidad y consigue que tus pistas den cuerpo a tu canción. 

 

Equilibra la mezcla

Es muy importante equilibrar los volúmenes de las pistas que componen nuestro tema. Tenemos que darnos cuenta de cuáles son las pistas principales para tenerlas a mayor volumen que otros elementos secundarios, para que así nuestro tema suene más abierto. Si estás trabajando con una voz principal esta será la protagonista. 

 

Sonar más alto no significa sonar mejor

No te pongas como objetivo sonar lo más fuerte posible ya que esto hará que los transitorios y dinámica de tu canción se arruinen. Tienes que conseguir un volumen óptimo para que tu música sea aceptada por sellos y funcione en las diferentes plataformas de streaming y reproductores de audio.

 

Escucha canciones de referencias

Si sientes que estás atascado/a con tu canción prueba a escuchar canciones similares. Escucha canciones que te gusten como están producidas y como suenan, hazlo atentamente para compararlas con tus canciones y comprobar que te falta o necesitas para conseguir tu objetivo.

 

Estamos seguros que si sigues estos consejos tu sonido y tus canciones mejorarán de forma notable. Si quieres aplicar estos consejos al máximo nivel te recomendamos que le eches un vistazo a los diferentes cursos que ofrecemos, haz click aquí para verlos.

 

 

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Cómo enviar música a sellos y discográficas

Haz que tu música sea escuchada y tenga la difusión que merece

Cuando tu carrera artística empieza a despegar, y desarrollas un producto con un resultado profesional, llega el momento de hacerte ver y dar a conocer tu obra. Hablamos de enviar música a sellos y discográficas, con el objetivo de que tu música y perfil artístico sigan escalando niveles.

En este post te traemos 5 consejos para que envíes tu música a sellos y discográficas, y así maximizar las opciones de que tu obra sea publicada por ellos.

 

 1. Elige bien lo que mandas

Lo primero es lo más importante: Debes ser consciente de la calidad de tus temas y saber si estos están preparados para salir en el sello al cual vas a mandar el mensaje. Asegúrate de que tu tema está acabado y suena correctamente. Una buena forma de contrastar esto es comparar cómo suena tu canción con respecto a los últimos estrenos del sello. Por supuesto, esto también conlleva que elijas sellos que siguen una dirección similar a tu canción, ya que si no lo están, es muy probable que no se interesen en ti. 

 

2. Prepara un correo atractivo y completo 

Los sellos están acostumbrados a recibir numerosos correos día tras día, lo que supone que tengan que leer mensajes de todo tipo. Por esta razón debes intentar diferenciarte de los demás.

No mandes un correo muy soso adjuntando solo el enlace, tienes que conseguir que el sello se interese por ti. Preséntate brevemente; di quien eres, de dónde vienes, si tienes apoyo de artistas importantes. Aporta una breve descripción de tu canción, explicando de qué estilo es, qué influencias tiene, lo que transmite. Por último, que no se te olvide adjuntar el enlace a tu canción y despídete de forma correcta agradeciendo su tiempo e interés por escuchar tu canción.

 

3. Pónselo fácil a la persona que va a escuchar tu canción 

Este punto también es esencial. Cuanto menos tiempo le cueste escuchar tu canción a la persona dedicada a las demos mucho mejor. Puede que hayas mandado un correo atractivo y un buen tema, pero si, por ejemplo, le envías tu tema para que se lo descargue a través de WeTransfer o Dropbox, esta persona va a tardar más en escuchar tu canción que si se la envías por enlace privado de Soundcloud. Este enlace habilita la descarga por si el sello decide apostar por tu canción. Consejo: cuando envíes el correo pon un hipervínculo al mismo enlace de tu tema, para que la persona solo tenga que hacer click. 

 

4. Ten cuidado con las reproducciones de tu tema

Muchos sellos tienen muy en cuenta también este punto. Posiblemente, quieras enseñar tu canción a amigos y conocidos, pero, no envíes el mismo enlace a los sellos. Si la persona dedicada a escuchar las demos ve que tu tema tiene, por ejemplo, más de 10 o 20 reproducciones ya no se va a interesar en tu canción ya que pensará que se las ha enviado a otros sellos y los tienes a ellos como segundo plato.

 

5. Manda recordatorios, pero no en exceso

Ya que la mayoría de sellos reciben cientos de demos, muchas de estas se quedan en el correo sin escuchar. No todos los sellos tienen gran disponibilidad, por lo que si no recibes una respuesta en aproximadamente una semana, manda un cordial recordatorio para que vean que tienes interés en su marca. Eso sí, no te agobies si no responden y no mandes correos masivos.

 

Y tú, ¿ya sabes cómo contactar correctamente con un sello? ¿Aún crees que tu canción no tiene el sonido profesional para mandarla? Aun estas a tiempo de darle el toque de calidad que necesitan. En DJP Music School tenemos el Máster de Producción Musical, en el que te preparamos para el auto emprendimiento y al mismo tiempo para trabajar en diferentes ámbitos de la Industria musical. Puedes pedirnos más información, o echarle un vistazo a los diferentes cursos que ofrecemos aquí, y haz que tu música destaque para una gran cantidad de sellos.

 

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propositos musicales djp music school

5 propósitos musicales para el 2022

propositos musicales djp music school

En DJP Music te traemos 5 propósitos para que mejores tu faceta artística en el año 2022

Al comenzar cada año lo marcamos en el calendario como un nuevo comienzo, poniéndonos nuevos objetivos, metas y propósitos. Viajar más, perder peso, dejar de fumar, hacer ejercicio o ahorrar dinero son algunos de los más mencionados pero nosotros preferimos centrarnos en lo que más nos gusta, la música

Por ello, en DJP Music School hemos preparado una serie de propósitos para aquellos que hagáis música, en cualquier aspecto. Tanto para novatos para como experimentados, aquí os dejamos algunos propósitos que podéis llevar acabo para mejorar vuestro sonido:

 

1. Ponte metas musicales realistas: 

Cualquier músico/a o productor/a musical habrá pensado alguna vez que la música no es lo suyo porque no consigue muchas reproducciones o no le firma ningún sello. Tenemos que ir paso por paso, consiguiendo ampliar nuestro conocimiento y mejorando nuestras habilidades. Con este desarrollo, iremos proponiéndonos diferentes metas a medida que vayamos avanzando, fluyendo así mucho más y evitando los momentos de agobio. Con el paso del tiempo verás como tu sonido y cualidades han mejorado, consiguiendo ampliar tu audiencia y atención por parte de los sellos.

 

2. Organízate y consigue una rutina: 

Es sin duda uno de los puntos más difíciles a conseguir pero es el que realmente va a marcar la diferencia. Si queremos avanzar tenemos que tener cierta constancia, organizando nuestro tiempo dejando siempre un momento para la música, ya sea para aprender de teoría musical, vernos algún tutorial o producir música.

Obviamente esto no significa que todos los días debamos sacar tiempo pero os recomendamos que tengáis una cierta rutina y que os habituéis a ella.

 

3. Descubre nueva música: 

propositos musicales djp music school (1)

Si os sentís sin nuevas ideas e inspiración o pasando por bloqueos creativos os recomendamos encarecidamente que descubráis nuevos artistas y géneros, consiguiendo así otros puntos de vista y ampliando nuestros enfoques. Esto hará que tengamos una visión más profunda a la hora de producir, teniendo más ideas en nuestra cabeza y posibilidades. 

Una de las formas es explorar en las plataformas de streaming o seguir a medios como Mixmag, Wololo Sound o Loud Cave.

 

4. Antes de empezar, acabar: 

 

propositos musicales djp music school (1)

Ya sabemos como va esto de dejar cantidad de proyectos comenzados y empezar uno nuevo, una tras otra vez. Si comenzamos a acabar todos los proyectos que vayamos avanzando conseguiremos más experiencia y así no nos quedaremos siempre a medias en el proceso creativo. Debéis de pensar que no toda la música que hagáis se debe sacar pero de toda sesión es productiva aunque pensemos que no. Acabar tus temas te acostumbrará a hacer esto con los siguientes, lo que será muy beneficioso para ti.

 

5. Desarrolla tu aprendizaje: 

En el mundo de la producción musical nunca se deja de aprender. A nuestro alcance está una gran cantidad de conocimiento referente a producción, mezcla y mastering gracias a la cantidad de tutoriales que existen, cuentas de redes sociales sobre música y los cursos que se imparten. Por eso te recomendamos que des un paso adelante en tu carrera y optes por hacer algún curso de producción musical o mezcla. En DJP Music School estaremos encantados de conseguir eso, ten en cuenta que tenemos programas de corta, mediana y larga duración, seguro se adaptan muy bien a lo que estás buscando. Puedes ver nuestros diferentes cursos haciendo clic aquí.

 

 

Esperamos que estos consejos te ayuden a empezar el 2022 con otra visión sobre la música y su proceso creativo.

Te deseamos felices fiestas y un 2022 lleno de música

 

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canciones navideñas que mas facturan

Las cinco canciones navideñas que más facturan

canciones navideñas que mas facturan

 

Te contamos cuáles son las canciones de Navidad más rentables de la historia

Ya estamos metidos de lleno en la Navidad, una época de reuniones familiares, comidas, regalos y mucha música, eso sí, casi siempre la misma. Año tras año volvemos a escuchar las mismas canciones en la calle, los centros comerciales, las películas donde cae nieve y seguramente en nuestras playlist de Spotify, también. 

Se trata de hits navideños que nos recuerdan que el año está por terminar. Canciones que todos conocemos y tarareamos en nuestra cabeza sin darnos cuenta. 

Los cinco hits que te presentamos a continuación están presentes todos los diciembres, y son las canciones de Navidad que más ‘royalties’ generan al año.

 

Wham! – ‘Last Christmas’

El dúo británico Wham!, formado por George Michael y Andrew Ridgeley, estrenó en 1984 uno de los temas navideños más icónicos, dos años antes de su separación. Fue escrita por George Michael y vio la luz en Epic Records, consiguiendo altas posiciones en las listas internacionales en los pocos días después de ser estrenada. Actualmente genera, al año, aproximadamente 500.000 euros por derechos de autor.

 

Bing Crosby – ‘White Christmas’ 

La canción original fue estrenada por Irving Berlin en el año 1940 pero es la versión de Bing Crosby la que tiene fama en todo el mundo. Según el libro Guinness de los Récords es el single más vendido de la historia con más de 50 millones de copias y unos beneficios de 53 millones de euros hasta la fecha, ostentando actualmente, más de 100 millones vendidas en todo el mundo. Tiene un historial de más de 500 versiones, en donde aparecen artistas como Lady Gaga, Michael Bublé o Gwen Stefani. Esta versión de Crosby recauda cerca de 400.000 euros al año por derechos de autor. 

 

The Pogues & Kirsty MacColl - ‘Fairytale of New York’

En 1987 la banda británica The Pogues, junto a la vocalista Kirst MacColl, estrenó esta canción navideña que habla sobre los sueños rotos de una pareja de inmigrantes irlandeses en Nochebuena, la cual se ha convertido en un himno en las navidades británicas. Con su enfoque alejado de los tópicos navideños se consolida como un amago de villancico que aún triunfa en esta época, siendo esta una posible explicación para entender su éxito. Artistas tan reconocidos como Ed Sheeran o Coldplay la han versionado y recauda cada año más de 515.000 euros.

 

Bobby Helms – ‘Jingle Bell Rocks’

Se trata de uno de los temas más icónicos de cada Navidad, sobre todo en Estados Unidos, pero no muchos saben la extraña historia que se esconde detrás de sus derechos. ‘Jingle Bell Rocks’ fue estrenada por Bobby Helms en el año 1957 y desde su estreno ha estado presente en numerosos anuncios, programas de televisión y películas navideñas. Aún se considera la primera canción navideña de rock & roll, lo que explica la sensación que causó y sigue causando. ¿Qué ocurrió? Fue compuesta por Joseph Cartelon Beal y James Ross Boothe aunque Bobby Helms y su guitarrista Hank Garland disputaron sus derechos, que afirmaron hasta la muerte que fueron ellos quienes la escribieron ya que la canción original se llamaba ‘Jingle Bell Hop’.

Hank estuvo parcialmente paralizado por el resto de su vida y nunca recuperó la destreza para tocar la guitarra, falleciendo en 2004. Bobby Helms falleció en 1997 y ninguno de los dos recibieron ninguno de los millones de euros que se les debían por derechos de autor, siendo una de las estafas con mayor controversia de la historia. Lo peor de todo, es que este tema sigue generando mucho dinero cada año siendo un misterio quien lo recibe.

 

Mariah Carey – ‘All I Want for Christmas Is You’

¿Esperabais este tema verdad? No podría faltar uno de los clásicos de todas las Navidades. La americana Mariah Carey tiene una fábrica de dinero gracias a este tema, el cual compuso en el año 1994 en su cuarto en solo 15 minutos. A día de hoy tiene más de 900 millones de reproducciones en Spotify, apareciendo en cientos de películas navideñas y siendo versionada por artistas como Ariana Grande, Kylie Minogue o My Chemical Romance. Cuando se aproxima la Navidad la americana se frota las manos ya que genera, nada más y nada menos, que entre 530.000 y 884.000 de euros por derechos de autor solamente en el mes de diciembre, lo que le ha hecho recibir más de 50 millones de euros desde su estreno. No es ella sola la que se ve beneficiada, su socio Walter Afanasieff, quien también participó en la composición, se embolsa al año 530.340 euros. Todo un seguro de vida.

 

¡Aquí te dejamos la playlist con las canciones navideñas más escuchadas de todos los tiempos!

 

Ahora que sabes esto ¿por qué no te animas a crear el próximo hit navideño? 

Ya sabes, haz algún tema memorable que se pueda repetir año tras año y no tendrás que preocuparte de nada más. Eso sí, ten en cuenta que para crear una canción exitosa hacen falta conocimientos y un sonido trabajado y profesional. 

 

 

Consigue ese sonido estudiando con nosotros

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Prueba tu talento como compositor de villancicos, ya has comprobado que puede salir muy rentable ;)

 

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mejores libros produccion musical

Los mejores libros de producción musical

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En la vida el saber no ocupa lugar y eso mismo ocurre en el ámbito de la producción musical, donde una vez se empieza no se acaba de aprender cosas nuevas. Existen cantidad de fuentes disponibles para el público para que este pueda tener una iniciación a este bonito y complicado mundo o seguir desarrollándose, desde foros, tutoriales, escuelas, etc. En este artículo os traemos alguno de los mejores libros de producción musical, estando enfocados al proceso de la producción y postproducción.

 

Cómo funciona la música, de David Byrne

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Para empezar con nuestra lista de libros no se nos ocurre mejor forma que presentaros ‘Cómo funciona la música’, siendo este el primer paso que todo artista musical debe entender si quiere que su producto tenga sentido. David Byrne ha vivido toda su vida por y para la música y por ello en este libro explica de forma divulgativa, literaria y documentada diferentes nociones de la tecnología musical además de diferentes anécdotas. También, nos presenta un repaso de las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical.

Puedes adquirirlo haciendo click aquí

 

 

Postproducción de Audio Digital: Edición, Mezcla y Masterización, de Lino García Morales

 

La postproducción es el última tema entre el artista y el consumidor de nuestro producto, es decir nuestra canción. Este proceso se divide en edición, mezcla y masterización y es muy importante saber controlarlo si deseamos tener un sonido profesional. Este libro nos dará las pautas para adentrarnos y comprender este proceso, teniendo una peculiar vista sobre lo técnico y lo artístico, ya que estas partes se mezclan para conseguir el sonido que el productor desea.

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Mixing and Mastering in the Box: The Guide to Making Great Mixes and Final Masters on Your Computer, de Steve Savage

 

Como os hemos comentado, el apartado de la postproducción es uno de los más importantes ya que es el que hará que nuestras producciones alcancen el siguiente nivel. Con este libro podremos conocer herramientas prácticas enfocadas a conseguir que nuestra música suene mejor, al mismo tiempo que resaltan el arte del proceso creativo. Es un libro aplicable a quienes usan equipos de mezcla analógicos o un híbrido entre herramientas digitales y analógicas. El autor pone al alcance de los lectores secretos de ecualización, delay, reverb, compresión y mucho más.

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Making music: 74 creative strategies for electronic music producers, de Dennis Desantis

 

En este caso tenemos un libro publicado por Dennis Desantis, Director de aprendizaje musical de Ableton. El libro está enfocado en la producción en general, por lo que te servirá si usas Ableton o cualquier otro software de producción. En sus 250 páginas encontramos atajos y consejos que abordan todos esos momentos en los que los productores se siente atascados, tanto para los avanzados como para los que están empezando a hacer música. Dennis Desantis aporta un enfoque práctico, psicológico y teórico sobre este proceso. 

Puedes adquirirlo haciendo click aquí

 

 

 

 

La fábrica de canciones, de John Seabrook

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Y para acabar, un libro que habla de la creación de esos temas que no te puedes sacar de cabeza y que, por ende, se convierten en hits. Está enfocado, sobre todo, en la música comercial y mainstream nombrando a artistas como Ace Of Base o Rihanna, además de contar cómo plataformas como Spotify han cambiado la forma en la que se compone la música y cómo esta se consume. En este libro podrás conocer la historia de la música pop y sus principales protagonistas. Además aprenderás  por qué la música que más suena hoy en día tiene una estructura y una duración concreta.

 

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¿Interesantes verdad? Cómo os dijimos en la introducción el saber no ocupa lugar por lo tanto os recomendamos echarle un vistazo a los cursos que impartimos actualmente si de verdad deseas llegar a un nivel alto en la música, haz click aquí para ver todos los cursos que tenemos en DJP Music School.

 

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"Las cosas que no escuchamos y hacen que todo suene mejor" por Campi Campón

Masterclass Campi Campón  DJP Music School

Tras su paso por DJP Music School, el gran productor musical Campi Campón (Vetusta Morla, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade…) nos dejó grandes highlights que no queremos que dejes pasar.

 

De su charla podemos destacar que:

  • Nosotros como consumidores escuchamos música, pero no somos conscientes de todos los factores que hacen que los sonidos y las ideas se materialicen. Esos factores son los que generan los procesos creativos  y son responsabilidad del productor musical.
  • Una de las funciones del productor es generar que esos complejos procesos creativos (que destapan inseguridades y generan muchas dudas) fluyan de la manera adecuada.
  • Los instrumentos, los plugins, los aparatos, son herramientas que ayudan al proceso creativo, pero no son lo fundamental, y no debemos destinar todos los esfuerzos y recursos a tenerlas, pensando que van a garantizar la calidad de la producción.
  • Una de las tareas del productor tiene que ver con lo emocional, con lo psicológico. A veces es tan sencillo como conseguir un buen ambiente de trabajo. Esto parece una obviedad pero no siempre se consigue.
  • Las emociones, la comida, el clima… hay un montón de factores que rodean a la producción musical y deben ser tenidos en cuenta para garantizar un buen proceso creativo. 
  • Quienes piensen en la producción como profesión deben darle importancia a la actitud frente a las cosas y al sentido común a la hora de organizar un proyecto.
  • Las decisiones creativas casi nunca son técnicas. No se transmiten físicamente al disco, pero generan la magia que se necesita. Tu como productor tienes la responsabilidad de tomar las decisiones correctas y generar esto.
  • Una canción tiene que tener letra, melodía, música, y una cuarta cosa que nadie sabe lo que es pero que es lo único que importa.
  • Magia, duende según los flamencos, conexión… no es algo matemático, es algo que sucede y que pertenece al misterio de las grabaciones. Los productores debemos ser capaces de generar esa cuarta cosa.

 

 

Después de la sesión, podemos concluir que:

  • La producción musical tiene que ver menos con técnica y más con emociones.
  • Los productores debemos tener muy en cuenta todos los factores físicos, emocionales y técnicos, que envuelven la producción musical.
  • En la actualidad, la tecnología ha permitido que tengamos acceso a un sin fin de herramientas y plugins y librerías que ayudan a la producción pero que de alguna manera hacen que las posibilidades de hacer algo creativo y único se pierdan.
  • Es importante que los procesos sean abiertos, y que sucedan cosas inesperadas.
  • Cuantas más participen en un proceso creativo, más enriquecedor será.

 

Masterclass Campi Campón en DJP Music School

 

Masterclass Campi Campón en DJP Music School

¡Gracias a todos por venir!

 

Te dejamos aquí una playlist, en la que hemos recopilado algunos de los éxitos que ha producido Campi Campón:

 

 

¡No te pierdas todos los eventos que realizamos en DJP Music School, y permanece al tanto de nuestra agenda!

 

Eventos de DJP Music School

 



Cornelia Jocobsdotter y David Zandén - Productores musicales de Hold me Closer

¿Quién está detrás de las mejores canciones de Eurovisión 2022?

 

Cornelia_Jocobsdotter_David_Zandén_Productores_Hold_Me_Closer_Eurovisión_2022Cornelia Jakobs, David Zandén e Isa Molin celebrando su victoria en el Melodifestivalen 2022. Foto: Robin Lorentz Allard

Conoce a los productores de las canciones mejor valoradas en Eurovisión 2022

El 14 de mayo de 2022 se realiza la mayor celebración musical en Europa con la 66º edición del festival musical Eurovisión bajo el lema “el sonido de la belleza” en Turín. En ella se enfrentan 40 países para conseguir el micrófono de cristal, el galardón que se otorga al ganador.

Los presentadores del evento y anfitriones Laura Paussini, Alessandro Gattelan y Mika conducen el evento frente a 12.350 personas que acuden al Pala Olímpico, uno de los estadios polivalentes más grandes de Italia, y ante los millones de espectadores que lo siguen por televisión.

Alemania, España, Reino Unido y Francia junto a Italia, ganadora de la edición pasada, forman parte del “BIG-5”. Por lo tanto, quedan exentos de las semifinales disputadas los días 10 y 12 de mayo que enfrentan al resto de países hasta conseguir a los 25 países participantes que luchan por coronarse en la gran final.

 

Top 5 mejores canciones de Eurovisión según los fans

Desde 2007 se realiza una encuesta a todas las asociaciones de fans oficiales europeas conocida como la OGAE Poll.

Los participantes votan a las canciones del festival utilizando el sistema de votación oficial. Esta encuesta ha conseguido acertar el ganador en cinco ocasiones, la última fue en 2018, cuando se alzó con la victoria Israel y su famosísimo tema “Toy” interpretado por Netta.

Según los resultados, este año el micrófono de cristal se lo merece la propuesta de la artista sueca Cornelia Jakobs y su tema “Hold me closer” otorgándole un total de 393 puntos. A solo 6 puntos de distancia nos encontramos con la balada romántica de Mahmood y Blanco llamada “Brividi” para representar a Italia.

Resultado_Final_OGAE_Poll_2022_Eurovisión

La medalla de bronce se la lleva la representante de España en el festival, Chanel, con su canción “SloMo”  que suma un total de 294 puntos.

La artista y su tema, que en un principio estaba pensado para Jennifer López, ha regalado a los eurofans españoles la posibilidad de soñar con las primeras posiciones después de estar varios años a la cola. Muchos la ven ganadora, y no se merece menos, pues el año pasado España se encontraba en esta encuesta en la posición 29º con un punto.

El cuarto puesto lo consigue Países Bajos con un total de 218 votos por parte de las asociaciones. El tema de S10, que recupera el neerlandés, llamado “De diepte” ha cautivado a los eurofans.

Este top lo cierra Reino Unido con“Space man”, canción interpretada por Sam Ryderl. Los seguidores del festival le otorgan 204 puntos.

 

Productores musicales de las canciones TOP de Eurovisión 2022

Detrás de toda gran canción hay un gran productor musical. Sin ellos las propuestas no tendrían esa chispa que las hacen tan especiales. Por eso, te queremos presentar a los productores musicales que están detrás de las canciones mejor valoradas esta 66ª Edición.

 

Cornelia Jakobs

Cornelia no solo interpreta su tema “Hold me closser”,  también ha sido compuesto y producido por ella.

La artista comenzó su carrera en el grupo femenino Love Generation. La agrupación se presento al Melodifestivalen, el festival que elige la canción que representará a Suecia en Eurovisión, en dos ocasiones, una en 2011 y otra en el año posterior. Durante los siguientes años ha lanzado 10 sencillos. Uno de ellos, “Weight of the world”, se convirtió en 2020 en la banda sonora de la serie Björnstad. Este año ha lanzado su carrera en solitario y ha conseguido ser la representante de su país en el festival.

David Zandén 

Zandén es el compositor musical que ha trabajado junto a Cornelia para producir ”Hold me Closser”. El músico es conocido por formar parte del grupo musical Wintergatan, una banda sueca de folktrónica y minimal que destaca por el uso de instrumentos fuera de lo común como puede ser una máquina de escribir para la percusión. El álbum más destacado de la banda recibió el mismo nombre que el grupo y fue lanzado en 2013.

Curiosamente “Hold me closer” es el primer tema en el que el artista se atreve a probar sus dotes como productor musical. Podemos decir que vale para ello, pues, su primer tema como productor formará parte del festival musical más importante del mundo.

 

Michelangelo

El artista italiano se ha encargado de la producción musical de “Brividi”. Pero, ahí no queda su participación eurovisiva, también fue el encargado de acompañar en el piano a los artistas que participaron en el festival de San Remo, festival que decide la canción que representará a Italia en Eurovisión. En 2016 el músico descubre su pasión por la producción musical y ha llegado a producir la música de artistas como Sina o Frada.

Keith Harris

Es uno de los compositores del tema que lleva España al festival, “SloMo”. Harris es un productor discográfico, compositor y multiinstrumentalista de Estados unidos. Ha formado parte como productor de títulos muy conocidos como “Perfume” de Britney Spears o “The Girl Is Mine” de Michel Jakson. También ha sido el compositor de temas tan famosos como “Its my birthday” de Will I am. Algunos de los sencillos en los que ha trabajado han sido nominados al Grammy consiguiendo en una ocasión el Grammy a Best R&B Performance By A Duo Or Group With Vocal en la 25º edición con el tema "Let it Wip".

 

Arno Krabman

El productor musical de "De Diepte" ha trabajado en la música como compositor, guitarrista y compositor. Es el propietario y fundador de Graveland Studio.

Actualmente Krabman es un productor muy reconocido por jóvenes talentos y artistas reconocidos. Algunas de sus producciones se han convertido en grandes éxitos y han llegado a ser galardonadas.

Ha trabajado en Los Ángeles, Suecia, Inglaterra y Alemania probando las colaboraciones entre artistas de diferentes países y expandiendo su red a nivel internacional.

Algunos de los discos en los que ha trabajado son “Hydra” de Within Temptation o “Drive” de Anneke Van Giersbergen.

Koz

El encargado de producir “Space man” es Stephen Kozmeniuk, más conocido como Koz. Es un productor discográfico, compositor, ingeniero e instrumentalista.

El productor ha trabajado con grandes estrellas como Nicki Minaj y su canción “Up in flames” o Madonna con temas como “Gang Bang”.

Además, ha estado dos veces nominado a los premios Grammy en la categoría Album del año. La primera vez fue en la 58º edición de estos premios von el album “To Pimp a Butterfly” y la segunda en la 63º edición con el disco “Future nostalgia” de Dua Lipa.

 

 

 

¡Aquí te dejamos una playlist con algunas de las canciones en las que han participado estos productores!

¿Conocías a estos músicos?

Como has podido ver en Eurovisión podemos encontrar todo tipo de productores, desde los que tienen una larga trayectoria hasta los más noveles.

Todos tienen las puertas abiertas en el festival musical más importante del mundo ¡y tú puedes ser uno de ellos!

Consigue todos los conocimientos que necesitas para formar parte de estos productores con nuestros cursos. Aquí podrás ver lo que tenemos preparado para ti.

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Integrantes_Led_Zeppelin_Heavy_Metal

Larga vida al Heavy Metal. Descubre en su día lo mejor de este género

Ronnie James Dio junto a Heaven & Hell, 2007

16 de Mayo: Día Mundial Del Heavy Metal

Cada 16 de mayo se celebra el Día Mundial del Heavy Metal para conmemorar el fallecimiento del vocalista italiano americano Ronnie James Dio en 2010. 

El vocalista es considerado la voz de este género musical debido a su poderoso rango vocal siendo capaz de cantar en tonos graves y agudos, es conocido por su participación en importantes bandas de Metal como Rainbow, Black Sabbath o Dio y Heaven and Hell.

La historia del Heavy Metal

Este género musical nació en Reino Unido durante la década de los 60. Sus orígenes se encuentran en el Blues Rock, El Hard Rock y el Rock Psicodélico.

Se caracteriza principalmente por el uso de guitarras fuertes y distorsionadas; sonidos del bajo y la batería densos; y voces muy agudas o guturales (gruñidos). Además, sus ritmos son enfáticos y sus volúmenes muy altos.

A día de hoy no se sabe con certeza cuál fue la primera banda de Heavy Metal, pero sí se consideran pioneras a Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath

A mediados de los 70 surgió una nueva ola de grupos de Metal, algunas de las más importantes fueron Iron Maiden o Saxon

Integrantes_Led_Zeppelin_Heavy_MetalIntegrantes de Led Zeppelin: John Paul, Jones Robert Plant, Jimmy Page y John Bonham.

Durante los años 80 este género musical mantuvo su popularidad con bandas como Mötley Crüe y Poison

Además, en esta misma época, surgieron subgéneros del Heavy Metal; Uno de ellos fue el Glam Metal, representado por grupos como W.A.S.P. o Bon Jovi que lideraron ventas y listas de los mercados más importantes. El otro, fue el Metal Extremo, que estuvo liderado por bandas estadounidenses como Metallica o Slayer

Este subgénero fue muy importante también en Alemania dónde surgieron agrupaciones como Destruction o Sodom.

Una vez entrada la década de los 90 este género fue perdiendo su éxito comercial debido a la aparición de nuevos sonidos alternativos alejados del Metal. Sin embargo, mantuvieron su popularidad  en zonas como Europa Continental, Latinoamérica y Japón. Además, allí, se vivió el auge de otros subgéneros como el Power Metal en el que destacan grupos como Helloween, el Death Metal representado por bandas como Cannibal Corpse o el Black Metal interpretado por agrupaciones como Gorgoroth.

Gorgoroth_Actuando_Heavy_Metal

Guh.Lu, Fabio Zperandio, Hoest e Infernus actuando en São Paulo en 2012.

Actualmente, el Heavy Metal cuenta con miles de subgéneros derivados de otros estilos como la música clásica, la música industrial, o el rap.

Aunque su popularidad ha sabido mantenerse en Europa, Japón y Latinoamérica destaca el auge que vive en en los países nórdicos, sobre todo en Finlandia, que es considerada la “Tierra prometida del Heavy Metal”. Esto se debe a que en el territorio existen más de 50 bandas de Metal por cada 100.000 habitantes.

Productores de Heavy Metal más importantes

A lo largo de la historia del Heavy Metal han existido ciertos productores musicales que han aportado una inmensa calidad a los sonidos del género. Han sido sus trabajos y sus logros en este estilo musical los que les han convertido en leyendas.

Para conmemorar el Día mundial del Heavy Metal hemos querido hacer un repaso por aquellos productores más influyentes del género.

Bob Rock 

Robert Jens Rock, más conocido como Bob Rock comenzó su carrera estística en Canadá como guitarrista. Fue en 1983 cuando empezó a trabajar como ingeniero de sonido asistente en los Little Mountain Studios de Vancouver. La producción de “Kingdom Come” el disco debut de la banda, que recibe el mismo nombre, es el trabajo que le hace consagrarse como Productor Musical.

Desde entonces, ha trabajado proporcionando sonidos más elaborados a grupos como Aerosmith, Mötley Crüe o Bon Jovi.

Destaca su experiencia con Metallica para quienes produjo The Black Album, el éxito mundial homónimo de la banda y los discos sucesores “Load”; “ReLoad”; “Garage Inc”; “S&M”; y “St. Anger”.

Scott Burns

Burns es un productor estadounidense que ha trabajado en numerosos títulos de Death Metal entre 1980 y 1990. 

El inicio del productor en el Death Metal surgió en un concurso de bandas, en una época en la que ya existían muchas bandas reconocidas, Burns ayudó a un grupo de amigos en la producción en directo para dicho concurso consiguiendo la victoria.

Desde entonces produjo numerosos discos que son considerados joyas del Death Metal para importantes grupos y que le han hecho llegar a considerarse uno de los productores de Death metal más importantes de la historia.

Su año más importante fue 1991 cuando produjo discos para bandas importantes. Algunos de ellos son “Human” para Death; “Testimony of the Ancients” para Pestilence; o  “Butchered at Birth” para Cannibal Corpse.

Martin Birch

El productor o ingeniero de sonido británico consiguió su fama internacional produciendo la música de importantes bandas británicas. 

Su intervención más importante fue su trabajo con Iron Maiden, pero también ha trabajado con otros grupos como Deep Purple o Fleetwood Mac.

Algunas de sus obras más importantes como productor son “Last Concert in Japan”, un álbum de Deep Purple; “Mistery to Me” para Fleetwood Mac o “The number of the Beast” de Iron Maiden.

Su carrera terminó tras producir “Fear Of the Dark en 1992, un álbum de Iron Maiden. Después sólo produjo trabajos muy ocasionales.

Terry Date 

El artista estadounidense es un productor discográfico e ingeniero de sonido especializado en Rock y Heavy Metal. 

Wes Worlan le consideró “el mejor ingeniero del mundo”. Con su técnica ha conseguido convertir discos de Heavy Metal en maravillosas obras de arte.

 Algunos de sus trabajos son “Cowboys from Hell” para el grupo Pantera; “Time Does Not Heal” para Darck Angel; o “The Years of Decay” para OverKill.

También ha producido discos de Jazz y Hip Hop, como el disco “Greatest Hits” de Snoop Dogg

Andy Sneap 

El músico y productor inglés es conocido a nivel mundial por ser el guitarrista de la banda Trash Metal Sabbat. En la actualidad cuenta con su propio estudio Backstage Studios que fundó en 1994. 

Ha sido dos veces premiado al Grammy, un en Suecia por su trabajo en “Deliverance” de Opeth; y otro norteamericano por su labor en “The End of Heartache” de Killswith Engage

Algunos de sus trabajos como productor son Through the Ashes of Empires” para Machine Head o “Caravan Beyond Redemption” para Cathedral. 

Chris Goss 

El productor estadounidense es conocido por su especialidad en grupos de Stoner Rock y Hard Rock. Además, es guitarrista y vocalista de su propia banda llamada Masters Of Reality, uno de los grupos más importantes de Stoner Rock.

Además de contar con su propia banda, con la que comenzó su carrera profesional,  ha trabajado para otros grupos como Kyuss o Melyssa Auf der Maur.

Algunas de las obras que le han convertido en leyenda son “Blues for the Red Sun”, un álbum de Kyuss o “Flak 'n' Flight” un disco de Masters of Reality.

Como has podido ver los productores musicales son figuras muy importantes en el mundo de la música. Su trabajo puede convertir un tema en una verdadera obra maestra. 

Ellos ya se han convertido en leyendas con sus temas. ¿Y a ti? ¿Te gustaría convertirte en un gran productor músical? Podrás hacerlo consiguiendo la formación adecuada.

Si quieres alcanzar tus metas, clica aquí para poder ver los cursos que podrán ayudarte.

 

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Productores musicales que han hecho historia

 

En la historia de la música ha habido cantidad de artistas que han destacado por encima del resto, consiguiendo, con creces, el título de leyenda. Este denominativo se consigue debido a que su estilo innovase con la época consiguiendo el nacimiento de un nuevo género o debido a sus producciones y las consecuencias de estas o sus logros en el panorama musical. En este artículo os vamos a nombrar a algunos productores que han hecho historia en la música.

 

Rick Rubin

Empezamos nuestra peculiar lista con un productor muy ecléctico que ha sido galardonado en numerosas veces con el Premio Grammy. El americano Rick Rubin destacó por sus trabajos en el panorama rap y heavy metal, siendo una de las figuras más destacadas de la fusión del rap y el hard rock, juntando a Aerosmith y Run D.M.C. en ‘Walk This Way’. En 1984 fundó Def Jam Recordings junto a Russell Simmons, acogiendo a artistas de la talla de Shakira, Rihanna, Jennifer Lopez, Kanye West, Justin Bieber o 2 Chainz. En su historial de producciones aparecen ‘Big Gun’ de A.C.D.C., ‘One Hot Minute’ de Red Hot Chili Peppers, ‘American Recordings’ de Johnny Cash, ‘Licensed to III’ de Beastie Boys o ‘21’ de Adele. En 2007, MTV le nombró el productor más importante de los últimos 20 años.

 

Giorgio Moroder

Otra de las mentes más innovadoras que ha visto la escena de la música. El italiano Giorgio Moroder es uno de los artistas denominados como pioneros de la música electrónica, logrando el impulso que necesitaba la música disco asentando las bases de la escena dance, techno y EDM. Se trata del productor que llevó a una pista de baile un sintetizador Moog, creando el cyborg sónico, siendo menos fríos que los sonidos creados por bandas como Kraftwerk o New Order. Se mudó muy joven a Alemania y fue DJ en Scotch Club, la primera discoteca de la ciudad de Aachen pero su ascenso en la historia comienza en la ciudad de Munich, comenzando a crear lo que se conoce como euro disco. En 1977 lanza junto a Donna Summer ‘I Feel Love’, marcando un momento histórico en la música. 

Es fundador de Musicland Studios, por donde pasaron bandas tan históricas como Led Zeppelin, Queen, Iron Maiden o The Rolling Stones. En el año 93 se retira pero vuelve 20 años después para colaborar con Daft Punk en Random Acess Memories en el track ‘Giorgio By Moroder’, donde se cuenta su propia historia. Después de esto, produjo a cantantes tan prestigiosas como Sia, Kylie Minogue, Britney Spears o Charli XCX.

 

Joe Meek

El inglés destacó por su polivalencia ya que era productor, músico, ingeniero de sonido y compositor, siendo uno de los pioneros del pop experimental y el sonido espacial, consiguiendo ser recordado como uno de los productores británicos más importantes, revolucionando la industria con sus peculiares técnicas. Era un obsesionado de lo espacial, el ocultismo y el mundo de los muertos, realizando trabajos influidos por estas ideas como ‘I Hear a New World’. Produjo a más de 100 artistas durante su carrera, entre los que se encuentran Gary Miller, John Leyton, The Tornados o The Honeycombs. El 3 de febrero de 1967 asesinó a su casera y se suicidó.

 

Sylvia Massy 

Turno para una de las mujeres más importantes de la industria musical. La estadounidense comenzó su carrera en 1984 y su último trabajo data de 2019. Entre su enorme lista de trabajos producidos y mezclados aparecen cantidad de EPs y álbumes, algunos tan destacados como ‘The Broadway Album’ de Barbra Streisand, ‘Starry Night’ de Julio Iglesias, ‘Unchained’ de Johnny Cash, ‘Day Scape’ de Air Dubai, ‘Ignition’ de Annie Mac, el disco homónimo y debut de System Of A Down o ‘Divine Intervention’ de Slayer. Además, diseñó y mezcló varios proyectos para el anteriormente mencionado Rick Rubin en su sello American Recordings. También ha estado presente en festivales de arte, escritura y música.

 

Brian Eno

La vida del inglés siempre ha estado girando en órbita sobre la música. Nacido en 1948, estudió en la Art School Ipswich y Winchester y tras vivir en Londres por una temporada, en 1971 se unió a la banda de rock Roxy Music. Se le considera el precursor de la música ambient, destacado por su experimentación en este ámbito. En su lista de trabajos producidos, se encuentran algunas obras muy destacadas tales como ‘Remain in Light’, de Talking Heads; ‘The Joshua Tree’, de U2; y la denominada ‘Berlin Trilogy’, de David Bowie.

 

Quincy Jones

Nos encontramos con otro artista polivalente. El americano, nacido en Chicago, ha sido compositor, director, arreglista y productor, teniendo en su historial el álbum más vendido de la historia: ‘Thriller’, de Michael Jackson. También fue quien estuvo detrás de sus otros dos álbumes más famosos: ‘Off The Wall’ y ‘Bad’, produciendo también el último álbum de Frank Sinatra. Desde sus comienzos, mostró interés por el R&B y el jazz, frecuentando la fusión de ambos estilos. Fue vicepresidente de Mercury Records, convirtiéndose en uno de los primeros afroamericanos con esa posición en la industria. También, ha compuesto la banda sonora de 33 películas lo que le ha llevado a conseguir un total de 79 nominaciones al Premio Grammy.

 

Trina Shoemaker

Acabamos nuestra lista con una productora de Illionis que empezó su carrera a una edad muy temprana. Su gran oportunidad apareció cuando Sheryl Crow le pidió que produjera su álbum ‘Tuesday Night Music Club’, ganando en 1998 el Premio Grammy a la mejor ingeniera de sonido, así como el mejor disco del año con ‘The Globe Sessions’, el tercer álbum de estudio de Sheryl Crow, siendo la primera mujer en conseguir estos galardones. En 2004 volvió a llevarse un Premio Grammy, esta vez a la mejor producción de un álbum de gospel contemporáneo de Steven Curtis Chapman. En su historial, aparecen trabajados destacados a artistas como Emmylou Harris o Queens of the Stone Age

 

Las facetas del productor musical e ingeniero de sonido han cogido muchísima fuerza con el paso de los tiempos y es en gran parte gracias a los artistas que aparecen en esta lista, la cual podría ser más grande, pero se nos haría interminable. Si habéis leído este artículo posiblemente seréis amantes de la música e incluso haréis vuestras propias producciones, si quieres llevarlas al siguiente nivel y, a lo mejor, ser tú quien hace historia en algún momento haz click aquí para acceder a los diferentes cursos que tenemos actualmente.

 

 

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pirateria musical djp music school

Cómo ha ido perdiendo poder la piratería musical

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Este es un tema que aún siendo mucho menor, sigue siendo un problema hoy en día y afecta a la industria de una de nuestras mayores pasiones, la de la música. En DJP Music School hemos querido hacer honor a la música y a su industria explicando cómo la piratería ha ido deteriorando la escena aún siendo el formato streaming el dominante actualmente.

 

Los inicios de la piratería musical

En el año 1999, el universitario Shawn Fanning desarrolló un programa inspirado en el intercambio de información P2P. Este programa, que fue elaborado junto a Sean Parker, recibió el nombre de Napster y su objetivo era compartir información, comenzando con los archivos mp3. Esto dio paso a la piratería del siglo XXI.

Este descubrimiento supuso una amenaza para la industria musical y para la industria cultural en general ya que millones de usuarios empezaron a utilizar este programa, lo que derivó en una notable bajada de la compra de discos. En el año 2001 un juez ordenó que sus servidores cerrasen y la empresa en cuestión pagó una indemnización de millones de dólares por la violación de los derechos de autor. Al estar Internet tan presente en la sociedad, aparecieron nuevos programas tan populares como Emule, Ares o Audiogalaxy. En 2009 la mayor parte del consumo cultural se realizaba a través de descarga ilegal. Este problema supuso un cambio en la situación de los artistas, distribuidoras, sellos y discográficas, que comenzaron a buscar una nueva forma de actuar y de relacionarse con su público.

 

 

El aumento de los servicios ‘stream-rippin’

Cuando las primeras plataformas de streaming musicales comenzaron a desarrollarse, hace más de 10 años, se creían que iban a ser la solución a los problemas de la piratería pero apareció un nuevo concepto denominado ‘stream ripping’, que es la extracción de una pista de una plataforma para después convertirla en un archivo descargable, siendo esta la forma de piratería con mayor crecimiento, siendo utilizada por tres de cada 10 consumidores de música online. La PRS, la sociedad de derechos de autor británica, realizó un estudio en el que mostraban que del 2016 al 2019 se evidenció que este tipo de programas aumentó en un 1390% en este período de tiempo. Ese mismo estudio reveló que las páginas de piratería musical representaban, nada más y nada menos, que el 80% de las webs británicas que infringían los derechos de autor.

En la primera posición de las plataformas legales más pirateadas se encuentra YouTube, seguido de Spotify, la cual ha tenido que combatir de diferentes formas a estafadores que usan bots para alterar el algoritmo.

 

La piratería pierde la batalla

Pero a raíz del año 2019 las cosas empezaron a cambiar. Desde este año varios estudios indican que las tasas de piratería musical han ido descendiendo a su porcentaje más bajo. Aún teniendo delante estos datos esperanzadores, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica realizó en ese mismo año una encuesta para comprobar cuántos usuarios seguían descargando música sin licencia, consiguiendo un 23%, por lo que aún supone un problema para el sector.

A pesar de estos datos, es una realidad que la piratería ha ido perdiendo mucha fuerza con el paso del tiempo gracias a que los usuarios ven valor a plataformas como Spotify, Tidal o Apple Music.

Se ha observado un incremento en usuarios de plataformas musicales que presentan una edad más avanzada, mostrando que son programas al alcance de todo el público. El auge de estas plataformas es muy real y ha cambiado la mentalidad de la gente a la hora de consumir música, si en 2019 las personas que consumían musical de forma ilegal constituían un 23% en 2018 constituían un 32%. 

 

Fuente: Statista (2021)

 

Las leyes de antipiratería consiguen ganar terreno

Al ser la piratería un negocio ilegal que ha hecho perder mucho dinero al sector, se han incrementado con el tiempo los castigos por esta práctica y es algo que se ha visto reflejado en las leyes de antipiratería. Organizaciones como la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos se encargan de proteger la propiedad intelectual de sellos discográficos, distribuidoras y artistas. Según el país varía las leyes y las infracciones. 

 

Muchas personas indican que la piratería musical ya no está en el día a día de las personas, ya que la forma de consumir ha cambiado totalmente y parece que se ha conseguido el objetivo de cuidar el sector a través de diversas alternativas. 

Y tú, ¿cómo consumes la música?

Desde DJP Music School te deseamos un genial día de la música, que lo pases escuchando lo que más te gusta y descubriendo nuevos estilos y artistas. 

 

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Graduación 2021 DJP Music School

Revive los mejores momentos de la ceremonia de graduación 2021

Graduación 2021 DJP Music School

En octubre de 2021, luego de muchos meses de eventos virtuales y poco contacto presencial debido a la pandemia, decidimos realizar la Ceremonia de Graduación y Entrega de Diplomas para todos los alumnos de DJP Music School que terminaron sus estudios en 2020- 2021.

En este evento pudimos reconocer el esfuerzo y la dedicación de nuestros estudiantes de DJ Profesional, P.U.MP.: Urban Music Program, Máster en Producción Musical & DJ, y Máster en Producción Musical Avanzada.

 

Durante la ceremonia fueron premiados los alumnos más destacados por su desempeño académico y por la calidad de sus trabajos musicales. 

 

 Marcos García Sánchez Premio a la Mejor Producción Musical

Marcos García Sánchez recibió el Premio a la Mejor Producción Musical 

Ana Villajos Martinez se llevó el Premio a Mejor Estudiante.

 

Hoy más que nunca… Encuentra Tu Sonido

La ceremonia fue la excusa perfecta para reunirnos de nuevo y reencontrarnos, teniendo como premisa que seguiremos acompañando a todos nuestros alumnos y alumnas en el camino que emprenden a partir de ahora. Camino en el que nos une la pasión por la música y el sonido.

ceremonia de graduacion DJP Music School

 

Después de un año raro y fulminante para muchos músicos, salas, productores, eventos, festivales, técnicos y tanta gente vinculada a la industria musical, desde DJP Music School queremos apoyar manteniendo firme nuestro propósito de contribuir a la formación de personas con un sello particular, con ideas auténticas e innovadoras y con la certeza de haber formado a personas que ahora encuentran su sonido.

Muchas gracias a todas las personas que han confiado en DJP Music School para su proceso formativo. Gracias a todos los asistentes a la ceremonia de graduación, y especialmente a los estudiantes que terminaron su etapa en nuestra escuela, pero que comienzan con un reto mayor: la aplicación de todo lo aprendido a su vida profesional.  

ceremonia de graduacion djp music school

¡Enhorabuena a todos y todas! ¡Nos vemos en el camino y, sobre todo, nos escuchamos! 

 

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plataformas colaborativas para hacer música djp music school

3 plataformas colaborativas para hacer música que debes conocer

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Hoy en día la tecnología nos permite que nuestro día a día sea mucho más sencillo, lo que se extrapola a todos los ámbitos. Uno de esos ámbitos es la música. Gracias a Internet podemos acceder a miles de tutoriales, sonidos, plugins, efectos y demás. Las colaboraciones también toman otro rumbo debido a la innovación de la tecnología. Todos los que hacemos música en algún momento hemos querido hacer alguna colaboración, hay cantantes que han buscado a un productor/a y viceversa, artistas que necesitaban a profesionales que mezclen sus trabajos etc., pero por falta de conocimiento o disponibilidad no han podido conseguirlo. En este artículo nos vamos a centrar en las colaboraciones, que se convierten en tareas mucho más sencillas gracias a las plataformas online que os presentamos a continuación.

 

Splice

Splice es actualmente una de las plataformas estrellas para productores musicales. Con ella podemos hacer muchas cosas útiles que seguro mejoran nuestro proceso creativo del día a día. A parte de poder descargar una gran cantidad de samples de todo tipo tenemos la opción de descargar plugins, acceder a proyectos de otros artistas y ver cómo han trabajado, participar en competiciones de remixes, ser parte de una comunidad de productores y productoras y crear proyectos colaborativos en los cuales pueden participar varios usuarios. Es compatible con Ableton Live, Logic, FL Studio, Studio One y Garageband.

 

Hay 3 planes mensuales disponibles: la opción básica con menos funciones por 9.99$ que incluye 100 créditos, 19.99$ con 200 créditos y opciones pro o la versión más completa que por 29.99$ tendremos 500 créditos.

 

Tenemos diferentes pestañas en la página: 

    • Sounds, donde encontraremos los samples. Cada sample que descarguemos nos costará un crédito. La biblioteca de Splice es enorme y podemos buscar por diferentes géneros, key, tempo, instrumentos o si queremos one shots o loops.
    • Skills: incluido en la versión Creator y Creator +. En este apartado podremos encontrar diferentes tutoriales impartidos por profesionales de la música. Cada semana se añaden nuevos vídeos y estos, además, incluyen para descargar los proyectos que se usan en los vídeos para que podamos seguir paso por paso las diferentes indicaciones.
    • Plugins:  en la opción de plugins podemos alquilar VST tan populares como Serum, Pigments 3 u Ozone 9 Advance, su precio mensual varía entre 9.99$ y 19.99$. En este apartado también aparecen dos DAWs que podemos pagar al mes, Studio One 5 y Live 10 Lite. Si lo que queremos son presets de plugins los podremos adquirir por 3 créditos cada uno.
    • Studio: en este apartado es donde subiremos nuestros proyectos y en donde podemos realizar nuestras colaboraciones. Es muy sencillo: subimos el proyecto en cuestión e invitamos a los artistas a través de su email o su usuario de Splice y listo, manos a la obra.
    • Community: en la comunidad podemos descargar y escuchar diferentes proyectos musicales, para ver como otros productores trabajan. Podemos dividir los proyectos por géneros o DAWs. En este apartado también podemos acceder a las competiciones de remixes.
    • Blog: y por último tenemos el blog, donde podemos acceder a artículos, consejos, tutoriales, rutinas y más, todo referente a lo musical. 

 

 

 

Soundtrap

Estamos ante una plataforma que funciona como un DAW y es muy sencillo de usar- Abrimos nuestro proyecto en el que podemos usar los diferentes loops que la plataforma incluye, grabar patrones percusivos pudiendo elegir entre diversos estilos o grabar sintetizadores de muchos tipos. Una vez tenemos nuestro proyecto podemos invitar a otros usuarios para que estos lo modifiquen como quieran o añadan nuevos elementos, haciendo muy sencillo el poder hacer una colaboración. También podemos conectar nuestro propio micrófono, guitarra o cualquier instrumento. Las automatizaciones están disponibles al igual que ocurre en los demás DAWs convencionales y algo curioso de Soundtrap: la función Auto-Tune, con tecnología Antares, está incluida en la plataforma, teniendo la posibilidad de poder modular y modificar nuestras grabaciones de voz. Soundtrap también se dirige a podcasters, ya que la aplicación permite crearlos desde 0 y una vez acabado publicarlo directamente en Spotify. 

En SoundTrap, como ocurre con Splice, también podemos acceder a los proyectos de otros artistas y ver como realizan su trabajo además de poderlos adaptar a nuestro workflow.

 

A parte de poder usarla en web, Soundtrap también está disponible en la Play Store y la App Store, siendo la aplicación perfecta para músicos que tienen ideas creativas en su día a día y quieren pararse a grabar una melodía, un patrón percusivo o lo que sea, pudiendo compartir y reaccionar ante otros proyectos en tiempo real.

 

Tiene diferentes planes: Music Makers por 7.99€ o 11.99€ al mes, que se diferencia en las funciones de las versiones Premium y Supreme, Storytelleres, dirigido a podcasters, por 11.99€ mensuales o Complete por 13.99€, que es el plan que incluye todas las funciones. También podemos usarlo de forma gratuita con un plan mucho más básico pero el cual os animamos a probar.

 

 

 

SoundBetter

 

Esta plataforma está especialmente dirigida a aquellos artistas que están buscando llevar al siguiente nivel sus proyectos, ya que podremos contactar con compositores, productores, cantantes o ingenieros de audio. Podremos publicar nuestro trabajo de forma gratuita, poniéndonos en contacto con quien busquemos aunque la plataforma cobra una pequeña comisión, entendible, ¿verdad?. 

 

Su funcionamiento es muy sencillo: publicamos nuestro proyecto añadiendo su característica, tras esto recibiremos diferentes propuestas de las cuales tenemos que elegir con quien queremos trabajar. Después, gestionaremos su financiación con el proveedor y para acabar recibiendo nuestras canciones. También podemos optar por buscar directamente a la persona que queremos que colabore en nuestro proyecto, pudiendo encontrar a productores que han trabajado para Universal Music, Sony o Warner. Al igual ocurre con los y las cantantes, encontrando a artistas que tienen créditos en Ultra Records, Neflix, Spinnin Records o Mtv.

 

En 2019 fue adquirido por Spotify, formando parte del plan Spotify for Artists, pudiendo así generar ingresos a través de SoundBetter, además de beneficiarse de la red profesional que existe en la plataforma.

 

Si eres artista te recomendamos que le eches un buen vistazo a estas aplicaciones y que elijas la que más te convenza para aumentar la calidad de tu perfil artístico, disfrutando de las diferentes funcionalidades que nos presentan. Si quieres mejorar tu nivel con algún DAW en concreto o quieres mejorar tus habilidades de DJ lo que sí que te recomendamos es que te pases por los diferentes cursos que impartimos, haz click aquí para verlos e informarte. 

 

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mejores compositores bandas sonoras

Los 10 mejores compositores de bandas sonoras

mejores compositores bandas sonoras

Una película tiene diferentes elementos con los que poder destacar: su fotografía, su trama, sus diálogos, sus efectos especiales y, lo que más nos gusta, la música, en formato de banda sonora. Se trata de un pilar fundamental del cine, capaz de motivar, entristecer, ponernos en tensión o inspirar diferentes emociones. En el artículo de hoy nos vamos a centrar en este elemento, presentando a algunos de los mejores compositores y compositoras de la historia, que han conseguido muchos elogios y distinciones debido a sus diferentes creaciones.

 

Hans Zimmer

No nos parece mejor forma de empezar nuestra peculiar lista con uno de los compositores más populares de la historia y de la actualidad. Hans Zimmer nació en Fráncfort en el año 1957 y es reconocido como el mejor compositor contemporáneo, habiendo firmado grandes contratos para enormes producciones. Tras una infancia y adolescencia protagonizada por la música clásica, comienza su trayectoria en 1982, poniendo banda sonora a películas como ‘El Rey León’, ‘Interstellar’, ‘Pearl Harbor’, ‘Gladiator’, ‘Piratas del Caribe’, ‘El Último Samurái’ o la reciente y aclamada ‘Dune’. Sin embargo, pese a tener tan importante historia sólo ha ganado un Óscar, en 1994, con ‘El Rey León’. También ha sido el compositor de la música de los videojuegos ‘Crysis 2’ y ‘Call Of Duty: Modern Warfare 2’. Os dejamos un dato curioso sobre él: fue tecladista en varias actuaciones de Mecano.

 

John Barry

El británico es reconocido por ser unos de los compositores de la música del cine más importantes, presentando una carrera plagada de creatividad y elegancia que se extrapoló a diferentes géneros. Nació en York, Gran Bretaña en el año 1933 y sus primeras composiciones estuvieron influidas por la música jazz. Se le identifica, principalmente, por ser el músico de las películas de ‘James Bond’, además de estar presente en otros títulos como ‘Chaplin’, ‘Bailando Con Lobos’, ‘Memorias de África’ o ‘Born Free’. En su palmarés aparecen 5 Óscars y un Globo de Oro.

 

Ennio Morricone

El italiano nació en Roma en el año 1928 y es reconocido como uno de los mejores compositores de la historia, especialmente en cuanto a cine western se refiere. Comenzó a componer en los años 60 y a su espalda se encuentran piezas que ponen banda sonora a famosas películas como ‘La muerte tenía un precio’, ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Cinema Paradiso’, ‘Kill Bill Vol. 1 y 2’, ‘Malditos Bastardos’ o ‘Django, desencadenado’. Ha ganado en su carrera más de 35 galardones, entre ellos un Oscar honorífico que recibió en 2006. Se retiró en el año 2016 tras ganar el Óscar a la mejor banda sonora por ‘Los odiosos ocho’.  Falleció el 6 de julio de 2020 a los 91 años de edad debido a complicaciones producidas tras una caída.

 

Max Steiner

Es considerado uno de los pioneros de la música del cine, estando colocado por la crítica entre los diez más grandes de la historia. Nació en Austria en 1988 y desde pequeño empezó a crear sus propias obras, llegando a dirigir orquestas a los 16 años. Se le reconoce como ser el primer autor de una partitura compuesta explícitamente para una película; ‘King Kong’, adaptando cada escena e imagen con la música, cambiando así el concepto de la banda sonora. Entre sus obras encontramos películas como ‘Casablanca’, ‘Desde que te fuiste’, ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘La extraña pasajera’.

 

Howard Shore

El canadiense, nacido en Toronto en 1946, comenzó su andadura en la música como músico instrumentista de viento en el jazz y oros estilos. Fue parte de la banda Lighthouse hasta 1972 y posteriormente fue el director musical de Saturday Night Live. En su historial como compositor encontramos más de 80 obras producidas, algunas tan famosas como las de ‘El silencio de los corderos’ y ‘El Señor de los Anillos’, ‘Seven’ o ‘El Hobbit’. Su palmarés se forma por 3 Óscars y 4 Globos de Oro. 

 

Alfred Newman

Otro de los representantes más elogiados de la música del séptimo arte. En la carrera de este americano nacido en 1901 aparecen, nada más y nada menos, que 45 candidaturas a los Premios Óscar, recibiendo el premio en nueve ocasiones. En su extendido historial se encuentran películas como ‘Dímelo cantando’, ‘La canción de Bernadette’, ‘La colina del adiós’ o ‘El Rey y yo’. Es, también, autor de la característica sintonía de 20th Century Fox.

 

John Williams

El americano nació en Floral Park, Nueva York en el año 1932. Desde pequeño estuvo rodeado por la música ya que en su familia era el día a día. Desde los 60 hasta 2010 se dedicó a componer obras para algunas de las películas y sagas más importantes de este tiempo. Además, también creaba composiciones clásicas externas al mundo cinematográfico.

En su largo historial encontramos películas como ‘Tiburón’, ‘E.T., el extraterrestre’, ‘La Lista de Schindler’ o sagas como ‘Harry Potter’, ‘Star Wars’, ‘Jurassic Park’ o ‘Indiana Jones’.

 

Rachel Portman

Los comienzos de la británica en el mundo de la composición fueron a una edad muy temprana, a los 14 años. Nacida en 1960, empezó su carrera profesional trabajando en programas y series de TV en la BBC. Ha sido nominada a los Premios Óscars en 3 ocasiones, ganándolo en el año 1996 al poner música a la película ‘Emma’. En su historial de composiciones encontramos ‘La bella y la bestia 2’, ‘Smoke’, ‘The Cider House Rules’, ‘Chocolat’ o ‘La sonrisa de Mona Lisa’.

 

Anne Dudley

Anne Dudley nació en 1956 y su desarrollo musical comenzó en el Royal College of Music situada en Kensington, Londres. Se trata de una artista muy polivalente ya que ha trabajado de compositora, arreglista, directora, orquestadora y productora musical. Destaca por su emotividad a la hora de crear, como ocurrió con las obras compuestas para ‘Los Miserables’, ‘American History X’, ‘El Libro Negro’ o ‘Full Monty’, con la que ganó el Óscar a la mejor adaptación musical en 1979.

 

Jerry Goldsmith

Y para acabar tenemos a otro prestigioso compositor americano. Jerry Goldsmith nació en Pasadena (California) en 1929 y desde bien pequeño mostró su amor por la música, estudiando teoría musical y composición con referentes de la música clásica. En su desarrollo, pasó por varios estilos y en cada nueva composición que creaba los combinaba, comenzando a hacerse un hueco en este mundillo. Comenzó a poner la banda sonora a diferentes películas allá por los principios desde principios de los 60 y no paró hasta su retiro. Ha puesto música a importantes como ‘Mulan’, ‘El Planeta de los Simios’, ‘La Profecía’ o la saga de ‘Star Trek’, siendo nominado al Óscar 17 veces, ganándolo en 1976.

 

Todos salimos del cine de otra forma cuando una buena película es acompañada de una mejor banda sonora, siendo este tipo de obras una demostración artística de grandes dimensiones. No te aseguramos que puedas ganar un Premio Óscar o que tu composición llegue a Hollywood pero sí podemos asegurarte que con nuestros cursos de producción podrás llevar tu música al siguiente nivel, clicka aquí para obtener más información.

 

Si te interesa hacer una buena banda sonora, en DJP Music School tenemos un Higher National Diploma in Music Production, una titulación oficial británica. Al finalizar una de las unidades del Programa Profesional de Producción y Composición Musical, serás capaz de crear una banda sonora para escenas o trailers, podrás musicalizar APPS y videojuegos, y entenderás las diferencias entre composición lineal y no lineal. Mola ¿no? Puedes contactarnos por aquí para solicitar más información

 

 

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Cuando uno quiere pasarse al mundo hardware por primera vez, suele ser un poco... avasallante. Si bien con los sintetizadores puede ser un tanto más sencillo, pues sus sonidos son relativamente fáciles de diferenciar, hay otros que pueden ser más espesos de estudiar: los drum machines.
Las cajas de ritmos a menudo ofrecen atributos muy similares, y es por eso que os venimos a traer las mejores opciones si es tu primera compra. Eso sí, de nada sirve si no sabes sacarle el máximo partido ni tienes los conocimientos de producción musical suficientes. Si quieres convertirte en un profesional y aprovechar todo lo que te ofrecen estos instrumentos, consulta nuestros múltiples cursos haciendo click aquí.

 

Roland TR-8S

La mítica marca de sintetizadores, con algunos de los drum machines más conocidos de la historia en su catálogo, ha traído su apuesta futurista para los beatmakers. Diseñado para ser usado en directo, este “rhythm performer” combina una interfaz compacta y práctica con una gran variedad de sonidos. Entre estos, encontrarás algunos de los más conocidos de Roland junto a una extensa librería que incluye samples personalizados, una amplia variedad de sonidos FM y efectos muy interesantes. Entre ellos, delays, reverbs y un overdrive que pasan todos por un filtro afinado para cada sonido de cada pack.

 

 

Behringer RD-8 MKII Rhythm Designer

El RD-8 homenajea a uno de los drum machines más influyentes de la historia. A falta de un re-lanzamiento decente de Roland de su mítico 808, Behringer ha satisfecho los deseos de la gente con esta caja de ritmos.

Mejorando los intentos de su competidor con su TR-08, Behringer tomó nota de lo que fallaba y lo implementó en su dispositivo. Una recreación del sonido original del TR-808 con una interfaz totalmente analógica y que recuerda a su musa. Eso sí, añadiéndole algunos toques que la convierten en única.

El RD-8 contiene los mismos 12 tracks y 16 sonidos de percusiones que la original con los mismos parámetros de afinación y nivel. Para actualizarlo, Behringer ha añadido otros parámetros como un swing completamente variable, factores de randomización y un knob dedicado al kick drum para que lo uses como bass line sobre un MIDI. Y por supuesto, con salidas MIDI y USB-MIDI.

 

 

Korg Volca Drum

Esta línea de pequeños dispositivos que Korg ha confeccionado está triunfando por su accesibilidad en cuanto a precio y manejo. En este caso, el Volca Drum está enfocado a generar sonidos únicos con un motor que incluye un simple trigger waveform que puede ser manipulado a tu antojo. Aplicándole overdrive, overtone, distorsionado y pasado por un resonator.
Todo ello partiendo de 5 posibles ondas, que se pueden editar juntas o por separado. Además, incluye un secuenciador de 16 pulsaciones con posibilidad de grabar pulsación por pulsación.

 

 

Elektron Model:Samples

Siendo una de las marcas con las cajas de ritmos más cañeras, a veces Elektron peca de querer ir demasiado a lo complejo. Con el Model:Samples, eso ya no es un problema ya que han simplificado su flujo de trabajo con un drum machine fácil de usar y divertido.
Un Groove box de 6 canales repleto de samples de alta calidad, con 300 presets que van desde sonidos familiares a otros que nunca habías escuchado. Todo acompañado de knobs que te permite toquetear y transformar cualquier sample en algo único.
A parte de un botón para randomizar el secuenciador, puedes también guardar hasta 96 proyectos con 96 ritmos de hasta 64 pulsaciones. Además, con 64MB de memoria para samples y capacidad general de 1GB puedes llenarlo con tus propios sonidos.

 

 

Moog DFAM

El Moog DFAM (Drummer From Another Mother) parte del Mother-32, y utiliza un generador de White noise con dos osciladores de rango ancho como fuente junto a un Hard Sync y una FM controlada por voltaje. Incluye algunos elementos clásicos de Moog como el low pass ladder filter para perfilar el tono.
Su secuenciador es de los más simples que veréis, con solo 8 pulsaciones que pueden ser modificadas individualmente por su pitch y velocidad. El resultado es complejo, orgánico, emocionante y sorprendente.

 

 

Akai Pro Force

El Pro Force es un cruce entre el legendario sampler MPC de Akai y la vertiente enfocada a directos de Ableton Live. Incluye una pantalla táctil para controlar el secuenciador, un lanzador de clips 8x8 y aunque parezca un controlador MIDI funciona como un standalone – lo tiene todo integrado.
Puede hacer muchas cosas, desde importar stems, loops y samples para usarlos al vuelo, a sincronizarlos y afinarlos al momento con el master clock. Puedes convertirlo en un dispositivo para actuaciones de DJ mezclando entre temas y añadiendo efectos, modulaciones y filtros desde la pantalla táctil. Un dispositivo de lo más versátil.

 

 

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Datos curiosos de la TR-909 djp music school

909 Day: Datos curiosos que probablemente no sepas acerca de la TR-909

Datos curiosos de la TR-909 djp music school

 

Si en el 8 de agosto os hablamos de la Roland TR-808, en este 9 de septiembre no iba a ser menos. En DJP Music School también celebramos el ‘909 Day’, el día internacional de la Roland TR-909, lanzada tres años más tarde (1983) que su anterior versión, con el objetivo de conseguir un sonido más realista.

¿Qué le permitió diferenciarse de la Roland TR-808? Esta nueva drum machine presenta diferentes elementos analógicos y digitales basados en samples, incorporando un secuenciador de 16 pasos y una batería.

Aquí os dejamos con algunos datos curiosos e históricos de esta popular caja de ritmos

  • Fue creada por Tadao Kikumoto, quien estuvo detrás de la roland TB-303.

Tadao Kikumoto - datos curiosos de la TR 909 djp music school

 

  • Se produjeron únicamente cerca de 10.000 unidades. Ocurrió algo similar a lo que pasó con la TR-808, al no haber gran interés por la industria musical se comenzó a comercializar en tiendas de segunda mano a un precio inferior por lo que más gente empezó a adquirirla.
  • Algunas de las canciones más populares de la época de los 90 tales como ‘Show Me Love’ de Robin S, ‘Pump The Jam’ de Technotronic, ‘Big Fun’ de Innercity o ‘Vogue’ de Madonna fueron creados usando la Roland TR-909.
  • La TR-909 incluía los siguientes sonidos: Bombo, Caja, Tom bajo, Tom medio, Tom alto, Rim Shot, Aplauso, Hi-Hat y Platillo.
  • Su presencia va más allá de la industria musical, la canción principal de Mortal Kombat está creada con esta caja de ritmos.
  • La TR-909 fue la primera caja de ritmos en incorporar conexión MIDI. Mediante esta novedad, los usuarios podrían construir su pequeño estudio que normalmente incluía una caja de ritmos, un muestreador y un procesador de efectos.

 

¿Queréis ver a la TR-909 en plena acción? Aquí tenéis esta exhibición de la leyenda estadounidense Jeff Mills

Actualmente, varios de los DAWs de producción musical más populares tales como Ableton, Pro Tools, FL Studio o Logic Pro cuentan con bancos de sonidos inspirados en esta revolucionaria caja de ritmos. Si te gustaría poder crear canciones con sus sonidos haz click aquí para apuntarte en algunos de nuestros cursos de producción musical.

Además, os dejamos una playlist con un buen repertorio de canciones populares creadas con la TR-909 para que no paréis de bailar en este ‘909 Day’:

 

 

 

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curiosidades discos vinilos

6 curiosidades sobre los Discos de Vinilo

curiosidades discos vinilosParece mentira que, justo en el momento histórico donde las cosas están más digitalizadas que nunca, está resurgiendo lo analógico. Una melancolía que, plasmada en cifras, tiene muy contentos a los fabricantes de vinilos, pues están viviendo una segunda juventud. Los discos de cera han vuelto para convertirse ya no solo en una herramienta para escuchar música sino sobre todo para ser objetos de coleccionista. Piezas únicas y tangibles que hacen sentir a aquel que las obtiene que tiene consigo un tesoro. Es por eso que hoy, día del disco de vinilo, vamos a contar algunas de las curiosidades de ellos.

 

 

Thomas Edison, de la bombilla al vinilo

Thomas Edison patentó el fonógrafo en 1878. Ese aparato podía grabar y reproducir sonido, y lo hacían con una aguja conectada a un amplificador que se deslizaba sobre un cilindro recubierto de cera que permitía escuchar los sonidos registrados. Este invento dio paso al gramófono diez años después, cambiando los cilindros por unos discos que, en 1948, se acabaron convirtiendo en los primeros discos de vinilo.

Thomas Edison, invento el fonografo

El primer vinilo

Enrico Caruso, el que por aquel entonces era el máximo exponente de la ópera mundial, fue el primer cantante en tener su obra registrada en un vinilo. Fue en el año 1902 y llegó a vender un millón de copias. 

 

 

La electrónica, el segundo género más vendido

Por lo que a estilos musicales se refiere, sorprende que algo tan reciente como es la electrónica sea el segundo género más comprado por los melómanos del último siglo. Por delante suyo, no podía haber otro que el rock, pero con una diferencia sorprendentemente corta.

 

‘Thriller’ es el número 1 de ventas de la historia

El mítico álbum del mismísimo Michael Jackson es aún a día de hoy el LP más comprado 40 años después de su lanzamiento. Tras él encontramos otras leyendas como Pink Floyd y su ‘The Dark Side of the Moon’ o ‘Back in Black’ de los australianos AC/DC.

 

 

El vinilo más caro de la historia

El CD más caro jamás vendido llevaba ritmo de hip hop. Wu-Tang Klan imprimieron una sola copia de su álbum ‘Once Upon a Time in Shaolin’ que fue comprada por ni más ni menos que por 2 millones de dólares. Pero si hablamos de vinilos, tenemos a Ringo Starr ocupando la primera plaza, que vendió su copia del álbum homónimo de los Beatles con el identificativo número de serie ‘0000001’. Este se vendió a un comprador anónimo por 790.000 de dólares, en una subasta celebrada en diciembre de 2015 que también vendió su famosa batería Ludwig, que fue comprada por 2,2 millones de dólares.

 

El vinilo vuelve a estar de moda

La nueva tendencia a coleccionar memorabilia de nuestros artistas favoritos ha convertido al vinilo en uno de los objetos más demandados por los fans tras el lanzamiento de un álbum. Este nuevo hábito de querer obtener un objeto físico para guardarlo cual tesoro ha hecho que en los últimos años, los vinilos superen en venta a los CDs por primera vez desde 1986. El primer semestre de 2020 se facturaron 232 millones de dólares con la venta de vinilos, un 62% del dinero total generado por el formato físico pero un 4% del total de los beneficios generados por las grabaciones musicales en todas sus formas.

 

Lo que está claro es que los artistas están teniendo en cuenta este nuevo fenómeno mundial, y muchos están optando por ofrecer en formato vinilo sus nuevos lanzamientos. ¿Y es que a quién no le haría ilusión poder tener entre sus manos su propia obra? Para ello, antes es necesario aprender producción musical. Si quieres saber cómo se siente el poder compartir con el mundo lo que uno crea, puedes hacer click aquí para adentrarte en el mundo de la producción con nuestros múltiples programas.

 

 

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Canciones hechas con la Roland TR-808

8 canciones hechas con la TR-808 de Roland

Canciones hechas con la Roland TR-808

Hoy es un día que los amantes de la música electrónica miramos con especial atención. En este 8 de agosto se celebra el día internacional de la caja de ritmos más popular: Roland TR-808 y en DJP Music School hemos querido hacer un repaso en su historia trayéndoos 8 canciones creadas a partir de esta drum machine.

La aparición de este famoso aparato en 1980 de la mano de la Roldan Corporation revolucionó totalmente la manera de crear música, permitiendo programar baterías mediante un sistema de secuenciación y creación de patrones. Incluía diferentes sonidos que permitían al artista personalizar sus sets; bombos, cajas, hi-hats y otros sonidos como rim shots, claps o shakers.

Su camino a la popularidad no fue tan sencillo en sus comienzos, ya que no muchos artistas y bandas decidieron incorporarla en sus creaciones debido a que no ofrecía sonidos de percusión tradicionales o realistas, no logrando llegar así al público mainstream siendo un fracaso en términos de ventas. Su popularidad se elevó cuando artistas emergentes de estilos undergrounds como el hip hop y house la comenzaron a usar en sus producciones al igual que el maestro del R&B y soul Mavin Gaye.

 

Estas son algunas canciones que fueron hechas con la TR-808:

Yellow Magic Orchestra - 1000 Knives (1980)

La banda japonesa fue la primera en incluir a la Roland TR-808 en su proceso creativo y en sus actuaciones en vivos. Su tema ‘1000 Knives’ de 1980 y su disco ‘BGM’ de 1981 son de las primeras grabaciones en incluir esta máquina.

 

Marvin Gaye - Sexual Healing (1982)

A finales de 1981 el americano Marvin Gaye se encontraba de retiro en Ostende (Bélgica), tratando de poner orden a su vida y buscando nuevas fuentes de inspiración. Creó su álbum ‘Midnight Love’ gracias a la cantidad de posibilidades de la TR-808 y su popular tema ‘Sexual Healing’ fue el primero en utilizar esta máquina en llegar al Billboard Top 100, aumentando su popularidad.

 

Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force - Planet Rock (1982)

Este tema, publicado en 1982, fue uno de los precursores de la ola posterior de house, techno y hip hop. Fue un tema que definió unos sonidos y estructuras que marcarían la escena electrónica de los 80.

 

Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody (1987)

Tras el año 82 fue más común ver a artistas mainstreams usar esta máquina. Otro caso destacado es el de Whitney Houston y su ‘I Wanna Dance With Somebody’, convirtiéndose en la primera artista en llegar a la certificación platino.

 

Lil Louis – French Kiss (1989)

El americano procedente de Chicago Marvin Burns, conocido por su alias Lil Louis, publicó en 1989 ‘French Kiss’, uno de los temas que marcó la era de la música disco, debiéndole su éxito al uso de la 808.

 

Xtal - Aphex Twin (1992)

El carismático australiano Richard David James más conocido como Aphex Twin es un artista conocido por su experimentación dentro del sonido y en el proceso creativo. En 1992 usó una 808 que él mismo hackeó, modificando la configuración de la máquina para experimentar con sus sonidos.

 

OutKast – The Way You Move (2003)

El dúo de Atlanta Outkast, formado por André 3000 y Big Boi, son unos grandes amantes del sonido de la 808. En su tema ‘The Way You Move’ de 2003 no sólo utilizan la máquina para su creación si no que le dedican una frase: “I know y’all wanted that 808” (Sé que querían esa 808)

 

Kanye West – Love Lockdown (2008)

El amor por la 808 por parte de Kanye West es más que conocido, titulando a su álbum publicado en 2008 ‘808s & Heartbreak’, estando presente la popular máquina en todo el proceso creativo.

 

Hemos creado esta playlist con éstas canciones para que la puedas escuchar cuando quieras:

 

En DJP Music School no os podemos regalar, ni dejar una Roland TR-808, pero si que ofrecemos varios cursos de producción para que domines las percusiones y demás ámbitos de la música. Puedes descubrirlos haciendo clic aquí.

 

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qué llevar en tu maleta de dj

¿Qué no debe faltar en tu maleta de DJ?

qué llevar en tu maleta de dj

A un bolo siempre hay que ir preparado. Cuando menos lo piensas, ocurre algún inconveniente que debes resolver, y mejor si eres precavido, ya que un buen DJ no se presenta en el evento solamente con su música.

Aunque hayas hablado anteriormente con los organizadores y sepas a qué equipo te vas a enfrentar o cómo es el lugar, si preparas tu maleta de DJ siguiendo los consejos que te damos a continuación, podrás resolver las pequeñas trabas que se pueden presentar. La regla general para preparar tu maleta DJ es tener en cuenta todos los percances que puedan suceder durante una sesión. Aquí va una lista con lo básicos que necesitas ¡DJ precavido vale por dos!

 

Cables

Los cables son muy dados a estropearse y a perderse. Por eso, no está de más llevar unos cuantos en tu maleta por si alguno falla.

Los cables que no pueden faltar son: un par de cables RCA de mínimo un metro de largo para conectar los reproductores a la mesa de mezclas, un cable de red para poder interconectar los reproductores y un cable USB extra además de los que ya necesites, puesto que este es el que más suele dejar de funcionar.

Además, te recomendamos que estudies y conozcas bien cómo funcionan las conexiones de cables de diferentes equipos. Normalmente, cuando tienes un bolo en un sitio pequeño no suele haber un técnico de sonido y tienes que ser tú quien conecte y prepare todo.

También te aconsejamos que marques los tipos de cables con trozos de cinta aislante de diferentes colores. Así si tienes que utilizarlos con urgencia podrás diferenciarlos rápidamente.

 

Cascos de repuesto

Sería de muy mala suerte que tus cascos de confianza dejarán de funcionar en mitad de un bolo. Pero por si acaso, no estaría de más que incluyeras unos de repuesto en tu maleta.

Nuestra recomendación es que los cascos que utilices sean desmontables, por si lo que falla es alguna de sus piezas. En este caso, estaría bien que lo que llevases de recambio fuese el cable. Los cables siempre son los que más problemas dan.

maleta del dj - cascos de repuesto

Adaptador de minijack a jack extra

Incluso te aconsejamos que lleves un par más de la cuenta. Estos pequeños desaparecen por arte de magia.

 

Copias de seguridad de tu música

No cometas el error de llevar toda tu música metida en un solo pendrive. La experiencia nos ha enseñado que es muy fácil que un pendrive deje de funcionar en el momento menos adecuado o que el reproductor no lo lea. Por eso lo más conveniente es llevar copias de tu música analizada en varios dispositivos. Un par de pendrives extra no ocupan apenas sitio y pueden salvarte la sesión. En uno de ellos es aconsejable que metas tu música sin analizar por si el reproductor no es compatible con el software que utilizas en casa.

Si pinchas con ordenador te sugerimos que lleves una copia de seguridad externa con toda tu música, a ser posible en un pendrive. Si tu ordenador se avería y la sala cuenta con reproductores, podrás pinchar con ellos.

usb - maleta de dj

 

Instalador de tu software para pinchar

La informática a veces es traicionera y los programas dejan de funcionar cuando menos te lo esperas. Para no entrar en crisis y poder seguir con tu bolo, si tienes el instalador de tu software a mano podrás reinstalarlo. En menos de quince minutos tendrás solucionado el problema y la música estará sonando.

 

Tapones para los oídos

Vas a destinar muchas horas a estar expuesto a un alto nivel acústico. Con los tapones protegerás tus oídos y evitarás la fatiga auditiva a lo largo de la sesión. Por culpa de esta segunda, a veces, se comete el error de subir la ganancia y poner los temas a un volumen más alto de lo que se debería.

Tapones para los oídos - maleta de dj

 

Limpiador de vinilos, cápsulas, agujas y patinadores

Si eres de los que pincha con vinilos hay varias cosas que no se te pueden olvidar. En primer lugar, un limpiador de vinilos. Es muy fácil que en el ambiente haya pequeñas motas de polvo y una de ellas sobre tu vinilo puede hacer que no suene correctamente.

Además, si vas a utilizar el equipo de la sala quizás las cápsulas y las agujas no estén en el mejor estado pues suelen desgastarse bastante. Es recomendable que lleves un par de repuesto y unos patinadores.

 

Linterna

Ya sabemos que hoy en día el teléfono móvil sirve para muchas cosas, incluso como linterna. Pero si tienes un bolo nocturno o en un sitio con poca luz no puedes depender de la batería de tu móvil o de su capacidad de iluminar si en algún momento necesitas ver con claridad. Una pequeña linterna led será de gran ayuda si necesitas cambiar un cable o si se te cae un pendrive, por ejemplo.

 

Alargador y/o regleta

Si pinchas con ordenador no puedes arriesgarte a quedarte sin batería en medio de la sesión y, a veces, no queda ningún enchufe libre cerca de la cabina. Un alargador o regleta siempre es útil. Más vale que sobren clavijas para poder conectarte a la corriente eléctrica a que falten.

Alargador y/o regleta - maleta de dj

 

Ten en cuenta todas estas cosas a la hora de armar tu maleta de DJ. Recuerda siempre ser precavido, de esta manera podrás prevenir cualquier imprevisto que pueda ocurrir en tu trabajo.

 

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apps que no pueden faltar en tu movil si eres DJ

Las apps que no pueden faltar en tu móvil si eres DJ

 

¿Te ha pasado alguna vez que se te ocurre una melodía, no tienes forma de plasmarla y queda en el olvido? No te preocupes, la creatividad llega cuando menos te lo esperas y eso es algo muy común que nos ha pasado a todos. Es por eso que con este artículo queremos darte la solución. Si eres dj, a continuación, te dejamos algunas aplicaciones que deberías tener instaladas en tu teléfono móvil. Así la próxima vez que la inspiración te pille fuera del estudio no perderás esa idea. Algunas de ellas, incluso pueden servirte para amenizar una fiesta.

 

Edjing

Es una aplicación muy potente para mezclar música. Cuenta con doble bandeja de mezcla, grabador, ecualizador y automix. Pero sus características más impresionantes son la compatibilidad con Deezer, el soporte para tu biblioteca local, que cuenta con 16 muestras para reproducir y que tiene sincronización continua de dos pistas y bucles. También tiene turn-tables, acceso a SoundCloud, un crossfader y la capacidad de subir tus mezclas a la nube directamente desde la app.

 

Djay

djay - app para dj y productores

Con esta app tendrás todas las herramientas de la mesa de un DJ en tu móvil. Cuenta con doble plato de mezclas, auto-mezcla, efectos, pitch-bend, looping y grabación de música siempre que no sea en streaming, entre otras muchas cosas. Pero lo que más destaca de Djay es la integración de Spotify premium, por lo que si cuentas con este plan podrás utilizar toda su música sin necesidad de tenerla guardada en tu dispositivo.

 

Traktor DJ

Una de los softwares de djing más populares adaptado a tu smartphone. Esta app tiene gran cantidad de efectos de transición, detección automática de tempo y sincronización de BPM. Además, la misma app te sugiere el tema que poner a continuación y lo hace con bastante acierto.

FL Studio Mobile

Los productores amantes de Fruity Loops pueden llevar este DAW con ellos siempre. Aunque en su versión móvil tiene algunas limitaciones, esta app ofrece gran cantidad de posibilidades. Puedes crear melodías a través de su piano roll y de los diferentes instrumentos, grabar y exportar tus creaciones en WAV, MIDI y AAC.

FL Studio Mobile cuenta con varios efectos como EQ, Delay, Reverb, Limiter, Filter o Amp. Además, te da la posibilidad de compartir tus temas a través de Dropbox o correo electrónico. Pero su característica estrella es que puedes conectarla a tu DAW del ordenador para poder trabajar con mayor comodidad sobre todas tus creaciones.

Esta aplicación te ofrece secuenciador de canciones, bastidor de efectos que admite dos efectos por módulo, control de volumen maestro, EQ, limitador y un mezclador de siete canales. Caustic cuenta con módulos como Beatbox, Organ, Modular, Subsynth, FMSynth, 8BitSynth, PCMSynth, Bassline, Vocoder o KSSynth. Además, podrás usar tus archivos WAV guardados con la app en BeatBox, PCMSynth y Vocoder.

Music Maker JAM

Se trata de un pequeño estudio de grabación de 8 pistas en las cuales se pueden mezclar diferentes loops que están organizados por géneros musicales que, a su vez, cuentan con varios instrumentos musicales. Tiene 100 estilos de música diferentes como EDM, Hip Hop, House, Pop, Dubstep o Rock.

Una de las particularidades de Music Maker JAM es que puedes grabar sonidos con el micrófono de tu teléfono, por ejemplo tu voz, y añadirlo como una pista más. También cuenta con varios efectos y capacidad para ajustar el tempo y la armonía. Además, podrás compartir tus creaciones directamente desde la app a tus redes sociales.

 

Drum Pad Machine

Esta app funciona como un launchpad, aunque de forma más básica. Su funcionamiento se basa en ir pulsando los diferentes cuadrados de colores. A cada uno de estos pads les puedes asignar un sonido diferente y con ello crear una base o una melodía.

Drum Pad Machine cuenta con un aspecto visual muy cómodo y mucha facilidad de manejo.

 

Y, como bonus tracks, te dejamos unas apps que no son para crear pero que sí son obligatorias en el teléfono móvil de cualquier artista musical o melómano:

  • Shazam: Un detector de canciones. Para cuando escuchas ese tema que te molaría meter en tus sesiones pero no sabes de qué artista es ni como se llama.
  • SoundCloud y MixCloud: Las plataformas más populares donde djs y productores comparten sus creaciones. Si no tienes un perfil ya creado en ellas, estás tardando en hacerlo.
  • Spotify o Apple Music: Desde que llegaron este tipo de plataformas de música en streaming no hay disculpa para no estar al tanto de todas las novedades.

 

Así que ya sabes, si eres dj y buscas apps que pueden salvarte de alguna situación, aquí tienes algunas para descargar y trastear. Eso sí, ten en cuenta que casi todas estas aplicaciones tienen su versión gratuita, más limitada, y su versión de pago, con la que tendrás una experiencia más completa.

 

 


 


"Mi experiencia en DJP Music School" por Beatriz Cano

En esta ocasión os traemos la experiencia de Beatriz Cano, tras su paso por DJP Music School. Una alumna que buscaba aprender más acerca de Ableton, y decidió hacerlo en nuestra escuela que es el primer Ableton Certified Training Center de Madrid. Os dejamos con su testimonio a continuación.


experiencia DJP Music School

De cómo me he iniciado en la producción musical

Por Beatriz Cano

Mi trabajo siempre ha estado ligado a la música aunque desde la retaguardia, en el mundo de la comunicación. Hace un par de años di el paso a meterme en la cabina pero nunca me había atrevido a crear más allá de las mezclas como DJ.

Componer un tema se me hacía un mundo ya que solo he tenido formación musical autodidacta para enfrentarme a la mesa de mezclas. Por eso decidí que tenía que hacer algo para ser una artista más versátil y poder ofrecer mejores experiencias en mis lives. Ahí fue cuando me topé con DJP Music School.

Para iniciarme en el mundo de la producción musical escogí Ableton Live por las buenas referencias que me habían dado compañeros profesionales de la música. Entre los DAWs que estuve investigando fue el que más me convenció para incluirlo en mis performances. Y ya de lanzarme a ello, ¿qué mejor que aprender en un centro certificado por el propio programa?

Por si no lo sabías, DJP Music School imparte un Programa Certificado de Producción en Ableton, puedes ver más información aquí

https://www.youtube.com/watch?v=liF4LhNhu78&ab_channel=DJPMusicSchool

Una de las cosas que creo que ha de tener una escuela de música es la capacidad de adaptarse al nivel y a los gustos del alumno puesto que cada uno llega al aula con un currículum diferente. En mi caso, mi repertorio pasa por varios estilos que pueden ir del rock o el indie hasta el techno más oscuro y, en ocasiones, he tenido que decantarme por uno u otro a la hora de buscar formación. Así pues, desde el primer momento que hablé con el equipo de DJP supe que era un buen lugar donde evolucionar ya que supieron amoldarse a lo que necesitaba y encajaba conmigo.

Empezar en el mundo de la producción musical puede dar un poco de vértigo, sobre todo en los inicios, dado que son muchos los conceptos y las técnicas que tienes que dominar para poder plasmar de forma audible las ideas que surgen en tu cabeza. Por eso es importante tener un temario estructurado y desglosado que sirva como guía antes de enfrentarte a la pantalla y al Ableton Push. En mi caso, un truco que he utilizado ha sido ojear todo el contenido del campus virtual antes de ir a las clases presenciales para no sentirme muy perdida. De esta forma, las clases se han hecho más amenas y las hemos podido dedicar casi en su totalidad a practicar, que es la mejor forma de aprender a hacer música.

Ableton Live Suite en DJP Music School - Ableton Certified Training Center

Al realizar un curso intensivo asistiendo tres días por semana a la escuela, repartidas en clases de casi tres horas cada una, más el tiempo que tienes que dedicarle en casa para repasar y realizar los trabajos prácticos, te obligas a ser constante para completar todo del programa. El plan académico que sigue DJP Music School propone metas a corto, medio y largo plazo. Cada clase tiene un objetivo y cada bloque es evaluado para comprobar que se hayan alcanzado las competencias que se habían propuesto. En cuanto vayas cumpliendo todo esto te darás cuenta de que aprender a producir con Ableton Live es bastante sencillo y al cabo de dos meses sabrás todo lo necesario para construir un buen tema o finalizar los que ya tienes. Aunque siempre se van descubriendo novedades, en la música nunca se sabe lo suficiente.

Contaros también, que en DJP Music School cuentan con asesores muy cualificados que podrán interpretar lo que necesitas y llegarán a ofrecerte la mejor opción para ti, como en mi caso con el curso.

Con pasión por lo que se imparte se consigue que el estudio se convierta en algo ameno y divertido. Por eso, una de las cosas que más valoro de todas las que me he llevado de DJP Music School, aparte de los conocimientos y destrezas musicales, son las ganas de seguir adelante en el mundo de la producción. Ahora es el momento de seguir indagando y poner en práctica todo lo que me han enseñado. Ya he empezado a montar mi pequeño estudio en casa, quizás los que no están tan contentos con la idea son mis vecinos.

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mezcla armónica para DJs principiantes

La mezcla armónica para DJs principiantes

 

mezcla armónica para DJs principiantesUn buen dj no sólo se caracteriza por encajar a la perfección el tempo de dos temas, sino que tiene que ser capaz de mezclar dos (o más) tracks cuyas tonalidades casen de forma precisa. El truco para ello es la mezcla armónica.

El mixing armónico sigue unas reglas establecidas utilizando el sistema de la Rueda de Camelot, cuya interpretación ayuda a acertar qué canción pega con cuál a la hora de pinchar. A continuación te contamos cómo interpretarla y los trucos para comenzar a utilizar esta técnica que perfeccionará tus sesiones.

¿Qué es la rueda de Camelot?

La rueda de Camelot es una representación gráfica de las 12 tonalidades mayores y las 12 tonalidades menores. Las mayores se representan en el círculo exterior y las menores en el interior. A cada nota musical se le asigna un número del uno al doce que van en la dirección de las agujas del reloj. Se trata de una reinterpretación del Círculo de Quintas.

Las tonalidades situadas en la parte interior y exterior respectivamente poseen las mismas notas de la escala, aunque distinto centro de gravedad (mayores y menores). La tonalidad establecerá un centro de gravedad a partir del cual se crearán las escalas y sobre el que orbitarán los distintos acordes. La letra A se asigna a las escalas menores (en el interior de la rueda) y la letra B a las mayores (en el exterior de la rueda) e indica qué tipo de escala se utilizó para la composición del tema.

Siguiendo esta gráfica, los tracks asignados en la misma casilla con el mismo código o tonalidad, son los más propensos a encajar fácilmente porque comparten todas las notas de la escala. Pero existen diferentes trucos o técnicas para variar la tonalidad en tus sesiones y mezclar temas con tonalidades diferentes.

Lo primero que necesitas saber para empezar a utilizar la mezcla armónica es el tono en el que se encuentra cada canción pero si no lo sabes reconocer solo escuchándolo, no te preocupes. Por suerte todos los softwares para djs incorporan ya sus propios sistemas para analizar cada track y detectar su tonalidad para facilitarte las mezclas armónicas. Fíjate en la pestaña key y lo sabrás.

Si eres de la antigua escuela y pinchas con vinilos quizás esto te resulte más complicado sin ayuda de ningún software, pero entrenando la escucha puedes conseguir saber qué tonalidad tiene cada tema. Aún así, tanto si eres dj de vinilo como digital, con el tiempo y la práctica serás capaz de saber de manera intuitiva qué tracks combinan entre sí.

Cómo funciona la Rueda de Camelot

¿Cómo usar la Rueda de Camelot?

La utilización de esta técnica para mezclar consiste en casar temas que tengan tonalidades compatibles.

Antes de ponerte a pinchar tienes que bloquear el cambio de tonalidad. Se trata de activar el Keylock o Master Tempo, tendrá un nombre u otro según el software o herramienta que estés utilizando. Esto es porque si cambia el pitch de la canción cambiará su tonalidad. Si pinchas con platos, donde en algunos modelos no es posible bloquear el cambio de tono, tienes que fijarte en que no haya una diferencia de pitch de más de 1,7% para que el mixing armónico funcione.

A continuación, te contamos cuáles son los trucos básicos para saber cómo poder dar saltos en la Rueda de Camelot manteniendo la armonía.

Cambiar de mayores a menores relativas y viceversa:

Se trata del salto más sencillo y que a primera vista parece más lógico. Muévete de una letra a otra (de A a B y al revés), es decir, de la casilla interior a su homónima exterior y viceversa, manteniendo el mismo número. Es decir, mezcla temas que tengan la misma nota pero cambiando de escala mayor a menor. Por ejemplo, 7A con 7B.

Cambio tonal:

Es otro de los saltos más simples. Se trata de moverte entre los números contiguos en ambos sentidos de la rueda. Solo tienes que solo tienes que sumar uno o restarlo. O lo que es lo mismo, subir o bajar una nota. Por ejemplo, 3B con 2B o 4B.

Cambio modal:

El cambio modal consiste en saltar de tonos mayores a tonos menores y viceversa.

Si te encuentras en una tema con tonalidad mayor (en la parte exterior del círculo), puedes cambiar a uno menor bajando a la correspondiente menor (interior del círculo) y dar tres saltos hacia la izquierda (sentido contrario a las agujas del reloj). Por ejemplo, de de 7B a 4A. Si, por el contrario, quieres pasar de una tonalidad menor a una mayor el movimiento se realiza a la inversa: saltas a la nota correlativa mayor (exterior del círculo) y das tres saltos hacia la derecha (sentido de las agujas del reloj). Por ejemplo, de 7A a 10B.

Energy Bost:

Esta técnica no es exactamente de mezcla armónica porque no combina armonías compatibles. Hacer Energy Bost es crear una sensación de aumento de energía (lo coloquialmente conocido como subidón).

Este tipo de cambio consiste en que la siguiente canción que vas a pinchar tenga una tonalidad que esté a 2 posiciones más (si quieres subir un tono) o 7 posiciones más (si quieres subir un semitono) que la que principal. En este método siempre se suma, es decir, los movimientos son en el sentido de las agujas del reloj y sin cambiar de A a B o viceversa. Por ejemplo, para irías de 2A a 9A para subir el track un semitono o de 2A a 4A para subirlo un tono.

Este efecto es recomendable en transiciones muy rápidas o en las que hay una parada y en ese momento aprovechamos para lanzar el siguiente tema con el bajo ya subido para que no haya disonancias.

 

Así que ya sabes, si todavía no tienes tanta experiencia como Dj y quieres saber si tus mezclas sonarán "bien", te aconsejamos que utilices la Rueda de Camelot. Así verás si todo encaja perfectamente sin haberlo comprobado antes.

 

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mejores auriculares o cascos para DJ

Los mejores auriculares para DJ

mejores auriculares o cascos para DJ

¿Necesitas auriculares para comenzar tu carrera como DJ? ¿Te gustaría escuchar tus listas de reproducción con un sonido claro y nítido?

Si eres DJ o conoces lo básico de este oficio, sabrás que una de las herramientas más importantes para los DJs son, sin lugar a dudas, sus auriculares. 

La elección de unos auriculares para Djing depende de muchos factores: la preferencia por una marca u otra, sus características técnicas o incluso su versatilidad al poder utilizarlos también en nuestras producciones o como auriculares de uso diario, determinan nuestra elección final.

En el mercado actual existen muchos modelos de auriculares hechos para este trabajo, donde la durabilidad, la portabilidad y la comodidad, son las características más importantes a tener en cuenta. Además existen otros factores que influyen en la elección como son la resistencia, la personalización o el precio.

A continuación te damos una lista con nuestras recomendaciones de auriculares duraderos, portátiles, y con un sonido de alta calidad. 

Así que si buscas cascos para pinchar o disfrutar tus ritmos con la calidad de sonido que merecen, esta lista simplificará tu búsqueda de los auriculares más adecuados:

 

Sennheiser HD 25

cascos o auriculares para DJ

Posiblemente los auriculares más vistos en las cabinas de todo el mundo. No es de extrañar ya que su ligereza y resistencia los convierten en unos de los más demandados.

A favor tienen su escaso peso (lo que los hace muy cómodos), su construcción duradera (con materiales plásticos prácticamente indestructibles), su precio asequible y una gran cantidad de opciones de recambio para todos sus componentes.

Lo único negativo de estos auriculares es que con el uso, las almohadillas de la diadema siempre se acaban despegando y el cable de serie podría ser de mejor calidad.

 

Sennheiser HD 25 Light 

Cascos o auriculares para DJ

La nueva versión de estos auriculares ha mejorado significativamente al cambiar la forma en la que van equipados en la diadema, permitiendo la utilización de los mismos auriculares que en su modelo superior- el Hd25.

Con las mismas características del modelo superior, al tener una diadema simple mucho más ligeros y económicos.

 

Audio Technica  ATH-M20X/ ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT

Cascos o auriculares para DJ

Estos modelos de Audio Technica son prácticamente clónicos en su construcción y materiales, con pequeñas diferencias aparte de las especificaciones técnicas de cada modelo y su precio.

Estas diferencias son:

  • La posibilidad de plegado en los modelos ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT
  • El cable desmontable en los modelos ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT                
  • El giro de los auriculares en los modelos ATH-M50X/ ATH-M50XBT
  • La conexión Bluetooth en el modelo ATH-M50XBT

Todos ellos son sumamente resistentes, aunque el ATH-M50XBT es bastante más pesado al equipar el sistema Bluetooth y la batería, lo que permite hasta 40 horas de escucha de forma inalámbrica.

El rango de precios va desde los 49 euros del modelo ATH-M20X hasta los 219 euros del modelo ATH M50XBT en su página oficial.

 

AIAIAI TMA-2

auriculares o cascos para DJ

Los auriculares modulares AIAIAI TMA-2 permiten una completa configuración personalizada de cada uno de sus componentes. Así podrás elegir almohadillas de diferentes tamaños, composición y aislamiento, cables, auriculares de diversas especificaciones técnicas, y diferentes diademas, una de ellas equipada con sistema Bluetooth.

La posibilidad de una configuración totalmente personalizable y de poder cambiarla según nuestras necesidades adquiriendo nuevos elementos, convierte a estos auriculares en una gran elección a pesar de su elevado precio.

 

Los fabricantes de equipamiento para DJs aún no han creado unos auriculares que puedan usarse de forma inalámbrica. No cabe duda que ésta opción será el siguiente paso en el abanico de posibilidades de auriculares para DJs, formando parte de las actuales opciones de conexión WIFI con plataformas de streaming musical de los reproductores más modernos.

Y tú ¿qué auriculares prefieres para pinchar?

 

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Instagram como herramienta de marketing para DJs y Productores

A día de hoy, Instagram es una de las redes sociales mejor valorada y que más se utiliza. Al comenzar tu carrera en la música, ya sea como DJ o Productor, tienes que saber que esta aplicación es una muy buena herramienta para darte a conocer, promocionarte y llegar a un gran público sin salir de tu casa o de tu estudio.

Pero antes tienes que saber que todo lo que te recomendaremos a continuación te ayudará a crear tu marca personal.

¿Qué es la Marca Personal y cómo te ayudará con la música?

La marca personal es la huella que dejamos en los demás a través de las distintas acciones que vamos haciendo, lo cual deriva en una buena reputación personal y profesional. Jeff Bezos, CEO de Amazon, la define como "lo que dicen de ti cuando no estás presente". Consiste en identificar y comunicar de manera constante las características que te hacen ser diferente y visible en un entorno competitivo y cambiante.

No se trata de vender nada, sino de posicionarte como persona destacada en tu rubro. Para eso deberás tener bien en claro cuáles serán tus objetivos, el público al que quieres dirigirte, definir la voz que utilizarás y también la gama de colores que te representen. A todo eso deberás sumarle mucho esfuerzo y dedicación. ¡Ah! Y no te olvides de crear contenido de calidad para tu público objetivo, esto también suma a tu marca personal.

 

En esta ocasión te daremos 5 tips para hacer que tu cuenta sea aún más profesional y mejorar su uso como herramienta de marketing digital.

1. Genera contenido de calidad

Tienes que conocer muy bien el target de tu audiencia para generar el contenido adecuado. Si bien la música es un arte universal, tienes que tener en cuenta que dependiendo del estilo que más se asocie con lo que tu haces, tendrás un público u otro. No es el mismo grupo social el que escucha trap que el que oye rock. Por eso, tienes que segmentar tu público objetivo y crear contenido acorde a sus gustos estéticos o su franja de edad, entre otras cosas.

Es muy importante cuidar la calidad de las fotografías y vídeos que subes así como la gramática y ortografía de cada copy. Planea tu contenido con anterioridad y no publiques por publicar. Por supuesto, si ocurre algún evento urgente del que haya que informar en el acto esto cambiará.

Ten también en cuenta el aspecto de tu feed para que sea atractivo visualmente. Instagram es una red social visual y cuanto más bonito se vea todo, sin fotos o vídeos pixelados y mal iluminados, y con textos breves pero directos, mejor acapararás la atención de los usuarios. Para esto te puedes ayudar de aplicaciones paralelas, como Preview, que te ayudarán a visualizar cómo queda la estética de tu feed antes de postear.

Otro consejo que te damos es que si utilizas filtros para tus fotografías y vídeos siempre uses el mismo o como mucho dos diferentes (por ejemplo, uno a color y otro en blanco y negro) para crear una imagen de marca asociada a los colores de tu Instagram. Si tienes un poco de técnica en el mundo del retoque fotográfico es aconsejable que crees tus propios presets en vez de utilizar filtros universales. Así te diferenciarás del resto.

2. Sé activo en Instagram Stories

A la mayor parte del público de Instagram le gusta consumir contenido rápido. Por ello debes aprovechar esta herramienta que ofrece la app para subir contenido diferente y para enlazar tus posts.

En esta parte de Instagram puedes dar rienda suelta a tu creatividad subiendo vídeos, fotografías o series de stories con una secuencia lógica. Usa las diferentes herramientas que la propia aplicación te proporciona en este apartado para hacer llamadas de atención a tus seguidores: preguntas y respuestas, encuestas, activación de cuentas atrás para tu próximo lanzamiento o live, etc.

Además, ten en cuenta que al subir una historia tu perfil aparecerá en el encabezado de la vista principal de Instagram y eso hace que tus seguidores sepan que estás activo y visiten tu perfil con mayor asiduidad.

 

3. Las emociones y el entretenimiento son muy importantes

Aunque tu cuenta esté dedicada a promocionarte como artista musical, tienes que tener en cuenta que Instagram es una red social de entretenimiento y, por esto, este tipo de contenido es el que mejor funciona.

Es muy importante compartir imágenes y vídeos con contenido emocional que involucren al público y hagan que suba el porcentaje de interacción. Muestra tu lado humano, no te muestres como una empresa sino como una persona. Esto no dista de vender tu trabajo, pero hazlo de tal forma que no conviertas tu perfil en una tienda. Comparte tu día a día o tus intereses más allá de tu música para crear un vínculo especial con tus followers.

También es importante que interactúes con tus colegas de profesión y compartas su trabajo, siempre y cuando éste te parezca interesante y te guste. La retroalimentación dentro de las redes sociales es muy importante para generar mayor alcance.

 

4. Mantén activa la comunicación con tu público

Da likes a las publicaciones de la gente a la que sigues, responde a los comentarios que te dejan, sigue cuentas que tengan intereses comunes a los tuyos. Cada vez que interactúas con tu público potencial reciben una notificación y, cuando esto sucede, casi siempre, suelen meterse a mirar tu perfil. Si no te seguían anteriormente y tu contenido les interesa, habrás conseguido un nuevo seguidor. Si ya era alguien que te seguía sabrá que no eres un robot, sino que detrás de ese perfil hay un ser humano.

Al igual que si saludas a alguien por la calle y no te responde te parecerá antipático, en las redes sociales pasa lo mismo. Muéstrate como alguien accesible, por supuesto con limitaciones.

 

5. Usa los hashtags correctos

El uso de hashtags es importante porque aumenta la posibilidad de que tu publicación aparezca en el motor de búsqueda de Instagram. Pero no se trata de etiquetar cualquier cosa; tienes que buscar con qué hashtags puedes mejorar tu alcance. Si usas hashtags con mucha competencia tu publicación puede caer en saco roto dentro de esa categoría. En cambio, si escoges hashtags más concretos, con actividad y sin spam dentro de su contenido, será más factible aparecer entre sus primeras publicaciones y podrás aumentar el alcance de tu post y tu audiencia.

Por ejemplo, #música es un hashtag muy amplio en el que será difícil posicionarse pero #músicaurbana es más concreto y alcanzará al público que le interesa de verdad.

Te aconsejamos que si utilizas los hashtags dentro del copy de tu post, los uses dentro del texto en vez de poner un montón de ellos al final. Visualmente quedarán remarcadas las palabras más importantes y facilitará la lectura.

 

En conclusión, éstos son sólo algunos consejos para utilizar Instagram como otra herramienta más para hacer llegar tus creaciones a más gente. Con el tiempo y el uso de la aplicación, irás dándote cuenta de qué es lo que más te conviene según tu perfil y el de tus followers. Mantener una buena red de contactos en el mundo virtual lleva su tiempo, no desesperes, ten paciencia y trabaja tus redes sociales para poder ir construyendo tu marca personal.

 

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los mejores DAW del 2021

Los mejores DAW del 2021

los mejores DAW del 2021

Tanto si estás empezando en la producción musical como si ya tienes algo de experiencia, es común preguntarte ¿cuál DAW es el mejor? ¿con cuál debo trabajar?, creyendo que las características técnicas de un DAW pueden influir en tu creatividad y/o afectar tus producciones.

Pero ¿de verdad un DAW puede afectar cómo trabajamos? ¿existe un DAW mejor que todos los demás? Y si es así y hubiese un reconocimiento al mejor DAW, ¿cuál sería el ganador?

 

¿Con qué DAW puedo hacer el match perfecto?

Para empezar, vamos a aclarar conceptos básicos, para aquellos que apenas empiezan en el mundo de la producción musical.

DAW es la abreviación inglesa de Digital Audio Workstation, o lo que es lo mismo, una estación de trabajo digital.  ¿Y qué es esto? pues es simple, es un estudio de grabación pero en software, de ahí el concepto de producción “in the box”. 

Atrás han quedado los tiempos en los que la única forma de producir un disco era en un estudio de grabación equipado con decenas de miles de euros entre software y hardware. Los avances tecnológicos han permitido que hayan programas que emulan estas funciones y así poder producir nuestra propia música simplemente teniendo un ordenador personal.

Hace 30 años cuando empezaron a aparecer en el mercado los primeros DAW, eran herramientas rudimentarias que solo trabajaban con MIDI y aunque eran útiles, las aplicaciones eran muy limitadas. Afortunadamente ahora todo es distinto, con diferentes fabricantes y desarrolladores buscando ganarse el mercado. Hoy en día disponemos de un catálogo bastante amplio, y con tantas opciones es fácil entrar en confusión cuando llega el momento de elegir uno.

Para ayudarte a salir de dudas, a continuación detallamos algunas de las características principales de los DAW que están encabezando las listas de los más populares entre músicos y productores.

 

Reaper

los mejores DAWs del 2021

Este quizás será el más joven de la lista, con múltiples opciones para personalizar la interfaz de trabajo y un precio reducido de sólo 60$USD. Reaper es la opción de muchos principiantes que se lanzan al mundo de la producción. No te dejes engañar por su precio, estamos hablando de un DAW hecho y derecho que te permitirá realizar cualquier tipo de producción.

Sus puntos fuertes, además del precio, son las opciones de ruteo y una gran cantidad de plugins nativos que te serán útiles cuando estás empezando.

Su punto débil va directamente relacionado a su edad, pues aunque tiene muchos plugins de fábrica, estos no son visualmente atractivos ni fáciles de manejar. Además, muchas de las características que normalmente tenemos en los apartados de edición en cualquier otro DAW, aquí o no están o no son tan flexibles como quisiéramos.

Es tu match si apenas estás empezando, si te dedicas al diseño sonoro y quieres una interfaz limpia, o simplemente si no quieres dejarte mucho dinero en un DAW.

 

Reason

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Reason suele ser la opción de productores de música electrónica que adoran el look de lo analógico. Su interfaz es famosa pues además de emular el sonido que es el apartado que nos suele interesar, también emula visualmente cómo funcionaría el equipo físico, permitiéndonos usar la pachera para combinar diferentes equipos y crear nuestros propios sonidos.

Su fuerte es la gran cantidad de instrumentos que trae de serie así como las posibilidades de crear diferentes sonidos y efectos.

Su debilidad quizás es el apartado de edición de audio, pues no es tan robusto como es en otros DAW.

Es tu match si no tienes intención de grabar audio y te gustan los instrumentos virtuales robustos y con buena calidad.

 

Cubase

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Desarrollado por Steinberg, Cubase es el hermano menor de Nuendo. Con más de 30 años en el mercado, Cubase sigue manteniéndose en el top debido a su gran número de instrumentos y samples de fábrica, así como su estabilidad. Muy popular entre compositores de bandas sonoras.

Su fuerte es el gran número de instrumentos incluidos y su facilidad para escribir notación musical.

Su debilidad es el flujo de trabajo, que no es especialmente fluido ni intuitivo.

Es tu match si eres músico de conservatorio y la notación musical es algo imprescindible para ti.

 

FL Studio

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Antes conocido como Fruity Loops hasta que Kellogg 's decidió que alguien se iba a terminar confundiendo con sus cereales del tucán e iba a tomar unos beats por desayuno. FL Studio nació como un videojuego para hacer beats, un enfoque de hacer música para no músicos que pronto le dio una gran popularidad entre los más jóvenes. Más de 20 años de vida han dado a FL Studio la madurez para convertirse en uno de los DAW más populares no solo entre los jóvenes, sino también en profesionales, que aprovechan un piano roll casi perfecto y una interfaz intuitiva para hacer producciones de vanguardia.

Sus puntos fuertes además de un precio competitivo y actualizaciones gratis de por vida, es una muy buena implementación MIDI, una interfaz muy amigable con usuarios nuevos, y una gran variedad de instrumentos y plugins de serie de gran calidad.

Sus debilidades quizás son vestigios de sus orígenes, y es que algunas técnicas de producción se realizan de maneras poco convencionales así como muchas características que hacen lo mismo lo cual puede resultar confuso o redundante.

Es tu match si quieres empezar a producir de cero, o si eres un productor de hip hop, trap o música electrónica, donde lo más importante son los instrumentos virtuales y el apartado MIDI.

Si te interesa este DAW, puedes descargarte el e-book gratuito

Guía FL Studio - descargar e-book

 

Pro Tools

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Probablemente Pro Tools es el software que ha estado más tiempo en estudios profesionales de la industria, se caracteriza por tener una interfaz que se centra en parecerse a cómo se hacían las cosas antes en analógico, lo cual da estupendos resultados para quienes tienen mucha experiencia. Por otro lado carece de una buena implementación MIDI y/o opciones para escribir notación musical.

Sus puntos fuertes son las opciones y características en el apartado de grabación y edición de audio, así como el hecho de ser un estándar en la industria.

Sus puntos débiles son sus precios desorbitados, su anticuada interfaz, su torpe implementación MIDI y lo poco amigable que puede ser con usuarios neófitos.

Es tu match si ya trabajas como profesional en la industria, y estás más centrado en la parte de grabación que en la de producción

 

Logic Pro

los mejores DAWs del 2021

Uno de los más populares para usuarios de Mac que empezaron con el GarageBand y decidieron dar el salto a algo más profesional. A l igual que todos los productos de Apple, Logic Pro ha venido bebiendo de los softwares estándar de la industria, primero tomando de Pro Tools y recientemente de Ableton Live. Popular también entre compositores de bandas sonoras, con una muy buena implementación MIDI y facilidad para escribir música así como para mezclar. Por otro lado, la edición de audio no está precisamente a la altura de sus competidores.

Sus puntos fuertes son su versatilidad, una interfaz intuitiva y amigable.

Sus puntos débiles, además del apartado de edición de audio, no existe un soporte o una atención especializada por el hecho de que sólo funciona en Mac.

Es tu match si eres usuario de Apple y quieres un DAW bueno tanto para componer música como para mezclar.

Si te atrae este DAW, quizá puede interesarte nuestro curso de Logic Pro X, míralo aquí.

 

Ableton Live

los mejores DAWs del 2021

A pesar de llevar poco más de 20 años en la industria, Ableton ha sabido desarrollar un software que a día de hoy ha conseguido estandarizarse como uno de los más utilizados en la industria musical, tanto por principiantes como por profesionales, que buscan un sistema intuitivo y sobre todo, rápido. Con una interfaz pensada en los directos, donde todos los elementos caben en una sola pantalla y una forma innovadora de crear música de una manera no lineal, Ableton Live es un DAW potente para un profesional, así como efectivo y fácil de usar para quienes apenas empiezan.

Sus puntos fuertes son su Session View que permite producir de forma creativa y eficaz, su gran cantidad de plugins y librerías de serie, así como unas grandes características de automatización e implementación MIDI.

Su punto débil es quizás el apartado de audio, donde aún no consigue ser tan robusto como otros DAW

Es tu match si haces música electrónica, te gusta experimentar con loops, eres DJ productor, si eres un artista enfocado en hacer live performances, o si te gusta mezclar la producción con el directo.

Si te interesa este DAW, puedes descargarte la guía de manera gratuita

 

Si aún no tienes claro que lo tuyo es la producción musical y sólo quieres probar uno de estos softwares, te recomendamos probar con un trial. Casi todos los desarrolladores ofrecen su software para probarlo de forma gratuita por algunos días e incluso meses como es el caso de Ableton Live.

Lo que no recomendamos es buscar un software gratuito si lo que quieres hacer es algo más serio, pues con esto, probarás cientos de opciones disponibles, encontrarás que de todas esas opciones la única que realmente te permitirá hacer algo es Audacity, y aun así sus funciones son tan limitadas, que terminarás pagando por algo más profesional.

Recuerda que al elegir un DAW, no estás firmando un contrato de por vida, no te vas a casar con él para siempre. La tecnología sigue avanzando, los desarrolladores siguen innovando y nuestras formas de trabajar van cambiando con las nuevas actualizaciones. Al final con tanta competencia, el ganador de esta lucha por crear el mejor DAW, siempre vas a ser tú.

 


 


Las 5 mejores colecciones VST gratuitas

Actualmente el mercado está inundado de librerías, sintetizadores, instrumentos virtuales y efectos de muchísima calidad, pero lo que no todos saben, es que gran parte de estos son 100% gratuitos. A continuación os dejamos una lista con algunos que complementarán a la perfección tu librería.

Labs por Spitfire

Labs por Spitfire - mejores VTS del momento

Spitfire es uno de los grandes fabricantes de librerías orquestales y cinemáticas del momento, y decidieron crear una librería gratuita con unos 12 Gb de peso y cientos de sonidos increíbles. Labs también incluye 34 paquetes de sonidos donde podrás encontrar pianos, instrumentos de cuerdas como charangos, mandolines y guitarras, sonidos de orquesta, percusiones y una variedad de sonidos de sintetizadores sampleados muy útiles para todos los géneros musicales.

Puedes descargar el gestor de Spirfire aquí.

Allí encontrarás todas las librerías de Labs disponibles para descarga e instalación.

Komplete Start de Native Instruments

Komplete Start de Native Instruments - mejores VTS gratuitos

No quedan dudas que de Native Instruments es uno de los más importantes fabricantes de software de producción musical en el mundo y que su paquete de pago Komplete, es uno de los más completos en el mercado; así que tener una parte de ese Komplete gratuitamente siempre será una gran oportunidad.
Komplete Start incluye unos 6 Gb de contenido, donde podrás encontrar unos 2000 sonidos de muy alta calidad, con 7 sintetizadores virtuales, 9 instrumentos sampleados, la suite de efectos Guitar Rig en su versión gratuita, con 50 presets de efectos disponibles y 3 programas claves en el universo de Native Instruments, Komplete Kontrol, Kontakt Player y Reaktor Player.

Puedes descargar Komplete Start aquí.

Syntronik Free por IK Multimedia

Syntronik Free por IK Multimedia - mejores VST gratuitos

Los italianos IK Multimedia, lograron con su paquete de pago Syntronik, la recreación de muchos de los sintetizadores más icónicos de la historia. Syntronik Free es la puerta de entrada a esta librería, con 17 sintetizadores clásicos muy bien emulados y totalmente funcionales, dentro de los que vamos a encontrar sintetizadores soñados como el Minimoog, el Jupiter, el Prophet V, el ARP 2600, el Juno, el Andrómeda, el CS80 y muchos más.

Puedes descargar Syntronik Free aquí.

Sampletank CS por IK Multimedia

Sampletank CS por IK Multimedia - mejores VST gratuitos

Otro de los muchos regalos de esta increíble empresa, esta vez con una librería que abarca muchos más sonidos de todo tipo y que se complementa muy bien con Syntronik.

Sampletank CS es la versión gratuita de la librería de pago Sampletank 4 y en ella podrás encontrar unos 4 Gb de contenido con 50 instrumentos sampleados, en los que hay cuerdas orquestales, pianos, guitarras, órganos, sintetizadores, sonidos de voces y mucho más.

Otro detalle interesante de esta librería es que incluye también 200 ritmos MIDI y un mezclador con 70 efectos disponibles.

Puedes descargar Sampletank CS aquí.

SineFactory de Orchestral Tools

SineFactory de Orchestral Tools - mejores VST gratuitos

Esta es una librería reciente, lanzada por Orchestral Tools para ganar notoriedad en la industria y para promocionar su gestor de librerías el Sine Player.

Aunque esta librería no tiene tantos sonidos disponibles como las que te mencionamos anteriormente, los que tiene son de muy buena calidad; con 11 Gb de sonidos, pueden encontrar un piano de cola muy bien sampleado, cuerdas orquestales con varias articulaciones disponibles y una librería de percusiones muy variadas y útiles.

Otro detalle a tener en cuenta es que cuando descargues Sine Player, también puedes elegir descargar una librería gratuita adicional llamada Layers, con más sonidos orquestales de gran calidad.

Puedes descarga Sine Player aquí.

Puedes solicitar SineFactory para descargar en SinePlayer aquí.

 

En conclusión una selección muy completa de sonidos gratuitos para disfrutar y complementar nuestro entorno de trabajo digital.

 

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libros para regalar a un dj

7 libros para regalar a un DJ

libros para regalar a un dj

No solo de música viven los amantes de este arte. Si tienes un amigo DJ, productor o simplemente aficionado a la electrónica, aquí te dejamos siete libros para regalarle con los que acertarás seguro.

 

1. “Loops I”, Javier Blánquez y Omar León, y “Loops II”, Javier Blánquez

libros producción musical, dj

Dos libros que han de ocupar un lugar obligatorio en la librería de cualquier amante de la música electrónica. Más de 1.300 páginas donde el periodista Javier Blánquez (con la colaboración del DJ Omar León en el primer tomo y otros invitados como: Luis Llers, Marc Piñol, DJ Zero o Quim Casas) cuenta la historia de la música de club y su evolución a lo largo de los siglos XX y XXI.

En sus páginas se trazan las conexiones de la música electrónica con los universos del pop, el rock, el cine y la literatura. Además se plantea la evolución del techno en los últimos años, el papel que juega la electrónica en los guetos del tercer mundo y su relación con el hip hop, entre otros muchos temas relacionados el clubbing.

2. “Last night a DJ saved my life”, Bill Brewster y Frank Broughton

libro last night a dj save my life producción musical

Se trata de una misiva de amor a la figura del DJ y al mundo que rodea a este. Los autores cuentan la historia secreta de algunos de los momentos musicales más memorables de la cultura club. Desde los primeros discos pinchados en la radio hasta el techno, el house y todos los géneros relacionados con la electrónica.

A lo largo del libro se pueden encontrar testimonios de primera mano sobre el nacimiento de géneros como el disco, el hip hop, el house o el techno. Además por sus páginas podrás dar un paseo detallado por clubs legendarios como el Peppermint Lounge, el Cheetah, el Sound Factory o el Ministry of Sound, entre otros, con entrevistas a sus DJs más míticos.

En la edición de 2019, Alejandro Álvarez lo completa incluyendo textos sobre la misma escena pero en la actualidad.

3. “Techno Rebels”, Dan Sicko

libro portada Techno Rebels libros DJ

En la ciudad de Detroit, a principios y mediados de los años 80, se vivió una revolución musical que cambió la forma de escuchar música y de bailarla. En sus clubes y en sus radios surgió el techno. Y ahí es donde Dan Sicko comienza a trazar la evolución histórica de este estilo de música.

Esta obra se ha denominado la “Biblia del Techno”, por lo que es un imprescindible para los amantes de uno de los géneros más importantes de la música electrónica.

4. “Porcelain”, Moby

Porcelain libro DJ Moby

El nombre del mítico tema del artista neoyorkino da título a esta autobiografía. “Porcelain” fue, y sigue siendo, un himno que hasta sirvió de cortinilla en TVE.

Este libro cuenta la vida de Moby en la ciudad de Nueva York durante la década de los 90, comenzando en 1989 y acabando el 1999 (año de la publicación de su álbum “Play” en el que se incluye la canción que bautiza a este libro).

Se trata de un recorrido por la génesis del artista en una época convulsa para la Gran Manzana, tanto por su nivel de delincuencia como por el auge del consumo de drogas. Todo ello junto a la eclosión de la cultura club que terminó de emerger a principios y mediados de los 90 en una de las ciudades más caras, elitistas y mitificadas del mundo.

Con ironía y humor, Moby relata su etapa de oro como músico. Un viaje a sus primeros pasos en el panorama musical a través de su actividad como DJ en el Club Mars o sus primeras grabaciones y consecuentes éxitos como “Go”.

Este libro cuenta con una secuela titulada “Then It Fell Apart” que también merece como lectura recomendada.

5. “This is my Church”, Rutger Geerling

This is my church Rutger Geerling libro DJ

Es el más visual de todos los libros que te recomendamos en este artículo.

A través de fotografías tomadas por RUDGR, o Rutger Gerling como es su nombre real, conocerás a algunos de los djs más prestigiosos, los escenarios más notorios, los festivales más aclamados, las giras y todo lo que hay en el interior del mundo de la música electrónica.

Un álbum de fotos de lo más completo.

6. “Electroshock”, Laurent Garnier y David Brun-Lambert

Electroshock Laurent Garnier

Se trata de la autobiografía del artista Laurent Garnier elaborada a medias junto al escritor David Brun-Lambert. La publicación original se hizo en 2003, pero en 2017 se hizo una reedición a la que se le añadieron ocho capítulos más.

Este libro no solo habla de la relevancia de Garnier en la música electrónica y de sus más de 30 años de trayectoria, sino que también nos transporta en un viaje a la realidad del clubbing.

Una de las características que hace destacar esta publicación frente a otras biografías de artistas de la música es la pasión con la que el autor nos habla de este arte y de cómo se enamoró de la profesión y decidió dedicar su vida a ella contando al detalle sus altibajos.

7. “Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura de club”, Simon Reynolds

Energy Flash Simon Reynolds libro DJ

El autor de este libro, Simon Reynolds, es un afamado crítico musical británico. Con sus dotes de historiador de la música, en estas páginas aborda desde el boom del house en Chicago y el techno en Detroit hasta la cultura del rave en Reino Unido y el fenómeno EDM, el acid house y la cultura balearic importada de Ibiza a finales de los años 80. También harás un viaje a las primeras fiestas ilegales en naves industriales.

Además, dentro de estas páginas encontrarás joyas como entrevistas a DJs y productores claves de cada escena como Carl Craig, Paul Oakenfold, Goldie, Jeff Mills o Richie Hawtin, entre otros.

 

 

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Aprende a gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad musical

 

Conoce las técnicas que te servirán para ver lo positivo en lo negativo y maximizar tu potencial aún en los tiempos más difíciles.

 

¿Sabías que hay circunstancias externas estresantes que pueden afectar a tus producciones? ¿Quieres conocer cómo gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad y productividad a la hora de crear nuevos temas?

Para emprender con la música conviene estar preparado/a tanto para disfrutar de logros, como para ver el lado amable de los momentos más convulsos e inciertos. Y en esto la psicología y la industria musical van muy de la mano.

En este post te contamos las técnicas psicológicas que te ayudarán a controlar mejor tus emociones, tomar decisiones, y sobre todo, proteger tu salud mental y física en medio de cualquier tipo de crisis, personal, global, etc.

Rosana Corbacho, psicóloga clínica y humanista especializada en la industria musical, y Fundadora de M.I. Therapy , ha creado este listado que seguro te ayudará a gestionar tus emociones y potenciar toda tu creatividad. ¡Allá vamos!

 

Auto-conocimiento

No se trata de que evites tus emociones negativas sino de que las identifiques para saberlas llevar. Es bueno hablar con otras personas acerca de ellas, detenerte a pensar de qué está hecho tu miedo, confrontarlo y así, aceptar y acoger tu vulnerabilidad para luego ponerte en acción con el fin de estar mejor.

Ser consciente de cuáles son tus valores y reacciones internas a los eventos externos te ayudará a tomar mejores decisiones e incrementar tu resiliencia.

Auto-cuidado

Duerme lo suficiente, haz ejercicio de forma regular, come saludable, escucha las necesidades y señales de tu cuerpo para desconectar y descansar. Antepón tus necesidades físicas a tu carrera.

Para ello, puedes acudir a prácticas como yoga, meditación, hacer ejercicio o escribir pensamientos. Evita los estimulantes, mejor reemplázalos con descanso y una buena alimentación.

También puedes dividir el trabajo intenso y programar tus actividades diarias en pequeños segmentos. Esto te permitirá conseguir logros, conectar con los demás y dejar un espacio para disfrutar de otras cosas que te guste hacer. No es bueno aislarte y concentrarte solamente en lo que tienes que hacer. Tu trabajo no es lo único que define tu identidad.

 

Ayuda especializada

Los profesionales te ayudarán a fomentar tu crecimiento, así como cualquier problema que encuentres en el camino. Recuerda que cuanto antes mucho mejor.

 

Conecta

Da prioridad a relaciones profundas y significativas. No te olvides de conectar con personas y actividades fuera de la industria musical. Somos animales sociales y el sentimiento de pertenencia nos hace más fuerte.

Desconecta

Tomarte días libres y hacer actividades fuera de la música te permitirá oxigenarte y estar plenamente presente cuando vuelvas al trabajo.

 

Fomenta tu Creatividad

No dejes de ser curioso o curiosa. Procura salir de la rutina, medita, separa la creatividad de la productividad. Evita el perfeccionismo, este tiende a generar bloqueo creativo.

No creas en los mitos relacionados con la creatividad, muchos de ellos te causarán más daño que beneficio. Por ejemplo “es que si no sufro no puedo crear nada” o “solo me inspiro cuando es de noche”.

Estos 4 poderosos hábitos te ayudarán a hacer música con impacto.

 

Busca la resiliencia

Este viene a ser el resultado de aplicar las técnicas anteriores. La resiliencia consiste en tener la capacidad de sobreponerse a la adversidad y salir lo más fortalecido(a) posible de ella.

Según investigaciones internacionales de la especialista Rosana Corbacho, las cifras de problemas de salud mental, como ansiedad, depresión o ideación suicida en personas de la industria musical superan a las de la población en general.

Un panorama que muchas veces tiene su causa en realidades de la industria como el estrés, falta de trabajo, competitividad, condiciones económicas y laborales, consumo de sustancias, aislamiento social, entre otras.

Pero ante esto, la solución para que te sientas mejor no pasa por cambiar la industria musical, todos los cambios inician por ti mismo(a). Y para eso la clave está en tu equilibro físico y mental.

Consigue tus objetivos musicales en tiempos de pandemia.

 

 

Aplica las técnicas. Tu cuerpo y tu mente te recompensarán con buena energía y esa condición te ayudará a llevar la situación de la manera más constructiva posible, evitando caer en emociones negativas como agobio, preocupación, miedo, tristeza, inseguridad, enfado, desmotivación y en problemas como el insomnio, abuso de sustancias, sensación de soledad, dificultad para concentrarse, tomar decisiones, trabajar, exceso de negatividad, la lista puede ser muy larga.

Recuerda siempre que las crisis siempre traen algo positivo, todo depende de cómo las veas.

Por último, ten en cuenta que estás claves no solo te servirán para momentos puntuales de crisis, también puedes convertirlas en hábitos, eso te hará aún más fuerte dentro de la industria.

Conoce más sobre M.I. Therapy, una organización que tiene como objetivo crear conciencia sobre la salud mental en la industria de la música.

https://www.instagram.com/m.i.therapy/
https://www.facebook.com/musicindustrytherapy/
https://twitter.com/MI_therapy

 


 


¿Qué necesito para grabar un podcast?

 

Graba podcast y conquista fans con estos sencillos pasos.

Actualmente uno de los formatos de entretenimiento e información en auge son los podcast. Lo cierto es que cada vez hay más y de variadas temáticas. No te quedes atrás y descubre aquí todo lo necesario para grabar el tuyo.

El podcast se ha convertido en uno de los principales argumentos para la supervivencia de la radio. Cada vez más marcas, personajes famosos, músicos, medios de comunicación tienen el suyo. Para empezar, podríamos definir lo qué es: se trata de episodios, generalmente de audio, que se publican de manera periódica sobre alguna temática. En los últimos tiempos este tipo de programas vienen ganando cada vez más peso, obligando a muchos creadores de contenido a adaptarse a este formato y a las ondas radiofónicas.

Para muchos, quizá los podcast sean algo desconocido y por lo tanto cueste de primeras el querer grabar uno. No obstante, es más sencillo de lo que parece y no son necesarias unas grandes instalaciones para grabarlo. Por ejemplo, si eres DJ o productor y quieres acercarte más a tus seguidores mediante un programa de radio, en este artículo de carácter técnico, te decimos qué pasos debes seguir.

 

¿Qué modelo de podcast quieres?

Lo primero de todo, antes de empezar a grabar, tienes que tener claro de qué vas a hablar y qué tipo de podcast quieres. Esta información es esencial para empezar con tu programa de radio. Por un lado tienes que elegir el género del podcast, quieres hacer un magazine, un programa de improvisación, entrevistas, análisis, opinión… Por otro lado, también debes definir la temática: deportes, música, cultura, política, algo variado…

Otros factores a tener en cuenta es el público al que irá dirigido tu podcast, esto definitivamente marcará el tono y la jerga del mismo. Por último, ¿para qué quieres grabar un podcast? puede ser para dar a conocer tu música, informar, cumplir con un objetivo de actualidad, entretener o quizá para hacer publicidad de los servicios de una empresa. Una vez resuelvas estas cuestiones, puedes ponerte manos a la obra con los siguientes aspectos técnicos. Conoce las últimas tendencias del Marketing Musical.

Recuerda también definir con qué frecuencia publicarás nuevos episodios y su duración. Existen podcast de 10 minutos a 2 horas o más. De publicación diaria, de 1 o 2 veces por semana, o de diferentes momentos en el mes. No hay regla, tu lo defines. La clave está en la constancia y organización.

 

Ten tu micrófono

Si bien es cierto que en los comienzos de los podcast caseros, la calidad pasaba a un segundo plano, ahora mismo es esencial tener cierta nitidez en el audio. Para ello es necesario que tengas tu micrófono. Puedes optar por opciones de las que ya dispongas en tu home studio y que te ofrezcan mayor calidad para tu audio, como un micrófono de condensador que conectes a tu tarjeta de sonido.

Si no cuentas con alternativas como estas, una opción más que válida sería un micrófono de conexión USB, directa al ordenador, que por lo general por un precio no superior a 50€ ofrecen una muy buena calidad de sonido. Además, sería importante comprar una esponja para el micrófono e incluso un filtro antipop para que el sonido sea lo más limpio posible. Gracias a las nuevas tecnologías, puedes grabar tu podcast con calidad sin tener que gastarte una fortuna.

 

 

Insonoriza tu habitación

Como puedes comprobar, no es necesario grabar en un estudio de radio para obtener una calidad óptima en tu podcast. Claro que, cuanto mejor acondiciones el lugar, por ejemplo tu habitación, el resultado será más gratificante. Para ello puedes llevar a cabo una serie de acciones para la insonorización para que no se nos cuelen ruidos externos en la grabación.

Existen diferentes maneras de insonorizar una habitación. A modo casero, puedes tratar de sellar los bordes de puertas y ventanas, para evitar que vengan ruidos del exterior de la habitación. Es aconsejable el uso de alfombras y de cortinas especiales, que también aportarán a la hora de obtener un sonido más limpio, así como muebles de madera. Lo más habitual es adquirir paneles de espuma para colocar en la pared, de forma estratégica y que aíslen del ruido. Estos son solo algunos trucos para poder hacer tu espacio ideal para grabar un podcast.

 

¿Con cuál software vas a grabar?

Puedes hacerlo con tu DAW favorito o si dispones de una grabadora, no necesitas el software para capturar el sonido, con la propia grabadora te será suficiente.

Sin embargo, si vas a grabar con varios micrófonos o directamente con un micrófono conectado por USB a tu portátil o PC, si necesitarás software para que coja el sonido. Para grabar tu podcast también puedes pensar en otras herramientas prácticas y gratuitas como Audacity, que coge bien el sonido y además permite su edición. Si lo que estás grabando es un podcast de música, combinando un DJ Set con locución, quizá te sea suficiente con Serato, Traktor o Virtual DJ.

Actualmente, para hacer entrevistas, por ejemplo, o programas con varios colaboradores, no es necesario estar juntos en la misma habitación. Aplicaciones como Zoom, te permiten grabar la videollamada, separando vídeo y audio y lo más importante, ofreciendo una calidad bastante competitiva. Con un micrófono de calidad, este tipo de aplicaciones deberían ser suficiente para grabar un programa de radio sin problemas.

 

 

Edita tu podcast

Con grabar un programa no es suficiente, tu podcast requiere una edición posterior. Incluso si grabas mientras emites en directo, para subirlo luego a las plataformas digitales, tienes que editarlo. Elimina algunas partes que puedan estar mal, haz cortes para que el podcast sea más dinámico, añade música de fondo o piezas de audio que apoyen lo que se está hablando y también en mejorar el sonido. No tienen que ser solamente de audio también pueden ser de vídeo y mezclar los dos formatos en tu podcast.

Lo cierto es que con las tecnologías actuales, puede haber una gran diferencia entre lo que grabas y lo que finalmente publicas, gracias a la postproducción. Edita en el DAW que manejes o igualmente, puedes tirar de alternativas como Audacity o Soundtrap, este último está online. También hay programas como Audition, que son de pago, pero que ofrecen unas prestaciones más profesionales.

 

Compártelo

Finalmente es el momento de compartir tu podcast. Como hemos comentado, actualmente este formato está de moda y como tal hay muchas plataformas digitales para distribuirlos.

Ivoox es por excelencia el lugar donde subir de manera online tus podcast, pero han ido surgiendo otros portales que han ido ganando popularidad. Apple lleva tiempo apostando por este formato, con su aplicación para IOS, donde recogen la mayoría de episodios de los programas más populares. Spotify en algo más de un año se ha posicionado como una de las plataformas en las que todo podcast debe estar, popularizando este formato, dividiéndolo en múltiples categorías y facilitando su publicación. Google Podcast o Tidal son otras de las opciones más populares.

Finalmente, las redes sociales, como en todos los campos de la vida de hoy en día, juegan un papel esencial. Hemos podido comprobar que el disponer de un podcast, es mucho más que grabar, hay que editarlo y distribuirlo. En esta última acción Instagram, Twitter y Facebook son vitales. Más allá de compartir los diferentes episodios de tu programa a través del marketing digital, se debe continuar con la línea y la tonalidad del podcast. Se trata de un canal para establecer contacto con los oyentes y sobre todo un apoyo al programa.

¿Vas a esperar más para grabar tu podcast?

 

 


 

 


Tips para cantar TRAP y crear tus mejores beats

Conviértete en el dios del trappin. ¡Atención a estos consejos!

Las mismas técnicas utilizadas para el resto del Rap son las que le dan vida al Trap, su principio básico es el sampler, es ahí en donde está el secreto.

Entrando más en detalle, la velocidad en el Southern Rap, o Trap, o como lo quieras llamar, es muy inferior a la de otros estilos, rondando entre 50 y 70 BPM. Esto permite rapear utilizando mayor número de sílabas en cada barra o incluso cantar más libre al disponer de más tiempo entre bombo y caja. Además se pueden hacer diferentes giros con otros elementos como el característico hihat.

Esta deceleración de velocidad se la debemos a DJ Screw , quien pinchaba bajando la revolución del vinilo en busca de mayor grave y una cadencia más lenta, pero más rápida. Él decía que esto es como se percibe todo cuando bebes sirup o lean, otra moda que el Trap toma del Southern Rap.

 

 

Tips básicos para hacer Trap

  • Más lento todo va más rápido.
  • Nútrete del Rap Sureño (estilo de Rap de finales de los 80, muy popular en el Sur de Estados Unidos).
  • Sé genuino, hazlo a tu manera.
  • Y sigue leyendo, porque tenemos más.

 

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Cuando de la voz en una canción de Trap se trata, hay que hacer referencia al famoso plugin: el Auto-Tune. Dale las gracias a Cher, quien usó por primera vez este corrector como una distorsión al ajustarlo demasiado rápido.

¡Pero ojo! Auto-Tune es un corrector, que valga la redundancia, corrige tu tono de forma natural si estás próximo al tono perfecto. Si no afinas, de nada te va a servir la herramienta y terminará haciendo lo que quiere con tu sonido. En este caso la clave está en ser genuino y tener gracia, y eso depende más de ti que de este corrector.

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Cómo cantar Trap

Si buscas en internet "cómo cantar Trap" o "cómo se canta el Trap", lo que vas a encontrar es un montón de gente diciéndote cómo silabear o cómo cantar como Migos, Asap o Drake. Si haces eso, solo acabaras cantando como ellos, y para que exista otro(a) como ellos, mejor seguir escuchando a esos mismos artistas. ¡Tienes que ser diferente!

La única manera de aprender a rapear es que lo hagas, te salga como te salga, y que no pares de hacerlo y de mejorar. Imitar si, pero no te limites a observar cómo lo hacen otros, mucho menos te copies, tírale e inspírate para crear tu propia propuesta.

Aprender a hacer música no es un proceso rápido que puedas aprender de un día para otro y más aún si quieres profundizar en la producción de música urbana.

 

Los mejores sonidos de Trap

Si has llegado hasta aquí, seguramente has oído hablar del 808, esa es la piedra angular del sonido tan característico de la música Trap. La Roland TR-808 fue presentada en 1980. ¡Si, hace 40 años!

 

https://www.youtube.com/watch?v=1juUbvmDSKk&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=3

 

El 808 no es solo el bajo grave que escuchamos; es una caja de ritmos con un sonido muy característico. Aquí tienes un emulador online de Roland TR-808 donde podrás jugar un poco.

Pues bien, se podría decir que la gran mayoría de los Trap Sound Pack, Trap Drum Pack o librerías de Trap que se pueden descargar, son sonidos con diferentes ajustes de esta máquina, o en su defecto re-sampleados por otras que le imprimen cualidades adicionales, como sucede con el 808 Bass que no es otra cosa que el propio Kick de la 808 con su decay al máximo y re-maestreada con un sampler cromático.

La muestra más conocida de las últimas décadas es el 808 Bass retocado por DJ Spinz y que comúnmente se conoce con su nombre 808 Spinz.

 

https://www.youtube.com/watch?v=8-dxomV68Qc&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH

 

Esto también se puede ver en el Phonk (originario de Memphis), que hacen exactamente lo mismo con el CowBell de la 808 que usan como instrumento melódico.

La elección de si vas a usar librerías de terceros o usar muestras originales de 808 para después retocarlas o no, es cosa de cada uno. El mejor consejo en este caso es que cada situación es diferente, así que lo mejor es decidir con base en cada momento.

Y un mejor consejo aún, no te limites a la 808 porque son los sonidos de moda; están guapos si, pero son muy usados y para sonar único hay que buscar sonidos que no use nadie o que no se suelan usar de esa forma o en este género.

Un ejemplo: 808 Mafia suele usar junto a su Tag un sonido de sirena que hizo muy característico su manera de comenzar cada tema. Ese sonido no es otro que el de Killbill, pero lo cogieron, lo samplearon y filtraron para hacerlo propio y añadir identidad.

 

https://www.youtube.com/watch?v=wGseV8EJjFA&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=2

 

El mundo está lleno de sonidos para tu sampler, te dejamos estos tips adicionales para que consigas sonidos Trap con tu propio toque.

 

Tips para el sonido Trap y Rap

  • Juega con el pitch de tus muestras.
  • Presta especial atención a que el 808 Bass esté bien afinado.
  • No trates de obtener un sonido a partir de otro diferente, manipulando en exceso una muestra. Si quieres un sonido busca ese sonido.
  • Fíjate que el sonido que eliges actúa en las frecuencias en las que lo necesitas.
  • Busca sonidos que la gente reconozca, pero ve más allá de lo que se espera de ellos.

 

 



Cómo crear sonidos increíbles en Operator de Ableton

Exprime al máximo Operator, el sintetizador FM de Live.

Conoce cómo es Operator y aprende a crear sonidos metálicos o acampanados’ en este potente sintetizador digital. Aquí tienes todos los detalles:

Hoy en día en el mundo de la síntesis de sonido existen muchos métodos para poder generar una enorme variedad de timbres. Algunos de estos métodos pertenecen al ámbito analógico, como la síntesis substractiva o la síntesis aditiva; pero otros, mucho más sofisticados, tienen su origen en el mundo digital. Uno de los métodos digitales más famosos es la Síntesis por Frecuencia Modulada o Síntesis FM.

La síntesis FM (a partir de aquí FM) es un método para poder generar sonidos de manera tanto analógica como digital. Pero es cierto que la FM en el ámbito digital ofrece muchas más posibilidades que en el ámbito analógico.

El término algoritmo en FM se refiere a la disposición de los operadores; un operador es un conjunto de 4 parámetros generales, forma de onda (waveform), afinación (pitch), envolvente (envelope o ADSR) y amplificador.

Los sintetizadores basados en FM suelen ser sintetizadores de 4, 6 u 8 operadores. Sólo existen 2 disposiciones de los operadores en los algoritmos, o se suman entre ellos (aditiva), o se modulan entre ellos (FM). Gracias a estas características los sintetizadores FM te brindan la oportunidad de llegar a timbres imposibles de conseguir a través de otros métodos de síntesis.

 

 

Operator combina síntesis FM y aditiva, como puedes ver en la imagen, ofrece 4 operadores: A, B, C y D, dispuestos de abajo a arriba. En la ventana central se puede observar lo que contiene cada uno de los operadores, forma de onda y envolvente. La afinación se encuentra en la ventana de la izquierda, Coarse y Fine (afinación o pitch) y Level (amplificador). 

Si pinchas en el módulo final de la parte derecha del sintetizador podrás ver, en la ventana central, los siguientes algoritmos de los que dispones.

 

 

Atendiendo a estos algoritmos puedes ver que el que está más a la izquierda (en vertical) presenta una disposición de operadores, de tal manera que el operador D modulará en FM al C, y este al B, para terminar modulando al operador A.

Sin embargo, al otro lado, el que está más hacia la derecha (en horizontal) ofrece una disposición de operadores donde ninguno modula en FM a ninguno, sino que se basaría en ir sumando el operador A, el B, el C y el D (aditiva). Entre uno y otro hay, como puedes ver en la imagen, diferentes disposiciones de estos operadores, combinando así ambas formas, FM y aditiva.

Esto quiere decir que, en base a la afinación (Coarse y Fine), la forma de onda (Waveform) y el volumen (Level) de los operadores, los distintos algoritmos te ofrecerán variedad de timbres de esa configuración en concreto, la cantidad de timbres diferentes que puedes crear son prácticamente infinitas.

 

Así puedes diseñar tus sonidos metálicos

Al cargar el Operator te ofrecerá por defecto el primer algoritmo de su serie, el vertical. Puedes empezar a crear tu sonido con ese algoritmo.

Operador A

Este operador, según el algoritmo elegido, será el que porte toda la modulación producida por los otros 3, de ahí que, en este caso, se le denomine Portador (Carrier)

-  La forma de onda del operador A será una sine wave.

-  En la envolvente bajaremos el sustain considerablemente y aumentaremos ligeramente el release.

-  La afinación se queda como está, coarse (1) y fine (0).

 

 

Operador B

- Forma de onda sine wave.

- Copiamos la envolvente del Operador A, esto se puede hacer muy fácilmente dando al botón derecho sobre la pantalla de la envolvente.

- Aumenta el volumen del operador (Level) hasta oír un cambio grande en el sonido inicial. 

- Aumenta la afinación, por ejemplo, Coarse 8 y Fine 0.

 

Operador C y Operador D

- De la misma forma que en el operador B.

- Observa cómo alejando las afinaciones (Coarse y Fine) de unos operadores con otros, puedes conseguir sonidos metálicos muy realistas, timbres más naturales y orgánicos.

-  Experimenta cómo cambia el sonido y los distintos timbres que puedes obtener al manipular las afinaciones (Coarse y Fine) y los volúmenes (Level) de los 4 operadores. También con sus distintas formas de onda y cambiando ligeramente las envolventes de los operadores.

- Quédate en un timbre que te guste y ve cambiando el tipo de algoritmo del Operator, obtendrás otro tipo de sonido de acuerdo a cada configuración.

 

 

Una vez encuentres el timbre final que más te guste, te animamos a que experimentes con los diferentes tipos de filtrado, ligeras modulaciones con el LFO, abriendo el campo estéreo del sonido, usando el parámetro ‘Spread’, buscando un tono más claro o más oscuro con el parámetro ‘Tone’, alargando o acortando el release del sonido con el parámetro ‘Time’, etc., incluso creando una pequeña sensación de desafinación en el attack del sonido usando el parámetro Pitch Env.

También usando el plug-in Arpeggiator de Ableton Live crearás una secuencia muy variada gracias a sus muchas posibilidades, de esta manera podrás obtener algo parecido a una línea de percusión por ejemplo.

 

 

Por último y para completar el diseño del sonido es muy recomendable que te ayudes de un plug-in de reverberación y otro de delay estéreo con diferentes tiempos a izquierda y derecha. De esta manera podrás ubicar el sonido en un espacio y conseguirás un sonido mucho más natural. Descubre cómo crear 808 con Operator.

 

Datos extra sobre la síntesis de sonido

La aparición de los chips digitales, y más tarde la de los microchips, permitieron a la síntesis de sonido expandirse como nunca lo había hecho anteriormente. Tan grande es el abanico de posibilidades en el ámbito digital que incluso hoy en día estos métodos siguen en desarrollo, sin conocer aún cuál es el límite.

La FM digital fue un invento del compositor e inventor estadounidense John Chowning en el año 1967. En aquel año y desde la Universidad de Stamford, Chowning desarrolló un algoritmo matemático para hacer posible la modulación de frecuencia. 

A pesar del año en el que se inventó no sería hasta principios de los años 80, concretamente en 1983, cuando la marca Yamaha sacase al mercado el primer sintetizador basado en FM, el Yamaha DX7. Un sintetizador muy conocido mundialmente (este fue el primer sintetizador, además del Prophet V de Sequential Circuits, en incorporar MIDI) y que disponía de una base digital donde se almacenaban un número determinado de algoritmos.