Revive los mejores momentos de la Ceremonia de Graduación

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Nuestros alumnos han terminado con éxito su formación en DJP para el curso 2021/2022

Hace unos días celebramos la Ceremonia de Graduación de los alumnos que consiguieron terminar sus estudios durante el curso 2021-2022. 

Un bonito acto en el que los estudiantes del Programa Certificado de Música Urbana, DJ Profesional, Máster de Producción musical y Máster de Producción Musical Avanzada recogieron sus diplomas acompañados de familiares, amigos y los profesores que les han acompañado en este camino. 

 

Palabras del equipo académico

En esta ocasión los miembros del equipo académico que subieron al escenario para dar unas palabras a los alumnos han sido Harvey Cubillos, director de la escuela; Felipe Bayona, jefe de estudios; y Julia Alejandra Sánchez, profesora de Composición y Teoría Musical Creativa, en representación de todos los profesores.

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Harvey utilizó este momento para recordar la importancia de los alumnos para nuestra escuela y el objetivo que tenemos en que cada uno de ellos se sienta como uno más de la familia.

También reconoció el esfuerzo de los estudiantes en cada tarea que el curso les ha supuesto, recordó la importancia de poder estudiar aquello que realmente nos apasiona y lo gratificante que es cumplir nuestros objetivos. 

Después de las palabras del director llegó el momento de Felipe Bayona, quien habló sobre los sueños de nuestros estudiantes, sobre cómo trabajar para llegar a alcanzarlos, ya que según él, somos lo que hacemos, y también lo que dejamos de hacer.

Julia Sánchez en su discurso, hizo mención al nuevo comienzo que vivirán los estudiantes después del final que supone haber terminado sus estudios y les animó a no parar nunca de aprender.  

Alumnas premiadas (H2)

Durante la ceremonia se premiaron a los alumnos más destacados por su desempeño académico y por su calidad en sus trabajos musicales.

Eva de Marce se hizo con la estatuilla del Premio a la Mejor Producción Musical por su trabajo y dedicación en el track que presentó como TFM. Debido a sus proyectos musicales en México Eva no pudo estar con nosotros, pero nos mandó una vídeo de agradecimiento que pudimos ver todos los asistentes al acto.

También consiguió otra estatuilla Denise Delgado como ganadora del Premio a Mejor Estudiante.  Denise si nos acompañó en el evento por lo que pudo subir al escenario para dar unas palabras de agradecimiento al ser galardonada.

El broche final del evento se puso con un cóctel en el que todos los alumnos pudieron brindar con sus compañeros, amigos, familiares y profesores para celebrar el haber conseguido sus diplomas.

Si tú también quieres especializarte en aquello que te apasiona infórmate de los cursos de DJP Music School y empieza a formarte para convertirte en un profesional de la música. 

 

 

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7 consejos para grabar una canción

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Grabar una canción de forma profesional no es tarea sencilla, pero con estos tips el proceso te resultará un poco más fácil, y mucho más enriquecedor.

Actualmente tenemos a nuestro alcance numerosas técnicas, procesos y herramientas que hacen que crear música resulte mucho más sencillo que hace unos años. Sin embargo, el proceso creativo de creación musical puede resultar complejo si no cuentas con bases sólidas y un proceso claro de trabajo.  En DJP Music School queremos que mejores tu forma de trabajar a la hora de grabar o producir una canción, así que te dejamos 7 consejos que con seguridad te resultarán útiles. 

 

Crea una plantilla de trabajo

Cuando adquieras una rutina de producción o grabación es importante ahorrar tiempo, por lo que te recomendamos crear una plantilla de trabajo. Si usas casi siempre los mismos plugins y configuraciones similares puedes crear cadenas en tus diferentes pistas para que cuando abras la plantilla no tengas que configurarla una tras otra. 

 

Se ordenado

Esto se relaciona con el punto uno, el hecho de tener una plantilla va a hacer que el orden sea mucho más fácil de seguir. Ordena tus pistas, por ejemplo por su tipo de espectro de frecuencia para que siempre las tengas localizadas. El orden también es recomendable a la hora de ir sumando pistas a tu tema; comienza con las percusiones o melodías, como te sientas más cómodo y ve añadiendo elementos secundarios a tus principales.

 

Trabaja en la composición, luego mejora el sonido

Que una canción suene bien al final de todos los pasos depende mucho del principio. Si realizas una buena composición con grabaciones y samples de calidad ya conseguirás de por sí un buen sonido. Más tarde los llevarás al siguiente nivel a través de la mezcla. 

consejos para grabar una canción

 

Menos es más 

Con el paso del tiempo se ha visto justificado que menos es más y que lo simple funciona mucho mejor que lo complejo en cantidad de ocasiones. No te obsesiones con añadir capas de sonido a tu tema, busca espacio y profundidad y consigue que tus pistas den cuerpo a tu canción. 

 

Equilibra la mezcla

Es muy importante equilibrar los volúmenes de las pistas que componen nuestro tema. Tenemos que darnos cuenta de cuáles son las pistas principales para tenerlas a mayor volumen que otros elementos secundarios, para que así nuestro tema suene más abierto. Si estás trabajando con una voz principal esta será la protagonista. 

 

Sonar más alto no significa sonar mejor

No te pongas como objetivo sonar lo más fuerte posible ya que esto hará que los transitorios y dinámica de tu canción se arruinen. Tienes que conseguir un volumen óptimo para que tu música sea aceptada por sellos y funcione en las diferentes plataformas de streaming y reproductores de audio.

 

Escucha canciones de referencias

Si sientes que estás atascado/a con tu canción prueba a escuchar canciones similares. Escucha canciones que te gusten como están producidas y como suenan, hazlo atentamente para compararlas con tus canciones y comprobar que te falta o necesitas para conseguir tu objetivo.

 

Estamos seguros que si sigues estos consejos tu sonido y tus canciones mejorarán de forma notable. Si quieres aplicar estos consejos al máximo nivel te recomendamos que le eches un vistazo a los diferentes cursos que ofrecemos, haz click aquí para verlos.

 

 

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Cómo enviar música a sellos y discográficas

Haz que tu música sea escuchada y tenga la difusión que merece

Cuando tu carrera artística empieza a despegar, y desarrollas un producto con un resultado profesional, llega el momento de hacerte ver y dar a conocer tu obra. Hablamos de enviar música a sellos y discográficas, con el objetivo de que tu música y perfil artístico sigan escalando niveles.

En este post te traemos 5 consejos para que envíes tu música a sellos y discográficas, y así maximizar las opciones de que tu obra sea publicada por ellos.

 

 1. Elige bien lo que mandas

Lo primero es lo más importante: Debes ser consciente de la calidad de tus temas y saber si estos están preparados para salir en el sello al cual vas a mandar el mensaje. Asegúrate de que tu tema está acabado y suena correctamente. Una buena forma de contrastar esto es comparar cómo suena tu canción con respecto a los últimos estrenos del sello. Por supuesto, esto también conlleva que elijas sellos que siguen una dirección similar a tu canción, ya que si no lo están, es muy probable que no se interesen en ti. 

 

2. Prepara un correo atractivo y completo 

Los sellos están acostumbrados a recibir numerosos correos día tras día, lo que supone que tengan que leer mensajes de todo tipo. Por esta razón debes intentar diferenciarte de los demás.

No mandes un correo muy soso adjuntando solo el enlace, tienes que conseguir que el sello se interese por ti. Preséntate brevemente; di quien eres, de dónde vienes, si tienes apoyo de artistas importantes. Aporta una breve descripción de tu canción, explicando de qué estilo es, qué influencias tiene, lo que transmite. Por último, que no se te olvide adjuntar el enlace a tu canción y despídete de forma correcta agradeciendo su tiempo e interés por escuchar tu canción.

 

3. Pónselo fácil a la persona que va a escuchar tu canción 

Este punto también es esencial. Cuanto menos tiempo le cueste escuchar tu canción a la persona dedicada a las demos mucho mejor. Puede que hayas mandado un correo atractivo y un buen tema, pero si, por ejemplo, le envías tu tema para que se lo descargue a través de WeTransfer o Dropbox, esta persona va a tardar más en escuchar tu canción que si se la envías por enlace privado de Soundcloud. Este enlace habilita la descarga por si el sello decide apostar por tu canción. Consejo: cuando envíes el correo pon un hipervínculo al mismo enlace de tu tema, para que la persona solo tenga que hacer click. 

 

4. Ten cuidado con las reproducciones de tu tema

Muchos sellos tienen muy en cuenta también este punto. Posiblemente, quieras enseñar tu canción a amigos y conocidos, pero, no envíes el mismo enlace a los sellos. Si la persona dedicada a escuchar las demos ve que tu tema tiene, por ejemplo, más de 10 o 20 reproducciones ya no se va a interesar en tu canción ya que pensará que se las ha enviado a otros sellos y los tienes a ellos como segundo plato.

 

5. Manda recordatorios, pero no en exceso

Ya que la mayoría de sellos reciben cientos de demos, muchas de estas se quedan en el correo sin escuchar. No todos los sellos tienen gran disponibilidad, por lo que si no recibes una respuesta en aproximadamente una semana, manda un cordial recordatorio para que vean que tienes interés en su marca. Eso sí, no te agobies si no responden y no mandes correos masivos.

 

Y tú, ¿ya sabes cómo contactar correctamente con un sello? ¿Aún crees que tu canción no tiene el sonido profesional para mandarla? Aun estas a tiempo de darle el toque de calidad que necesitan. En DJP Music School tenemos el Máster de Producción Musical, en el que te preparamos para el auto emprendimiento y al mismo tiempo para trabajar en diferentes ámbitos de la Industria musical. Puedes pedirnos más información, o echarle un vistazo a los diferentes cursos que ofrecemos aquí, y haz que tu música destaque para una gran cantidad de sellos.

 

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Cómo funciona el negocio de la música

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Profesionales que intervienen en la industria musical

El sector musical está en constante crecimiento y evolución. El avance de las nuevas tecnologías ha facilitado nuevas formas de consumir música. Esta notoria evolución en la música ha creado la necesidad de la aparición nuevas figuras profesionales que se encarguen de determinados aspectos del negocio.

En esta ocasión queremos mostrarte los diferentes tipos de profesionales con los que tendrás que trabajar mano a mano si quieres formar parte del negocio musical.

Productores ejecutivos 

Su labor se centra en financiar, fabricar y comercializar las obras musicales de diferentes artistasSe encargan de apoyar financieramente al artista proporcionando los medios que éste necesite: estudio de grabación; tareas de marketing; comercialización de su música… Además, también deben descubrir nuevos talentos para darles la oportunidad de introducirse en la industria brindándole los apoyos que necesite.

Editores 

Este tipo de profesionales se encargan de que los artistas reciban los honorarios correspondientes por la explotación comercial de sus obras.  Es decir, tienen que manejar, distribuir, proteger y explotar comercialmente las obras musicales mediante licencias de derechos de autor a cambio de un porcentaje de los ingresos obtenidos en la comercialización de los tema.

Distribuidores

Como su propio nombre dice los distribuidores son aquellos que se encargan de distribuir las grabaciones de las obras de los artistas, ya sea de manera física (discos) o digital a través de plataformas como Spotify.

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Managers 

Los Managers son los encargados de guiar la carrera profesional de los artistas. Es decir, se ocupan de velar por los intereses del artista en la industria y conseguir el mayor beneficio económico posible por su trabajo. Firman y revisan los contratos, contactan con los patrocinadores y las salas de conciertos y aconsejan a sus representados.

Agentes de booking

Son los que gestionan la agenda del artista siguiendo un documento llamado timing que indica al músico el momento y el lugar en el que tiene que realizar todas las actividades programadas (conciertos, bolos, entrevistas..)

 

Los artistas en la industria musical

Ahora nos vamos a centrar en aquellas figuras profesionales que la industria reconoce como artistas, un artista es aquel que vive por y para el arte. Son los encargados de mantener un contacto basado en el “feedback” con el público. El auge de las Redes Sociales ha hecho que mantener este contacto sea sumamente necesario. Un artista no solo se convierte en un buen artista por su talento, sino que también necesita trabajar y aprender ciertos conocimientos sobre música.

Productor musical

Son los principales encargados de controlar las sesiones de grabación instruyendo y guiando a los artistas. Deben reunir las ideas del proyecto para dirigir la creatividad. Además, supervisan todo el proceso de grabación y se encargan de realizar el mastering.

Ingeniero de sonido 

Los ingenieros de sonido se ocupan de la producción y la manipulación del sonido. No solo se encargan de la operación de dispositivos y aparatos, también tienen que plantear proyectos de ingeniería para diseñar dispositivos que aíslen del ruido, y acondicionar acústicamente los recintos de grabación usando herramientas de software especializado. 

Compositores

El trabajo de los compositores consiste en componer, escribir o construir una pieza musical. Si te gusta trabajar componiendo tus propias obras o temas para otros artistas tienes que contar con ciertos dones como la imaginación y la improvisación. También es muy recomendable que previamente conozcas los principios teóricos y prácticos musicales.

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Instrumentalistas 

Son los encargados de dar vida a la obra del compositor con su instrumento (guitarra, batería, bajo, piano…) Deben contar con conocimientos de teoría musical, armonía y composición. También tienen que ser capaces de poder utilizar la improvisación si fuese necesario.

Cantantes o vocalistas

Los cantantes son los que con su voz reproducen las melodías musicales, son los que representan la primera voz de la pieza musical. Para poder ser un buen cantante no solo se necesita un talento nato, también será muy importante que se entrenen musicalmente.

Cantantes coristas o secundarios

Son los que acompañan en los coros (acompañamientos o armonías en las canciones) al cantante en momentos clave de la canción.

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En la actualidad existen muchos artistas que se han convertido en profesionales multidisciplinares. Es decir, en músicos capaces de componer, producir, interpretar y comerciar sus propias obras.

Esto ha sido posible gracias al avance de las tecnologías que han permitido cambios en la industria musical. Y también a las nuevas enseñanzas especializadas en producción y composición musical, como las que ofrecemos en DJP Music  School dentro de nuestra titulación oficial que ha llevado al éxito a numerosos jóvenes como nuestros alumnos destacados.

Además, la distribución de la música independiente es mucho más sencilla que hace unos años gracias a la existencia de plataformas como Soundcloud, que permite publicar música sin la necesidad de contar con distribuidoras externas.

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Si tú también quieres tener amplios conocimientos para trabajar en la industria musical, o para lanzar al mercado tu música puedes acceder a los cursos que ofrecemos en DJP Music School donde te enseñaremos todo lo necesario para cumplir tus metas.

 

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propositos musicales djp music school

5 propósitos musicales para el 2022

propositos musicales djp music school

En DJP Music te traemos 5 propósitos para que mejores tu faceta artística en el año 2022

Al comenzar cada año lo marcamos en el calendario como un nuevo comienzo, poniéndonos nuevos objetivos, metas y propósitos. Viajar más, perder peso, dejar de fumar, hacer ejercicio o ahorrar dinero son algunos de los más mencionados pero nosotros preferimos centrarnos en lo que más nos gusta, la música

Por ello, en DJP Music School hemos preparado una serie de propósitos para aquellos que hagáis música, en cualquier aspecto. Tanto para novatos para como experimentados, aquí os dejamos algunos propósitos que podéis llevar acabo para mejorar vuestro sonido:

 

1. Ponte metas musicales realistas: 

Cualquier músico/a o productor/a musical habrá pensado alguna vez que la música no es lo suyo porque no consigue muchas reproducciones o no le firma ningún sello. Tenemos que ir paso por paso, consiguiendo ampliar nuestro conocimiento y mejorando nuestras habilidades. Con este desarrollo, iremos proponiéndonos diferentes metas a medida que vayamos avanzando, fluyendo así mucho más y evitando los momentos de agobio. Con el paso del tiempo verás como tu sonido y cualidades han mejorado, consiguiendo ampliar tu audiencia y atención por parte de los sellos.

 

2. Organízate y consigue una rutina: 

Es sin duda uno de los puntos más difíciles a conseguir pero es el que realmente va a marcar la diferencia. Si queremos avanzar tenemos que tener cierta constancia, organizando nuestro tiempo dejando siempre un momento para la música, ya sea para aprender de teoría musical, vernos algún tutorial o producir música.

Obviamente esto no significa que todos los días debamos sacar tiempo pero os recomendamos que tengáis una cierta rutina y que os habituéis a ella.

 

3. Descubre nueva música: 

propositos musicales djp music school (1)

Si os sentís sin nuevas ideas e inspiración o pasando por bloqueos creativos os recomendamos encarecidamente que descubráis nuevos artistas y géneros, consiguiendo así otros puntos de vista y ampliando nuestros enfoques. Esto hará que tengamos una visión más profunda a la hora de producir, teniendo más ideas en nuestra cabeza y posibilidades. 

Una de las formas es explorar en las plataformas de streaming o seguir a medios como Mixmag, Wololo Sound o Loud Cave.

 

4. Antes de empezar, acabar: 

 

propositos musicales djp music school (1)

Ya sabemos como va esto de dejar cantidad de proyectos comenzados y empezar uno nuevo, una tras otra vez. Si comenzamos a acabar todos los proyectos que vayamos avanzando conseguiremos más experiencia y así no nos quedaremos siempre a medias en el proceso creativo. Debéis de pensar que no toda la música que hagáis se debe sacar pero de toda sesión es productiva aunque pensemos que no. Acabar tus temas te acostumbrará a hacer esto con los siguientes, lo que será muy beneficioso para ti.

 

5. Desarrolla tu aprendizaje: 

En el mundo de la producción musical nunca se deja de aprender. A nuestro alcance está una gran cantidad de conocimiento referente a producción, mezcla y mastering gracias a la cantidad de tutoriales que existen, cuentas de redes sociales sobre música y los cursos que se imparten. Por eso te recomendamos que des un paso adelante en tu carrera y optes por hacer algún curso de producción musical o mezcla. En DJP Music School estaremos encantados de conseguir eso, ten en cuenta que tenemos programas de corta, mediana y larga duración, seguro se adaptan muy bien a lo que estás buscando. Puedes ver nuestros diferentes cursos haciendo clic aquí.

 

 

Esperamos que estos consejos te ayuden a empezar el 2022 con otra visión sobre la música y su proceso creativo.

Te deseamos felices fiestas y un 2022 lleno de música

 

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Cómo promocionar tu música en Redes Sociales

Capta la atención de tus fans con tus perfiles sociales

El avance tecnológico ha facilitado en gran medida el acceso a la música. No solo por la cantidad de dispositivos en los que podemos consumirla, también por los medios para poder llegar a ella.

Esto hace que nos sintamos saturados de música, ya que nunca podremos escuchar todas las canciones que están a nuestro alcance. Como consecuencia de todo esto las discográficas, distribuidoras, promotores y empresas de marketing digital tienen un objetivo principal en común: captar la atención de los fans.

En esta nueva entrada queremos darte algunos truquitos para promover tu música y llegar a aquellos que ya te conocen y también a los que están por conocerte a través de las redes sociales. 

¿Por qué es importante que tengas perfiles sociales si trabajas en la música?

Las Redes Sociales han cambiado por completo la forma de comunicarnos: ahora puedes conseguir conectar con personas que se encuentran a kilómetros de ti pulsando un botón. Todo el mundo tiene al menos un perfil abierto en alguna plataforma social. Por eso, tienes que aprovechar la oportunidad que te brindan estas plataformas para darte a conocer ante miles de personas de todo el mundo y de manera inmediata.

Además no necesitarás contar con un presupuesto, ya que en la mayoría de las plataformas puedes crear tu perfil gratuitamente.

Se han dado muchos casos de artistas que han llegado al éxito gracias a los seguidores que fueron consiguiendo trabajando sus perfiles sociales. Uno de los casos más conocidos es el de Ed Sheeran, que se alzó con la fama en 2010 publicando videos con sus canciones en Youtube. 

Pero ¿Cuáles son las plataformas que más te pueden ayudar a captar la atención de tus fans? Vamos a hablar de algunas de ellas.

TikTok

La plataforma creada en 2017 vivió su gran auge en 2020 durante el confinamiento por COVID19, actualmente es una de las Redes Sociales más utilizadas contando con aproximadamente 1500 millones de usuarios activos al mes en el mundo.

La aplicación te permite subir vídeos cortos ambientados con música. Aquí llegamos al punto clave para los profesionales de la industria musical, ya que esa música puede llegar a convertirse en viral. Es decir, compartidas masivamente.

Además, hoy en día es muy común encontrarse con diferentes trends, basados en bailes o retos al ritmo de alguna canción determinada. Por eso, te recomendamos que uses tu creatividad retando a tus seguidores a seguir algún trend con tu música que te sirva para compartir tus canciones y promocionarlas.

Instagram

Esta aplicación nace en 2010, y cuenta en la actualidad con 2000 millones de usuarios activos. 

La plataforma te ayudará a conectar con tu público de una forma más cercana y personal. En ella puedes publicar fotos y videos e historias que puedes dinamizar con tu música. Además, una de las últimas novedades que trajo Instagram es la aparición de los Reels cuyo funcionamiento es muy similar a TikTok. 

Es importante que mantengas tu perfil actualizado y que cuides y trabajes el contenido que publiques para que tus seguidores sigan pendientes de tus novedades. 

Twitch

En un principio, cuando surge esta plataforma en 2011 estaba diseñada para que los jugadores de videojuegos compartieran en directo sus partidas. Pero con el paso del tiempo la plataforma se ha ido renovando y ha acogido a todo tipo de creadores de contenido, incluidos a aquellos que trabajan en la música. Esta renovación ha conseguido que en la actualidad cuente con 140 millones de usuarios activos al mes.

En esta plataforma no solo tendrás la oportunidad de promocionar tu contenido (tu música), también podrás interactuar con tus seguidores en directo, ellos mismos te pueden pedir que cantes o toques algo con tu instrumento

Youtube

Esta red social que fue publicada en 2005 se ha convertido en una de las plataformas de vídeo por excelencia. Esto ha hecho que cuente con un catálogo de videoclips inmenso.

Todos conocemos Youtube, y además tiene como ventaja que para publicar o consumir contenido no hace falta crear un perfil. Con tu misma cuenta de Google podrás acceder a ella. 

Ahora la plataforma cuenta con una sección exclusiva para música, Youtube Music, que también es gratuita.

Si subes tus temas a esta plataforma no solo llegarás a tus fans, también podrán conocerte los cazatalentos de las discográficas, ya que se ha convertido en uno de los mejores canales para conocer a nuevas promesas del panorama musical.

Sound cloud

No podríamos terminar este post sin hablarte de la red social de audio en abierto más grande a nivel mundial. Su origen se da en 2007 y actualmente cuenta con más 20 millones de creadores de música como usuarios.

La principal ventaja que encontrarás en esta plataforma es que, a diferencia de Spotify, no necesitas contar con distribuidoras externas, ya que tú mismo puedes publicar tu propia música.

Además, los oyentes, que no necesitan tener un perfil registrado en la plataforma, podrán comentar qué les gusta de tu música. Y, también, se pueden hacer promociones regalando canciones. 

Estas son algunas de las Redes Sociales más famosas para promover tu música. Es importante que mantengas tus perfiles siempre actualizados y que seas capaz de crear un vínculo con tus antiguos y nuevos seguidores.

No desaproveches las facilidades que te brindan hoy las nuevas tecnologías. Explota tu creatividad y piensa en grandes ideas que te permitan relacionarte con tus fans de manera directa.

Si tu sueño es formar parte del panorama músical y quieres seguir aprendiendo cómo hacerlo tienes que echar un ojo al Máster en Producción Musical que ofrecemos en DJP Music School, donde además de poder desarrollar tu potencial musical aprenderás a crear tus propias producciones y cómo puedes darlas a conocer

 

 

 

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canciones navideñas que mas facturan

Las cinco canciones navideñas que más facturan

canciones navideñas que mas facturan

 

Te contamos cuáles son las canciones de Navidad más rentables de la historia

Ya estamos metidos de lleno en la Navidad, una época de reuniones familiares, comidas, regalos y mucha música, eso sí, casi siempre la misma. Año tras año volvemos a escuchar las mismas canciones en la calle, los centros comerciales, las películas donde cae nieve y seguramente en nuestras playlist de Spotify, también. 

Se trata de hits navideños que nos recuerdan que el año está por terminar. Canciones que todos conocemos y tarareamos en nuestra cabeza sin darnos cuenta. 

Los cinco hits que te presentamos a continuación están presentes todos los diciembres, y son las canciones de Navidad que más ‘royalties’ generan al año.

 

Wham! – ‘Last Christmas’

El dúo británico Wham!, formado por George Michael y Andrew Ridgeley, estrenó en 1984 uno de los temas navideños más icónicos, dos años antes de su separación. Fue escrita por George Michael y vio la luz en Epic Records, consiguiendo altas posiciones en las listas internacionales en los pocos días después de ser estrenada. Actualmente genera, al año, aproximadamente 500.000 euros por derechos de autor.

 

Bing Crosby – ‘White Christmas’ 

La canción original fue estrenada por Irving Berlin en el año 1940 pero es la versión de Bing Crosby la que tiene fama en todo el mundo. Según el libro Guinness de los Récords es el single más vendido de la historia con más de 50 millones de copias y unos beneficios de 53 millones de euros hasta la fecha, ostentando actualmente, más de 100 millones vendidas en todo el mundo. Tiene un historial de más de 500 versiones, en donde aparecen artistas como Lady Gaga, Michael Bublé o Gwen Stefani. Esta versión de Crosby recauda cerca de 400.000 euros al año por derechos de autor. 

 

The Pogues & Kirsty MacColl - ‘Fairytale of New York’

En 1987 la banda británica The Pogues, junto a la vocalista Kirst MacColl, estrenó esta canción navideña que habla sobre los sueños rotos de una pareja de inmigrantes irlandeses en Nochebuena, la cual se ha convertido en un himno en las navidades británicas. Con su enfoque alejado de los tópicos navideños se consolida como un amago de villancico que aún triunfa en esta época, siendo esta una posible explicación para entender su éxito. Artistas tan reconocidos como Ed Sheeran o Coldplay la han versionado y recauda cada año más de 515.000 euros.

 

Bobby Helms – ‘Jingle Bell Rocks’

Se trata de uno de los temas más icónicos de cada Navidad, sobre todo en Estados Unidos, pero no muchos saben la extraña historia que se esconde detrás de sus derechos. ‘Jingle Bell Rocks’ fue estrenada por Bobby Helms en el año 1957 y desde su estreno ha estado presente en numerosos anuncios, programas de televisión y películas navideñas. Aún se considera la primera canción navideña de rock & roll, lo que explica la sensación que causó y sigue causando. ¿Qué ocurrió? Fue compuesta por Joseph Cartelon Beal y James Ross Boothe aunque Bobby Helms y su guitarrista Hank Garland disputaron sus derechos, que afirmaron hasta la muerte que fueron ellos quienes la escribieron ya que la canción original se llamaba ‘Jingle Bell Hop’.

Hank estuvo parcialmente paralizado por el resto de su vida y nunca recuperó la destreza para tocar la guitarra, falleciendo en 2004. Bobby Helms falleció en 1997 y ninguno de los dos recibieron ninguno de los millones de euros que se les debían por derechos de autor, siendo una de las estafas con mayor controversia de la historia. Lo peor de todo, es que este tema sigue generando mucho dinero cada año siendo un misterio quien lo recibe.

 

Mariah Carey – ‘All I Want for Christmas Is You’

¿Esperabais este tema verdad? No podría faltar uno de los clásicos de todas las Navidades. La americana Mariah Carey tiene una fábrica de dinero gracias a este tema, el cual compuso en el año 1994 en su cuarto en solo 15 minutos. A día de hoy tiene más de 900 millones de reproducciones en Spotify, apareciendo en cientos de películas navideñas y siendo versionada por artistas como Ariana Grande, Kylie Minogue o My Chemical Romance. Cuando se aproxima la Navidad la americana se frota las manos ya que genera, nada más y nada menos, que entre 530.000 y 884.000 de euros por derechos de autor solamente en el mes de diciembre, lo que le ha hecho recibir más de 50 millones de euros desde su estreno. No es ella sola la que se ve beneficiada, su socio Walter Afanasieff, quien también participó en la composición, se embolsa al año 530.340 euros. Todo un seguro de vida.

 

¡Aquí te dejamos la playlist con las canciones navideñas más escuchadas de todos los tiempos!

 

Ahora que sabes esto ¿por qué no te animas a crear el próximo hit navideño? 

Ya sabes, haz algún tema memorable que se pueda repetir año tras año y no tendrás que preocuparte de nada más. Eso sí, ten en cuenta que para crear una canción exitosa hacen falta conocimientos y un sonido trabajado y profesional. 

 

 

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Prueba tu talento como compositor de villancicos, ya has comprobado que puede salir muy rentable ;)

 

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Cómo empezar en la composición musical

Cómo empezar a componer una canción

Tienes la melodía en tu cabeza, un estribillo pegadizo y sabes lo que quieres transmitir. Pero… ¿no sabes cómo comenzar a componer tu primera canción? ¡Pues sigue leyendo! Porque en este post te daremos algunos tips para que comiences a componer tus primeros temas siguiendo la manera tradicional.

Lo primero que debes saber es que para componer tu primera canción es fundamental tener paciencia, ya que la música no es una ciencia exacta y no podrás escribir tu tema de la noche a la mañana.

También tendrás que ser realista, seguramente tu creación no se convierta en el próximo hit del verano. Pero no desesperes, primero tendrás que probar diferentes técnicas y métodos hasta conseguir ese “temazo” que siempre has deseado.

¿Estás listo para comenzar a componer? ¡Nos adentramos en los primeros pasos!

 

Elementos de una canción

Seguramente estés deseando coger tu instrumento y empezar a crear acordes y melodías. Pero vayamos paso a paso.

Antes de comenzar con tu canción debes conocer la forma y los elementos que ésta debe tener. 

Es cierto que las canciones no son iguales a otras expresiones artísticas, ya que son una mezcla entre diferentes artes (música y poesía) y diferentes elementos. De esta manera las canciones son mucho más libres a la hora de ordenar los elementos y decidir su forma.

Existen canciones sin forma, otras sin letra. Algunas solo tienen versos o estribillos. Pueden presentarse como una historia o ser una carta dirigida a alguien. En conclusión, existe una infinidad de tipos de canciones.

Tendrás que decidir qué elementos quieres que aparezcan en tu canción y cómo organizarlos para crear tu estructura.

Sin más preámbulos vamos a adentrarnos en los diferentes elementos que puedes introducir en tu primera canción

 

Introducción

La introducción es una parte única, es decir, que no se repite después, que da comienzo a la canción

Puede ser una armonía o algo más elaborado. Debe establecer las expectativas del oyente de lo que está por venir de manera que captemos su atención y generemos el ambiente deseado.

Su duración suele ser entre 5 y 15 segundos. En algunos casos llega a durar hasta un par de minutos. Esto dependerá de la duración total del tema. 

Un ejemplo de introducción llamativa es la introducción de Easy Lover de Phill Collin y Philip Bailey. Dos estallidos de batería interpretados por Collins que se acompañan de un acorde de sintetizador anuncia la llegada de un riff (frase repetida en varias ocasiones) con mucho estilo. 

Verso

Posiblemente sea el elemento primordial, ya que es donde se desarrolla la idea musical y la historia de la canción.

Su duración y cantidad depende de cada canción. Normalmente los temas cuentan con unos 4 versos, pero esto depende de la duración, el ritmo y la cantidad de líneas. 

Consideramos versos a aquellas partes de la canción cuya música es igual o muy parecida y la letra es distinta

Un ejemplo de verso podría ser:

Limpia va el agua del río

Como la estrella de la mañana

Limpio va el cariño mío

El manantial de tu fuente clara”.

Este verso precede al estribillo en la canción Como el agua interpretada por Camarón de la isla.

Pre-estribillo o Pre coro

Este es el elemento es un paisaje o arreglo musical que une al verso y al estribillo en el caso que estos compartan un mismo patrón armónico.

Evita que tu canción se estanque en la monotonía con un nuevo patrón armónico. 

Estribillo o coro 

El estribillo es la estrofa que se repite varias ocasiones en la canción, normalmente se repite antes o después del verso.

Su principal función es destacar la idea de la canción en la letra y la idea musical. 

Normalmente el estribillo contrasta con los versos en armonía, ritmo y melodía. Además, en él se suele trabajar más el dinamismo, la instrumentación o los silencios para conseguir la ruptura con los versos.

En la música comercial el estribillo es sumamente importante. Muchas veces lo podemos encontrar repetido al inicio y final de una canción.

En Radio Ga Ga de Queen el estribillo es:

All we hear is radio ga ga

Radio goo goo

Radio ga ga

All we hear is radio ga ga

Radio blah blah

Radio, what's new?

Radio, someone still loves you”

En esta canción el estribillo se repite en dos ocasiones.

Puente musical 

Es el elemento que normalmente introduce contrastes a las demás partes de la canción y construye una armonía entre ellas.

El puente sirve para que no caiga en una simetría y repetición predecible. Debe ser diferente al verso y al estribillo. 

Normalmente los puentes se construyen a través de “solos” de algún instrumento, paisajes instrumentales o melodías cantadas o habladas. 

Por ejemplo, en canciones de Rock es muy frecuente encontrar puentes construidos con solos de guitarras. Como ocurre en este tema de Guns N’ Roses llamado November Rain.

Cierre o final

Existen muchas formas distintas de terminar tu canción , puede ser un quiebre violento con un silencio o una sucesión de acordes.

Comúnmente las canciones suelen terminar con el estribillo acompañado de un “Fade Out”, es decir que el volumen del estribillo disminuye hasta el silencio.

Un ejemplo de esto es la canción Corazón Partío de Alejandro Sanz.

Primeros pasos para componer una canción

Una vez que conocemos la estructura básica y los principales elementos que puedes introducir en tu canción es hora de ponerte manos a la obra. 

Recuerda que en composición todo es posible. Lo que tienes que hacer es elegir un punto de partida y continuarlo.

A continuación te indicamos los primeros pasos que debes realizar para escribir tu primera canción

Decide cuál será el tema y lo que quieres transmitir con tu canción 

Antes de comenzar a componer tu canción es muy importante que establezcas tu idea de manera clara.

Tu canción debe decir algo, con ella tienes que conseguir que el oyente sienta aquello que quieres transmitir

Decide si tu canción va a tener letra o no 

Aunque sabemos que estás deseando ponerte a escribir versos como un loco te aconsejamos que dejes esto para más adelante. Lo primero que debes considerar es si tu canción va a necesitar letra o no

Esto es importante porque tu decisión determinará si la melodía tiene que ajustarse al ritmo de canto o no. 

Elige un instrumento para componer

Aunque pienses que para interpretar tu canción necesitas diferentes instrumentos te recomendamos que utilices sólo uno, aquel con el que te sientas más cómodo.

Puede ser un piano, una guitarra, un sintetizador… Eso depende de ti.

Escribe la letra

Una vez que tengas las ideas claras de lo que quieres en tu canción es el momento de empezar a desarrollar.

Si finalmente has decidido que tu canción tenga letra te recomendamos que te hagas con un diccionario de ritmos, te será muy útil para encontrar la inspiración. 

Escribe la letra con la melodía en la cabeza. Te ayudará cantarlas tocando el instrumento que hayas elegido para componer. 

Crea un primer borrador 

¡Ha llegado el momento! Toma el instrumento y enciende la grabadora. 

Comienza a grabar todo aquello que se te ocurra. Verás cómo una vez que empieces a tocar las ideas vendrán solas a tu cabeza. 

Te aconsejamos que en ese primer borrador no compongas parte por parte y nunca lo edites, es importante que lo tengas siempre presente. Cuando tengas el boceto completo verás con mayor claridad aquello que suena bien y cómo organizarlo.

Determina la melodía, la clave y el gancho de tu canción 

Uno de los aspectos más importantes a la hora de componer una canción es tener claro el ritmo, es decir la melodía, ya que es con lo primero que se quedan los oyentes. 

¿Cuántas veces has sabido tararear una canción pero no has podido decir ni su título ni cantar la letra? ¡A eso nos referimos!

También tendrás que decidir la clave en la que quieres que esté tu creación, si quieres tener un tono agudo deberás decantarte por una clave alta; En el caso contrario de querer un tono grave será mejor elegir una clave baja.

Por último, sería conveniente que eligieras el gancho de tu tema. Esa parte que el público va a reconocer incluso antes de escuchar la letra. 

El gancho puede ser instrumental, lírico, de ritmo o melódico

Un ejemplo puede ser Roar de Katy Perry, este es un gancho melódico. Ya que la melodía vocal que se añade tras la palabra “Roar” es lo que se quedó en el público tras escuchar la canción por primera vez. 

Elige la estructura de tu canción 

Ahora que ya sabes cuales son los elementos principales de una canción y la estructura básica es el momento de ver qué estructura es la más adecuada para tu canción.

A partir de tu primer borrador organiza las partes y crea la estructura de tu canción

Es muy importante que tengas en cuenta el tipo de canción que quieres hacer a la hora de decidir la estructura. No tiene la misma estructura una canción pop que una canción de rock. 

Principales estructuras de canciones - LANDR

Esperamos que este post te ayude a crear tus primeras composiciones. Si te gusta componer y quieres dedicarte a ello profesionalmente te aconsejamos que mires aqui los cursos que te ofrecemos en DJP music school para ayudarte a conseguirlo. 

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Descubre qué micrófonos son los mejores para tu estudio

Micrófonos_Home_Studio

¿Cuál el es mejor micrófono para mi estudio?

A la hora de elegir un micrófono para tu estudio, debes tener en cuenta tus necesidades.

En otras ocasiones te hemos hablado del ordenador o la interfaz de audio como herramientas imprescindibles, así que esta vez queremos darte algunos consejos para elegir una herramienta esencial que no puede faltar en tu espacio para producir música: el micrófono

Es el aparato que se encarga de recoger sonidos que creamos con voces, instrumentos u objetos y transformarlos en energía eléctrica para que podamos grabarlos y reproducirlos. 

Cada micrófono cuenta con sus propias características, éstas serán determinantes para saber si el micro será el adecuado o no a la hora de grabar el sonido que quieres. Pueden ser dinámicos o de condensador y luego, unidireccionales, bidireccionales, omnidireccionales… además pueden variar según su sensibilidad y su fidelidad.

Direccionalidad_micrófonos

 

En esta ocasión te mostraremos que micrófonos son común de encontrar en diferentes estudios. ¿Preparado? Coge papel y boli que ¡empezamos!

 

Dinámicos y de condensador: Micrófonos para varios usos

Los micrófonos de condensador están creados para ambientes acústicos preparados como un estudio de grabación, son bastante sensibles y según su polaridad pueden recoger una amplia señal, por esta razón no son recomendables en espacios ruidosos. En cambio, los micrófonos dinámicos están hechos más para el directo o para un concierto y por esta razón pueden ser utilizados en diferentes tipos de ambientes, incluso en el estudio.

Uno de los micrófonos más usados durante décadas tanto en directo como en estudio es el Shure SM57

Shure SM57 LCE

Este micrófono dinámico unidireccional con patrón polar cardioide es comúnmente usado para instrumentos. Es bastante robusto y cuenta con un gran rango dinámico. Es muy versátil, por lo que también podrás obtener buenos resultados a la hora de grabar voces. Su precio suele rondar los 100€, siempre ha sido un micrófono "barato" pero mítico.

Shure_SM57_LCE

Junto a su hermano, el Shure SM58, forman una pareja muy conocida por los técnicos de sonido. El Shure SM58 se usa más para voces en directo, el preferido para cantantes.

Una alternativa de calidad a esta pareja son los micrófonos Audix OM2 y OM3, de patrón hipercardioide, dos micrófonos muy versátiles.

 

Pasando a los micrófonos de condensador, estos son más usados para estudios ya que recogen mejor la señal dada su sensibilidad. Requieren de energía adicional y por eso se debe tener una interfaz de audio (tarjeta de sonido) o una mesa de mezclas que le proporcione el famoso Phantom Power de 48V. Algunos de los micrófonos de condensador más populares son:

 

AKG C414XLS

Es uno de los micrófonos legendarios de los estudios de grabación, cuenta con control de cambio de polaridad en distintos patrones y pads de atenuación. Su registro es bastante claro y exacto y podrás grabar con él desde voces hasta guitarras con gran claridad.

El precio del AKG C414XLS ronda los 760€. Una alternativa bastante poderosa es el Lewitt 640, pero si tu presupuesto es limitado y estás empezando, puedes optar por la versión AGKC214.

 AKG_C414XLSAKG C214

Un micrófono de condensador y diafragma grande ideal para captar los matices de cada interpretación. Al igual que el Shure SM57 LCE es capaz de grabar con muy buena calidad tanto voces como instrumentos.

Lo puedes encontrar por unos 320€ y es muy aconsejable si trabajas a nivel profesional. Es un clásico en los home studio.

AKG_C214

Shure SM7B 

Si grabas podcast o trasmites por streaming, Este micrófono dinámico cardioide es el ideal, ya que ofrece gran claridad y poco ruido externo. Si te decides a comprarlo además también obtendrás un filtro anti-pop.

Su precio ronda los 350€. 

 

Shure_SM7B

Neumann TLM 103

Hablamos ahora de un micrófono de condensador de membrana grande cardioide. Se recomienda principalmente para la grabación de voces e instrumentos acústicos profesionalmente.

Su precio ronda los 1230€, y es recomendable siempre que a medida que puedas mejorar tu set de micrófonos de manera profesional, de igual manera se mejore el equipamiento complementario como tu interfaz de audio o preamplificadores y como no el tratamiento acústico de tu estudio.

Neuman_TLM_103

Audio-Technica AT4050 SM

Podríamos considerar este micrófono de condensador y con gran diafragma como un “todoterreno” ya que sirve para grabar tanto voces como instrumentos de manera muy cristalina.  Además cuenta con diferentes patrones polares: Cardioide, Omnidireccional y Bidireccional lo que te facilitará su colocación a la hora de grabar. Su construcción es robusta y versátil.

Su precio suele estar entre los 720€. También puede encontrar un versión más simple, el Audio Technica AT4040 más económica.

audio_technica_at4050

Del home studio a tu espacio profesional: Newmann U87

Otro micrófono mítico y que forma parte de los grandes estudios de grabación mundial. Especial para grabar voces y tomas aéreas (coros por ejemplo), este micrófono de condensador recoge casi que a la perfección la profundidad y timbre de las voces. Su precio ronda los 2.500€.Neumann_U_87

Esperamos que con estos pequeños consejos comiences a elegir el micrófono más adecuado para tu estudio

Si quieres seguir aprendiendo qué dispositivos necesitas para producir música y mucho más no te pierdas los cursos que ofrecemos en DJP Music School. Te enseñaremos a desarrollar todo tu potencial musical. 

 

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mejores libros produccion musical

Los mejores libros de producción musical

mejores libros produccion musical

En la vida el saber no ocupa lugar y eso mismo ocurre en el ámbito de la producción musical, donde una vez se empieza no se acaba de aprender cosas nuevas. Existen cantidad de fuentes disponibles para el público para que este pueda tener una iniciación a este bonito y complicado mundo o seguir desarrollándose, desde foros, tutoriales, escuelas, etc. En este artículo os traemos alguno de los mejores libros de producción musical, estando enfocados al proceso de la producción y postproducción.

 

Cómo funciona la música, de David Byrne

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Para empezar con nuestra lista de libros no se nos ocurre mejor forma que presentaros ‘Cómo funciona la música’, siendo este el primer paso que todo artista musical debe entender si quiere que su producto tenga sentido. David Byrne ha vivido toda su vida por y para la música y por ello en este libro explica de forma divulgativa, literaria y documentada diferentes nociones de la tecnología musical además de diferentes anécdotas. También, nos presenta un repaso de las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical.

Puedes adquirirlo haciendo click aquí

 

 

Postproducción de Audio Digital: Edición, Mezcla y Masterización, de Lino García Morales

 

La postproducción es el última tema entre el artista y el consumidor de nuestro producto, es decir nuestra canción. Este proceso se divide en edición, mezcla y masterización y es muy importante saber controlarlo si deseamos tener un sonido profesional. Este libro nos dará las pautas para adentrarnos y comprender este proceso, teniendo una peculiar vista sobre lo técnico y lo artístico, ya que estas partes se mezclan para conseguir el sonido que el productor desea.

 Puedes adquirirlo haciendo click aquí

 

 

 

 

 

Mixing and Mastering in the Box: The Guide to Making Great Mixes and Final Masters on Your Computer, de Steve Savage

 

Como os hemos comentado, el apartado de la postproducción es uno de los más importantes ya que es el que hará que nuestras producciones alcancen el siguiente nivel. Con este libro podremos conocer herramientas prácticas enfocadas a conseguir que nuestra música suene mejor, al mismo tiempo que resaltan el arte del proceso creativo. Es un libro aplicable a quienes usan equipos de mezcla analógicos o un híbrido entre herramientas digitales y analógicas. El autor pone al alcance de los lectores secretos de ecualización, delay, reverb, compresión y mucho más.

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Making music: 74 creative strategies for electronic music producers, de Dennis Desantis

 

En este caso tenemos un libro publicado por Dennis Desantis, Director de aprendizaje musical de Ableton. El libro está enfocado en la producción en general, por lo que te servirá si usas Ableton o cualquier otro software de producción. En sus 250 páginas encontramos atajos y consejos que abordan todos esos momentos en los que los productores se siente atascados, tanto para los avanzados como para los que están empezando a hacer música. Dennis Desantis aporta un enfoque práctico, psicológico y teórico sobre este proceso. 

Puedes adquirirlo haciendo click aquí

 

 

 

 

La fábrica de canciones, de John Seabrook

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Y para acabar, un libro que habla de la creación de esos temas que no te puedes sacar de cabeza y que, por ende, se convierten en hits. Está enfocado, sobre todo, en la música comercial y mainstream nombrando a artistas como Ace Of Base o Rihanna, además de contar cómo plataformas como Spotify han cambiado la forma en la que se compone la música y cómo esta se consume. En este libro podrás conocer la historia de la música pop y sus principales protagonistas. Además aprenderás  por qué la música que más suena hoy en día tiene una estructura y una duración concreta.

 

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¿Interesantes verdad? Cómo os dijimos en la introducción el saber no ocupa lugar por lo tanto os recomendamos echarle un vistazo a los cursos que impartimos actualmente si de verdad deseas llegar a un nivel alto en la música, haz click aquí para ver todos los cursos que tenemos en DJP Music School.

 

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"Las cosas que no escuchamos y hacen que todo suene mejor" por Campi Campón

Masterclass Campi Campón  DJP Music School

Tras su paso por DJP Music School, el gran productor musical Campi Campón (Vetusta Morla, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade…) nos dejó grandes highlights que no queremos que dejes pasar.

 

De su charla podemos destacar que:

  • Nosotros como consumidores escuchamos música, pero no somos conscientes de todos los factores que hacen que los sonidos y las ideas se materialicen. Esos factores son los que generan los procesos creativos  y son responsabilidad del productor musical.
  • Una de las funciones del productor es generar que esos complejos procesos creativos (que destapan inseguridades y generan muchas dudas) fluyan de la manera adecuada.
  • Los instrumentos, los plugins, los aparatos, son herramientas que ayudan al proceso creativo, pero no son lo fundamental, y no debemos destinar todos los esfuerzos y recursos a tenerlas, pensando que van a garantizar la calidad de la producción.
  • Una de las tareas del productor tiene que ver con lo emocional, con lo psicológico. A veces es tan sencillo como conseguir un buen ambiente de trabajo. Esto parece una obviedad pero no siempre se consigue.
  • Las emociones, la comida, el clima… hay un montón de factores que rodean a la producción musical y deben ser tenidos en cuenta para garantizar un buen proceso creativo. 
  • Quienes piensen en la producción como profesión deben darle importancia a la actitud frente a las cosas y al sentido común a la hora de organizar un proyecto.
  • Las decisiones creativas casi nunca son técnicas. No se transmiten físicamente al disco, pero generan la magia que se necesita. Tu como productor tienes la responsabilidad de tomar las decisiones correctas y generar esto.
  • Una canción tiene que tener letra, melodía, música, y una cuarta cosa que nadie sabe lo que es pero que es lo único que importa.
  • Magia, duende según los flamencos, conexión… no es algo matemático, es algo que sucede y que pertenece al misterio de las grabaciones. Los productores debemos ser capaces de generar esa cuarta cosa.

 

 

Después de la sesión, podemos concluir que:

  • La producción musical tiene que ver menos con técnica y más con emociones.
  • Los productores debemos tener muy en cuenta todos los factores físicos, emocionales y técnicos, que envuelven la producción musical.
  • En la actualidad, la tecnología ha permitido que tengamos acceso a un sin fin de herramientas y plugins y librerías que ayudan a la producción pero que de alguna manera hacen que las posibilidades de hacer algo creativo y único se pierdan.
  • Es importante que los procesos sean abiertos, y que sucedan cosas inesperadas.
  • Cuantas más participen en un proceso creativo, más enriquecedor será.

 

Masterclass Campi Campón en DJP Music School

 

Masterclass Campi Campón en DJP Music School

¡Gracias a todos por venir!

 

Te dejamos aquí una playlist, en la que hemos recopilado algunos de los éxitos que ha producido Campi Campón:

 

 

¡No te pierdas todos los eventos que realizamos en DJP Music School, y permanece al tanto de nuestra agenda!

 

Eventos de DJP Music School

 



Cornelia Jocobsdotter y David Zandén - Productores musicales de Hold me Closer

¿Quién está detrás de las mejores canciones de Eurovisión 2022?

 

Cornelia_Jocobsdotter_David_Zandén_Productores_Hold_Me_Closer_Eurovisión_2022Cornelia Jakobs, David Zandén e Isa Molin celebrando su victoria en el Melodifestivalen 2022. Foto: Robin Lorentz Allard

Conoce a los productores de las canciones mejor valoradas en Eurovisión 2022

El 14 de mayo de 2022 se realiza la mayor celebración musical en Europa con la 66º edición del festival musical Eurovisión bajo el lema “el sonido de la belleza” en Turín. En ella se enfrentan 40 países para conseguir el micrófono de cristal, el galardón que se otorga al ganador.

Los presentadores del evento y anfitriones Laura Paussini, Alessandro Gattelan y Mika conducen el evento frente a 12.350 personas que acuden al Pala Olímpico, uno de los estadios polivalentes más grandes de Italia, y ante los millones de espectadores que lo siguen por televisión.

Alemania, España, Reino Unido y Francia junto a Italia, ganadora de la edición pasada, forman parte del “BIG-5”. Por lo tanto, quedan exentos de las semifinales disputadas los días 10 y 12 de mayo que enfrentan al resto de países hasta conseguir a los 25 países participantes que luchan por coronarse en la gran final.

 

Top 5 mejores canciones de Eurovisión según los fans

Desde 2007 se realiza una encuesta a todas las asociaciones de fans oficiales europeas conocida como la OGAE Poll.

Los participantes votan a las canciones del festival utilizando el sistema de votación oficial. Esta encuesta ha conseguido acertar el ganador en cinco ocasiones, la última fue en 2018, cuando se alzó con la victoria Israel y su famosísimo tema “Toy” interpretado por Netta.

Según los resultados, este año el micrófono de cristal se lo merece la propuesta de la artista sueca Cornelia Jakobs y su tema “Hold me closer” otorgándole un total de 393 puntos. A solo 6 puntos de distancia nos encontramos con la balada romántica de Mahmood y Blanco llamada “Brividi” para representar a Italia.

Resultado_Final_OGAE_Poll_2022_Eurovisión

La medalla de bronce se la lleva la representante de España en el festival, Chanel, con su canción “SloMo”  que suma un total de 294 puntos.

La artista y su tema, que en un principio estaba pensado para Jennifer López, ha regalado a los eurofans españoles la posibilidad de soñar con las primeras posiciones después de estar varios años a la cola. Muchos la ven ganadora, y no se merece menos, pues el año pasado España se encontraba en esta encuesta en la posición 29º con un punto.

El cuarto puesto lo consigue Países Bajos con un total de 218 votos por parte de las asociaciones. El tema de S10, que recupera el neerlandés, llamado “De diepte” ha cautivado a los eurofans.

Este top lo cierra Reino Unido con“Space man”, canción interpretada por Sam Ryderl. Los seguidores del festival le otorgan 204 puntos.

 

Productores musicales de las canciones TOP de Eurovisión 2022

Detrás de toda gran canción hay un gran productor musical. Sin ellos las propuestas no tendrían esa chispa que las hacen tan especiales. Por eso, te queremos presentar a los productores musicales que están detrás de las canciones mejor valoradas esta 66ª Edición.

 

Cornelia Jakobs

Cornelia no solo interpreta su tema “Hold me closser”,  también ha sido compuesto y producido por ella.

La artista comenzó su carrera en el grupo femenino Love Generation. La agrupación se presento al Melodifestivalen, el festival que elige la canción que representará a Suecia en Eurovisión, en dos ocasiones, una en 2011 y otra en el año posterior. Durante los siguientes años ha lanzado 10 sencillos. Uno de ellos, “Weight of the world”, se convirtió en 2020 en la banda sonora de la serie Björnstad. Este año ha lanzado su carrera en solitario y ha conseguido ser la representante de su país en el festival.

David Zandén 

Zandén es el compositor musical que ha trabajado junto a Cornelia para producir ”Hold me Closser”. El músico es conocido por formar parte del grupo musical Wintergatan, una banda sueca de folktrónica y minimal que destaca por el uso de instrumentos fuera de lo común como puede ser una máquina de escribir para la percusión. El álbum más destacado de la banda recibió el mismo nombre que el grupo y fue lanzado en 2013.

Curiosamente “Hold me closer” es el primer tema en el que el artista se atreve a probar sus dotes como productor musical. Podemos decir que vale para ello, pues, su primer tema como productor formará parte del festival musical más importante del mundo.

 

Michelangelo

El artista italiano se ha encargado de la producción musical de “Brividi”. Pero, ahí no queda su participación eurovisiva, también fue el encargado de acompañar en el piano a los artistas que participaron en el festival de San Remo, festival que decide la canción que representará a Italia en Eurovisión. En 2016 el músico descubre su pasión por la producción musical y ha llegado a producir la música de artistas como Sina o Frada.

Keith Harris

Es uno de los compositores del tema que lleva España al festival, “SloMo”. Harris es un productor discográfico, compositor y multiinstrumentalista de Estados unidos. Ha formado parte como productor de títulos muy conocidos como “Perfume” de Britney Spears o “The Girl Is Mine” de Michel Jakson. También ha sido el compositor de temas tan famosos como “Its my birthday” de Will I am. Algunos de los sencillos en los que ha trabajado han sido nominados al Grammy consiguiendo en una ocasión el Grammy a Best R&B Performance By A Duo Or Group With Vocal en la 25º edición con el tema "Let it Wip".

 

Arno Krabman

El productor musical de "De Diepte" ha trabajado en la música como compositor, guitarrista y compositor. Es el propietario y fundador de Graveland Studio.

Actualmente Krabman es un productor muy reconocido por jóvenes talentos y artistas reconocidos. Algunas de sus producciones se han convertido en grandes éxitos y han llegado a ser galardonadas.

Ha trabajado en Los Ángeles, Suecia, Inglaterra y Alemania probando las colaboraciones entre artistas de diferentes países y expandiendo su red a nivel internacional.

Algunos de los discos en los que ha trabajado son “Hydra” de Within Temptation o “Drive” de Anneke Van Giersbergen.

Koz

El encargado de producir “Space man” es Stephen Kozmeniuk, más conocido como Koz. Es un productor discográfico, compositor, ingeniero e instrumentalista.

El productor ha trabajado con grandes estrellas como Nicki Minaj y su canción “Up in flames” o Madonna con temas como “Gang Bang”.

Además, ha estado dos veces nominado a los premios Grammy en la categoría Album del año. La primera vez fue en la 58º edición de estos premios von el album “To Pimp a Butterfly” y la segunda en la 63º edición con el disco “Future nostalgia” de Dua Lipa.

 

 

 

¡Aquí te dejamos una playlist con algunas de las canciones en las que han participado estos productores!

¿Conocías a estos músicos?

Como has podido ver en Eurovisión podemos encontrar todo tipo de productores, desde los que tienen una larga trayectoria hasta los más noveles.

Todos tienen las puertas abiertas en el festival musical más importante del mundo ¡y tú puedes ser uno de ellos!

Consigue todos los conocimientos que necesitas para formar parte de estos productores con nuestros cursos. Aquí podrás ver lo que tenemos preparado para ti.

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Larga vida al Heavy Metal. Descubre en su día lo mejor de este género

Ronnie James Dio junto a Heaven & Hell, 2007

16 de Mayo: Día Mundial Del Heavy Metal

Cada 16 de mayo se celebra el Día Mundial del Heavy Metal para conmemorar el fallecimiento del vocalista italiano americano Ronnie James Dio en 2010. 

El vocalista es considerado la voz de este género musical debido a su poderoso rango vocal siendo capaz de cantar en tonos graves y agudos, es conocido por su participación en importantes bandas de Metal como Rainbow, Black Sabbath o Dio y Heaven and Hell.

La historia del Heavy Metal

Este género musical nació en Reino Unido durante la década de los 60. Sus orígenes se encuentran en el Blues Rock, El Hard Rock y el Rock Psicodélico.

Se caracteriza principalmente por el uso de guitarras fuertes y distorsionadas; sonidos del bajo y la batería densos; y voces muy agudas o guturales (gruñidos). Además, sus ritmos son enfáticos y sus volúmenes muy altos.

A día de hoy no se sabe con certeza cuál fue la primera banda de Heavy Metal, pero sí se consideran pioneras a Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath

A mediados de los 70 surgió una nueva ola de grupos de Metal, algunas de las más importantes fueron Iron Maiden o Saxon

Integrantes_Led_Zeppelin_Heavy_MetalIntegrantes de Led Zeppelin: John Paul, Jones Robert Plant, Jimmy Page y John Bonham.

Durante los años 80 este género musical mantuvo su popularidad con bandas como Mötley Crüe y Poison

Además, en esta misma época, surgieron subgéneros del Heavy Metal; Uno de ellos fue el Glam Metal, representado por grupos como W.A.S.P. o Bon Jovi que lideraron ventas y listas de los mercados más importantes. El otro, fue el Metal Extremo, que estuvo liderado por bandas estadounidenses como Metallica o Slayer

Este subgénero fue muy importante también en Alemania dónde surgieron agrupaciones como Destruction o Sodom.

Una vez entrada la década de los 90 este género fue perdiendo su éxito comercial debido a la aparición de nuevos sonidos alternativos alejados del Metal. Sin embargo, mantuvieron su popularidad  en zonas como Europa Continental, Latinoamérica y Japón. Además, allí, se vivió el auge de otros subgéneros como el Power Metal en el que destacan grupos como Helloween, el Death Metal representado por bandas como Cannibal Corpse o el Black Metal interpretado por agrupaciones como Gorgoroth.

Gorgoroth_Actuando_Heavy_Metal

Guh.Lu, Fabio Zperandio, Hoest e Infernus actuando en São Paulo en 2012.

Actualmente, el Heavy Metal cuenta con miles de subgéneros derivados de otros estilos como la música clásica, la música industrial, o el rap.

Aunque su popularidad ha sabido mantenerse en Europa, Japón y Latinoamérica destaca el auge que vive en en los países nórdicos, sobre todo en Finlandia, que es considerada la “Tierra prometida del Heavy Metal”. Esto se debe a que en el territorio existen más de 50 bandas de Metal por cada 100.000 habitantes.

Productores de Heavy Metal más importantes

A lo largo de la historia del Heavy Metal han existido ciertos productores musicales que han aportado una inmensa calidad a los sonidos del género. Han sido sus trabajos y sus logros en este estilo musical los que les han convertido en leyendas.

Para conmemorar el Día mundial del Heavy Metal hemos querido hacer un repaso por aquellos productores más influyentes del género.

Bob Rock 

Robert Jens Rock, más conocido como Bob Rock comenzó su carrera estística en Canadá como guitarrista. Fue en 1983 cuando empezó a trabajar como ingeniero de sonido asistente en los Little Mountain Studios de Vancouver. La producción de “Kingdom Come” el disco debut de la banda, que recibe el mismo nombre, es el trabajo que le hace consagrarse como Productor Musical.

Desde entonces, ha trabajado proporcionando sonidos más elaborados a grupos como Aerosmith, Mötley Crüe o Bon Jovi.

Destaca su experiencia con Metallica para quienes produjo The Black Album, el éxito mundial homónimo de la banda y los discos sucesores “Load”; “ReLoad”; “Garage Inc”; “S&M”; y “St. Anger”.

Scott Burns

Burns es un productor estadounidense que ha trabajado en numerosos títulos de Death Metal entre 1980 y 1990. 

El inicio del productor en el Death Metal surgió en un concurso de bandas, en una época en la que ya existían muchas bandas reconocidas, Burns ayudó a un grupo de amigos en la producción en directo para dicho concurso consiguiendo la victoria.

Desde entonces produjo numerosos discos que son considerados joyas del Death Metal para importantes grupos y que le han hecho llegar a considerarse uno de los productores de Death metal más importantes de la historia.

Su año más importante fue 1991 cuando produjo discos para bandas importantes. Algunos de ellos son “Human” para Death; “Testimony of the Ancients” para Pestilence; o  “Butchered at Birth” para Cannibal Corpse.

Martin Birch

El productor o ingeniero de sonido británico consiguió su fama internacional produciendo la música de importantes bandas británicas. 

Su intervención más importante fue su trabajo con Iron Maiden, pero también ha trabajado con otros grupos como Deep Purple o Fleetwood Mac.

Algunas de sus obras más importantes como productor son “Last Concert in Japan”, un álbum de Deep Purple; “Mistery to Me” para Fleetwood Mac o “The number of the Beast” de Iron Maiden.

Su carrera terminó tras producir “Fear Of the Dark en 1992, un álbum de Iron Maiden. Después sólo produjo trabajos muy ocasionales.

Terry Date 

El artista estadounidense es un productor discográfico e ingeniero de sonido especializado en Rock y Heavy Metal. 

Wes Worlan le consideró “el mejor ingeniero del mundo”. Con su técnica ha conseguido convertir discos de Heavy Metal en maravillosas obras de arte.

 Algunos de sus trabajos son “Cowboys from Hell” para el grupo Pantera; “Time Does Not Heal” para Darck Angel; o “The Years of Decay” para OverKill.

También ha producido discos de Jazz y Hip Hop, como el disco “Greatest Hits” de Snoop Dogg

Andy Sneap 

El músico y productor inglés es conocido a nivel mundial por ser el guitarrista de la banda Trash Metal Sabbat. En la actualidad cuenta con su propio estudio Backstage Studios que fundó en 1994. 

Ha sido dos veces premiado al Grammy, un en Suecia por su trabajo en “Deliverance” de Opeth; y otro norteamericano por su labor en “The End of Heartache” de Killswith Engage

Algunos de sus trabajos como productor son Through the Ashes of Empires” para Machine Head o “Caravan Beyond Redemption” para Cathedral. 

Chris Goss 

El productor estadounidense es conocido por su especialidad en grupos de Stoner Rock y Hard Rock. Además, es guitarrista y vocalista de su propia banda llamada Masters Of Reality, uno de los grupos más importantes de Stoner Rock.

Además de contar con su propia banda, con la que comenzó su carrera profesional,  ha trabajado para otros grupos como Kyuss o Melyssa Auf der Maur.

Algunas de las obras que le han convertido en leyenda son “Blues for the Red Sun”, un álbum de Kyuss o “Flak 'n' Flight” un disco de Masters of Reality.

Como has podido ver los productores musicales son figuras muy importantes en el mundo de la música. Su trabajo puede convertir un tema en una verdadera obra maestra. 

Ellos ya se han convertido en leyendas con sus temas. ¿Y a ti? ¿Te gustaría convertirte en un gran productor músical? Podrás hacerlo consiguiendo la formación adecuada.

Si quieres alcanzar tus metas, clica aquí para poder ver los cursos que podrán ayudarte.

 

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Productores musicales que han hecho historia

 

En la historia de la música ha habido cantidad de artistas que han destacado por encima del resto, consiguiendo, con creces, el título de leyenda. Este denominativo se consigue debido a que su estilo innovase con la época consiguiendo el nacimiento de un nuevo género o debido a sus producciones y las consecuencias de estas o sus logros en el panorama musical. En este artículo os vamos a nombrar a algunos productores que han hecho historia en la música.

 

Rick Rubin

Empezamos nuestra peculiar lista con un productor muy ecléctico que ha sido galardonado en numerosas veces con el Premio Grammy. El americano Rick Rubin destacó por sus trabajos en el panorama rap y heavy metal, siendo una de las figuras más destacadas de la fusión del rap y el hard rock, juntando a Aerosmith y Run D.M.C. en ‘Walk This Way’. En 1984 fundó Def Jam Recordings junto a Russell Simmons, acogiendo a artistas de la talla de Shakira, Rihanna, Jennifer Lopez, Kanye West, Justin Bieber o 2 Chainz. En su historial de producciones aparecen ‘Big Gun’ de A.C.D.C., ‘One Hot Minute’ de Red Hot Chili Peppers, ‘American Recordings’ de Johnny Cash, ‘Licensed to III’ de Beastie Boys o ‘21’ de Adele. En 2007, MTV le nombró el productor más importante de los últimos 20 años.

 

Giorgio Moroder

Otra de las mentes más innovadoras que ha visto la escena de la música. El italiano Giorgio Moroder es uno de los artistas denominados como pioneros de la música electrónica, logrando el impulso que necesitaba la música disco asentando las bases de la escena dance, techno y EDM. Se trata del productor que llevó a una pista de baile un sintetizador Moog, creando el cyborg sónico, siendo menos fríos que los sonidos creados por bandas como Kraftwerk o New Order. Se mudó muy joven a Alemania y fue DJ en Scotch Club, la primera discoteca de la ciudad de Aachen pero su ascenso en la historia comienza en la ciudad de Munich, comenzando a crear lo que se conoce como euro disco. En 1977 lanza junto a Donna Summer ‘I Feel Love’, marcando un momento histórico en la música. 

Es fundador de Musicland Studios, por donde pasaron bandas tan históricas como Led Zeppelin, Queen, Iron Maiden o The Rolling Stones. En el año 93 se retira pero vuelve 20 años después para colaborar con Daft Punk en Random Acess Memories en el track ‘Giorgio By Moroder’, donde se cuenta su propia historia. Después de esto, produjo a cantantes tan prestigiosas como Sia, Kylie Minogue, Britney Spears o Charli XCX.

 

Joe Meek

El inglés destacó por su polivalencia ya que era productor, músico, ingeniero de sonido y compositor, siendo uno de los pioneros del pop experimental y el sonido espacial, consiguiendo ser recordado como uno de los productores británicos más importantes, revolucionando la industria con sus peculiares técnicas. Era un obsesionado de lo espacial, el ocultismo y el mundo de los muertos, realizando trabajos influidos por estas ideas como ‘I Hear a New World’. Produjo a más de 100 artistas durante su carrera, entre los que se encuentran Gary Miller, John Leyton, The Tornados o The Honeycombs. El 3 de febrero de 1967 asesinó a su casera y se suicidó.

 

Sylvia Massy 

Turno para una de las mujeres más importantes de la industria musical. La estadounidense comenzó su carrera en 1984 y su último trabajo data de 2019. Entre su enorme lista de trabajos producidos y mezclados aparecen cantidad de EPs y álbumes, algunos tan destacados como ‘The Broadway Album’ de Barbra Streisand, ‘Starry Night’ de Julio Iglesias, ‘Unchained’ de Johnny Cash, ‘Day Scape’ de Air Dubai, ‘Ignition’ de Annie Mac, el disco homónimo y debut de System Of A Down o ‘Divine Intervention’ de Slayer. Además, diseñó y mezcló varios proyectos para el anteriormente mencionado Rick Rubin en su sello American Recordings. También ha estado presente en festivales de arte, escritura y música.

 

Brian Eno

La vida del inglés siempre ha estado girando en órbita sobre la música. Nacido en 1948, estudió en la Art School Ipswich y Winchester y tras vivir en Londres por una temporada, en 1971 se unió a la banda de rock Roxy Music. Se le considera el precursor de la música ambient, destacado por su experimentación en este ámbito. En su lista de trabajos producidos, se encuentran algunas obras muy destacadas tales como ‘Remain in Light’, de Talking Heads; ‘The Joshua Tree’, de U2; y la denominada ‘Berlin Trilogy’, de David Bowie.

 

Quincy Jones

Nos encontramos con otro artista polivalente. El americano, nacido en Chicago, ha sido compositor, director, arreglista y productor, teniendo en su historial el álbum más vendido de la historia: ‘Thriller’, de Michael Jackson. También fue quien estuvo detrás de sus otros dos álbumes más famosos: ‘Off The Wall’ y ‘Bad’, produciendo también el último álbum de Frank Sinatra. Desde sus comienzos, mostró interés por el R&B y el jazz, frecuentando la fusión de ambos estilos. Fue vicepresidente de Mercury Records, convirtiéndose en uno de los primeros afroamericanos con esa posición en la industria. También, ha compuesto la banda sonora de 33 películas lo que le ha llevado a conseguir un total de 79 nominaciones al Premio Grammy.

 

Trina Shoemaker

Acabamos nuestra lista con una productora de Illionis que empezó su carrera a una edad muy temprana. Su gran oportunidad apareció cuando Sheryl Crow le pidió que produjera su álbum ‘Tuesday Night Music Club’, ganando en 1998 el Premio Grammy a la mejor ingeniera de sonido, así como el mejor disco del año con ‘The Globe Sessions’, el tercer álbum de estudio de Sheryl Crow, siendo la primera mujer en conseguir estos galardones. En 2004 volvió a llevarse un Premio Grammy, esta vez a la mejor producción de un álbum de gospel contemporáneo de Steven Curtis Chapman. En su historial, aparecen trabajados destacados a artistas como Emmylou Harris o Queens of the Stone Age

 

Las facetas del productor musical e ingeniero de sonido han cogido muchísima fuerza con el paso de los tiempos y es en gran parte gracias a los artistas que aparecen en esta lista, la cual podría ser más grande, pero se nos haría interminable. Si habéis leído este artículo posiblemente seréis amantes de la música e incluso haréis vuestras propias producciones, si quieres llevarlas al siguiente nivel y, a lo mejor, ser tú quien hace historia en algún momento haz click aquí para acceder a los diferentes cursos que tenemos actualmente.

 

 

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pirateria musical djp music school

Cómo ha ido perdiendo poder la piratería musical

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Este es un tema que aún siendo mucho menor, sigue siendo un problema hoy en día y afecta a la industria de una de nuestras mayores pasiones, la de la música. En DJP Music School hemos querido hacer honor a la música y a su industria explicando cómo la piratería ha ido deteriorando la escena aún siendo el formato streaming el dominante actualmente.

 

Los inicios de la piratería musical

En el año 1999, el universitario Shawn Fanning desarrolló un programa inspirado en el intercambio de información P2P. Este programa, que fue elaborado junto a Sean Parker, recibió el nombre de Napster y su objetivo era compartir información, comenzando con los archivos mp3. Esto dio paso a la piratería del siglo XXI.

Este descubrimiento supuso una amenaza para la industria musical y para la industria cultural en general ya que millones de usuarios empezaron a utilizar este programa, lo que derivó en una notable bajada de la compra de discos. En el año 2001 un juez ordenó que sus servidores cerrasen y la empresa en cuestión pagó una indemnización de millones de dólares por la violación de los derechos de autor. Al estar Internet tan presente en la sociedad, aparecieron nuevos programas tan populares como Emule, Ares o Audiogalaxy. En 2009 la mayor parte del consumo cultural se realizaba a través de descarga ilegal. Este problema supuso un cambio en la situación de los artistas, distribuidoras, sellos y discográficas, que comenzaron a buscar una nueva forma de actuar y de relacionarse con su público.

 

 

El aumento de los servicios ‘stream-rippin’

Cuando las primeras plataformas de streaming musicales comenzaron a desarrollarse, hace más de 10 años, se creían que iban a ser la solución a los problemas de la piratería pero apareció un nuevo concepto denominado ‘stream ripping’, que es la extracción de una pista de una plataforma para después convertirla en un archivo descargable, siendo esta la forma de piratería con mayor crecimiento, siendo utilizada por tres de cada 10 consumidores de música online. La PRS, la sociedad de derechos de autor británica, realizó un estudio en el que mostraban que del 2016 al 2019 se evidenció que este tipo de programas aumentó en un 1390% en este período de tiempo. Ese mismo estudio reveló que las páginas de piratería musical representaban, nada más y nada menos, que el 80% de las webs británicas que infringían los derechos de autor.

En la primera posición de las plataformas legales más pirateadas se encuentra YouTube, seguido de Spotify, la cual ha tenido que combatir de diferentes formas a estafadores que usan bots para alterar el algoritmo.

 

La piratería pierde la batalla

Pero a raíz del año 2019 las cosas empezaron a cambiar. Desde este año varios estudios indican que las tasas de piratería musical han ido descendiendo a su porcentaje más bajo. Aún teniendo delante estos datos esperanzadores, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica realizó en ese mismo año una encuesta para comprobar cuántos usuarios seguían descargando música sin licencia, consiguiendo un 23%, por lo que aún supone un problema para el sector.

A pesar de estos datos, es una realidad que la piratería ha ido perdiendo mucha fuerza con el paso del tiempo gracias a que los usuarios ven valor a plataformas como Spotify, Tidal o Apple Music.

Se ha observado un incremento en usuarios de plataformas musicales que presentan una edad más avanzada, mostrando que son programas al alcance de todo el público. El auge de estas plataformas es muy real y ha cambiado la mentalidad de la gente a la hora de consumir música, si en 2019 las personas que consumían musical de forma ilegal constituían un 23% en 2018 constituían un 32%. 

 

Fuente: Statista (2021)

 

Las leyes de antipiratería consiguen ganar terreno

Al ser la piratería un negocio ilegal que ha hecho perder mucho dinero al sector, se han incrementado con el tiempo los castigos por esta práctica y es algo que se ha visto reflejado en las leyes de antipiratería. Organizaciones como la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos se encargan de proteger la propiedad intelectual de sellos discográficos, distribuidoras y artistas. Según el país varía las leyes y las infracciones. 

 

Muchas personas indican que la piratería musical ya no está en el día a día de las personas, ya que la forma de consumir ha cambiado totalmente y parece que se ha conseguido el objetivo de cuidar el sector a través de diversas alternativas. 

Y tú, ¿cómo consumes la música?

Desde DJP Music School te deseamos un genial día de la música, que lo pases escuchando lo que más te gusta y descubriendo nuevos estilos y artistas. 

 

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Cómo hacer tu portfolio musical

Portfolio_musical

Crea tu portfolio musical y date a conocer

Contar con un portfolio musical es lo mismo que contar con una gran carta de presentación. Tanto si eres un músico experimentado como si estás empezando es fundamental que tengas un soporte para dar a conocer tu trabajo y la calidad de este. 

Puede que, después de lo que te hemos dicho, te estés preguntando ¿Qué es un portfolio musical? Pues un portfolio musical o prees kit es como un escaparate virtual en el que expones tu experiencia musical

En él tienes que mostrar todos los estudios que estés realizando o hayas terminado; y los trabajos que hayas hecho hasta entonces, pueden ser composiciones, producciones, performances… y todo lo que quieres que vea tu público y muestre tu potencial musical.

¿Por qué debes tener un portfolio musical?

Contar con un portfolio musical es indispensable para poder llevar a cabo un buen marketing. 

Actualmente el marketing es fundamental para conseguir el éxito en cualquier carrera musical. Tienes que saber vender lo que eres para que la gente te conozca. 

Es muy importante que, independientemente del sector de la música al que te dediques, mantengas actualizado tu portfolio. Así seguirás siendo relevante en una industria muy competitiva y que avanza muy rápido como es la industria musical.

¿Qué debe aparecer en tu portfolio digital?

Antes de saber qué tienes que añadir a tu portfolio debes plantearte primero cómo lo vas a hacer. 

Existen múltiples plataformas que te permiten mostrarte como profesional de la música de forma online. Puedes abrir un canal de YouTube, un perfil de SoundCloud, o una página en Facebook

En estos últimos tiempos estamos viendo a diferentes artistas que utilizan otras plataformas como Instagram o TikTok para enseñar sus talentos cómo músicos.

Nosotros seguimos recomendando la página web de toda la vida, para dar una imagen más profesional. Además, en ésta puedes enlazar tus perfiles de las plataformas que te hemos contado antes; y diseñarla de manera más personalizada en la que puedas mostrar tu propia imagen.

Una vez que hayas decidido cómo quieres enseñar tu trabajo es el momento de ver qué elementos son indispensables en tu portfolio musical.

Nombre artístico

Si quieres lograr tu hueco en el mundo de la música es indispensable que las personas sepan quién eres cuando alguien dice tu nombre artístico.

Por eso es muy importante que en tu portfolio te presentes con el nombre por el que quieres que te conozcan profesionalmente. 

Ponlo con una fuente que te represente, pero que también sea legible (esto deberías seguirlo a la hora de diseñar todo tu portfolio), con un gran tamaño. Cerca del nombre (debajo o a un lado, según como quieras el diseño) debes especificar cuál es tu especialidad en el ámbito musical.

Foto de perfil profesional

Es importante que la gente pueda ver en una foto bien encuadrada y de alta calidad quién eres

No es necesario que inviertas mucho dinero en una sesión con un fotógrafo profesional. Pero si es aconsejable que se trate de un retrato realizado con una cámara o smartphone que te aporte buena calidad.

Elige tu mejor outfit para la ocasión, busca un lugar que cuente con una buena iluminación y un fondo interesante. Las fotos de fiesta, de eventos o muy editadas no son recomendables.foto_para_portfolio

Biografía

Algo que no puede faltar en tu portfolio es una biografía sobre tu figura profesional. Un texto que cautive a todo aquel que lo lea, que sea breve y que esté muy bien redactado.

En tu biografía tienes que expresar quién eres y qué te apasiona; cuál es tu inspiración como artista; y lo que has estudiado relacionado con la música.

También puedes hacer un breve recorrido de tu experiencia en la música, si no tienes mucha experiencia puedes hablar de tus proyectos personales.

Trabajos

Tus trabajos son algo que por su puesto no puede faltar en tu portfolio. Puedes mostrarlos con vídeos del proceso, videoclips, pistas musicales con la obra terminada, o mostrar evidencias de tu experiencia profesional, como fotos de los conciertos y eventos en los que hayas participado.

Recuerda que todo el material que subas para mostrar tus proyectos deben tener una buena calidad, una mala calidad en tus evidencias podrían restar prestigio a tu carrera profesional.

trabajos_portfolio_musicalRedes Sociales

En entradas anteriores te hablábamos de las ventajas que tienen las Redes Sociales para promocionar tu música

Este tipo de plataformas es otro gran portal virtual para darte a conocer entre nuevos fans y conseguir oportunidades profesionales.

No dejes el material que has trabajado y publicado sólo en estas plataformas. Enlaza tus perfiles con tu portfolio para que las personas que lo vean puedan llegar a tus perfiles.

Datos de contacto

Por último, pero no menos importante, no te olvides de añadir algún número de teléfono o correo electrónico para que aquellas personas que estén interesadas en trabajar contigo puedan contactarte

En esta parte puede ser perfecta para poner el enlace a las redes sociales, o facilitar un formulario para que el contacto sea más rápido y sencillo. 

contactos_musica_portfolio

¡Recuerda! Es muy importante que lo planifiques todo antes de empezar a crear tu portfolio, no lo hagas deprisa y corriendo.

Intenta trabajar en él de manera consciente, si tienes un evento donde vas a tener la posibilidad de conocer nuevos contactos, prepara y actualiza tu portafolio con tiempo. Recuerda, tu portafolio es tu carta de presentación, y este puede significar tu entrada a la industria de la música.

Un portfolio es más llamativo si cuentas con una buena preparación musical. Por eso, si te quieres seguir desarrollando profesionalmente como músico los cursos de DJP Music School te ayudarán brindándote los mejores conocimientos teóricos y prácticos de música. 

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Graduación 2021 DJP Music School

Revive los mejores momentos de la ceremonia de graduación 2021

Graduación 2021 DJP Music School

En octubre de 2021, luego de muchos meses de eventos virtuales y poco contacto presencial debido a la pandemia, decidimos realizar la Ceremonia de Graduación y Entrega de Diplomas para todos los alumnos de DJP Music School que terminaron sus estudios en 2020- 2021.

En este evento pudimos reconocer el esfuerzo y la dedicación de nuestros estudiantes de DJ Profesional, P.U.MP.: Urban Music Program, Máster en Producción Musical & DJ, y Máster en Producción Musical Avanzada.

 

Durante la ceremonia fueron premiados los alumnos más destacados por su desempeño académico y por la calidad de sus trabajos musicales. 

 

 Marcos García Sánchez Premio a la Mejor Producción Musical

Marcos García Sánchez recibió el Premio a la Mejor Producción Musical 

Ana Villajos Martinez se llevó el Premio a Mejor Estudiante.

 

Hoy más que nunca… Encuentra Tu Sonido

La ceremonia fue la excusa perfecta para reunirnos de nuevo y reencontrarnos, teniendo como premisa que seguiremos acompañando a todos nuestros alumnos y alumnas en el camino que emprenden a partir de ahora. Camino en el que nos une la pasión por la música y el sonido.

ceremonia de graduacion DJP Music School

 

Después de un año raro y fulminante para muchos músicos, salas, productores, eventos, festivales, técnicos y tanta gente vinculada a la industria musical, desde DJP Music School queremos apoyar manteniendo firme nuestro propósito de contribuir a la formación de personas con un sello particular, con ideas auténticas e innovadoras y con la certeza de haber formado a personas que ahora encuentran su sonido.

Muchas gracias a todas las personas que han confiado en DJP Music School para su proceso formativo. Gracias a todos los asistentes a la ceremonia de graduación, y especialmente a los estudiantes que terminaron su etapa en nuestra escuela, pero que comienzan con un reto mayor: la aplicación de todo lo aprendido a su vida profesional.  

ceremonia de graduacion djp music school

¡Enhorabuena a todos y todas! ¡Nos vemos en el camino y, sobre todo, nos escuchamos! 

 

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plataformas colaborativas para hacer música djp music school

3 plataformas colaborativas para hacer música que debes conocer

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Hoy en día la tecnología nos permite que nuestro día a día sea mucho más sencillo, lo que se extrapola a todos los ámbitos. Uno de esos ámbitos es la música. Gracias a Internet podemos acceder a miles de tutoriales, sonidos, plugins, efectos y demás. Las colaboraciones también toman otro rumbo debido a la innovación de la tecnología. Todos los que hacemos música en algún momento hemos querido hacer alguna colaboración, hay cantantes que han buscado a un productor/a y viceversa, artistas que necesitaban a profesionales que mezclen sus trabajos etc., pero por falta de conocimiento o disponibilidad no han podido conseguirlo. En este artículo nos vamos a centrar en las colaboraciones, que se convierten en tareas mucho más sencillas gracias a las plataformas online que os presentamos a continuación.

 

Splice

Splice es actualmente una de las plataformas estrellas para productores musicales. Con ella podemos hacer muchas cosas útiles que seguro mejoran nuestro proceso creativo del día a día. A parte de poder descargar una gran cantidad de samples de todo tipo tenemos la opción de descargar plugins, acceder a proyectos de otros artistas y ver cómo han trabajado, participar en competiciones de remixes, ser parte de una comunidad de productores y productoras y crear proyectos colaborativos en los cuales pueden participar varios usuarios. Es compatible con Ableton Live, Logic, FL Studio, Studio One y Garageband.

 

Hay 3 planes mensuales disponibles: la opción básica con menos funciones por 9.99$ que incluye 100 créditos, 19.99$ con 200 créditos y opciones pro o la versión más completa que por 29.99$ tendremos 500 créditos.

 

Tenemos diferentes pestañas en la página: 

    • Sounds, donde encontraremos los samples. Cada sample que descarguemos nos costará un crédito. La biblioteca de Splice es enorme y podemos buscar por diferentes géneros, key, tempo, instrumentos o si queremos one shots o loops.
    • Skills: incluido en la versión Creator y Creator +. En este apartado podremos encontrar diferentes tutoriales impartidos por profesionales de la música. Cada semana se añaden nuevos vídeos y estos, además, incluyen para descargar los proyectos que se usan en los vídeos para que podamos seguir paso por paso las diferentes indicaciones.
    • Plugins:  en la opción de plugins podemos alquilar VST tan populares como Serum, Pigments 3 u Ozone 9 Advance, su precio mensual varía entre 9.99$ y 19.99$. En este apartado también aparecen dos DAWs que podemos pagar al mes, Studio One 5 y Live 10 Lite. Si lo que queremos son presets de plugins los podremos adquirir por 3 créditos cada uno.
    • Studio: en este apartado es donde subiremos nuestros proyectos y en donde podemos realizar nuestras colaboraciones. Es muy sencillo: subimos el proyecto en cuestión e invitamos a los artistas a través de su email o su usuario de Splice y listo, manos a la obra.
    • Community: en la comunidad podemos descargar y escuchar diferentes proyectos musicales, para ver como otros productores trabajan. Podemos dividir los proyectos por géneros o DAWs. En este apartado también podemos acceder a las competiciones de remixes.
    • Blog: y por último tenemos el blog, donde podemos acceder a artículos, consejos, tutoriales, rutinas y más, todo referente a lo musical. 

 

 

 

Soundtrap

Estamos ante una plataforma que funciona como un DAW y es muy sencillo de usar- Abrimos nuestro proyecto en el que podemos usar los diferentes loops que la plataforma incluye, grabar patrones percusivos pudiendo elegir entre diversos estilos o grabar sintetizadores de muchos tipos. Una vez tenemos nuestro proyecto podemos invitar a otros usuarios para que estos lo modifiquen como quieran o añadan nuevos elementos, haciendo muy sencillo el poder hacer una colaboración. También podemos conectar nuestro propio micrófono, guitarra o cualquier instrumento. Las automatizaciones están disponibles al igual que ocurre en los demás DAWs convencionales y algo curioso de Soundtrap: la función Auto-Tune, con tecnología Antares, está incluida en la plataforma, teniendo la posibilidad de poder modular y modificar nuestras grabaciones de voz. Soundtrap también se dirige a podcasters, ya que la aplicación permite crearlos desde 0 y una vez acabado publicarlo directamente en Spotify. 

En SoundTrap, como ocurre con Splice, también podemos acceder a los proyectos de otros artistas y ver como realizan su trabajo además de poderlos adaptar a nuestro workflow.

 

A parte de poder usarla en web, Soundtrap también está disponible en la Play Store y la App Store, siendo la aplicación perfecta para músicos que tienen ideas creativas en su día a día y quieren pararse a grabar una melodía, un patrón percusivo o lo que sea, pudiendo compartir y reaccionar ante otros proyectos en tiempo real.

 

Tiene diferentes planes: Music Makers por 7.99€ o 11.99€ al mes, que se diferencia en las funciones de las versiones Premium y Supreme, Storytelleres, dirigido a podcasters, por 11.99€ mensuales o Complete por 13.99€, que es el plan que incluye todas las funciones. También podemos usarlo de forma gratuita con un plan mucho más básico pero el cual os animamos a probar.

 

 

 

SoundBetter

 

Esta plataforma está especialmente dirigida a aquellos artistas que están buscando llevar al siguiente nivel sus proyectos, ya que podremos contactar con compositores, productores, cantantes o ingenieros de audio. Podremos publicar nuestro trabajo de forma gratuita, poniéndonos en contacto con quien busquemos aunque la plataforma cobra una pequeña comisión, entendible, ¿verdad?. 

 

Su funcionamiento es muy sencillo: publicamos nuestro proyecto añadiendo su característica, tras esto recibiremos diferentes propuestas de las cuales tenemos que elegir con quien queremos trabajar. Después, gestionaremos su financiación con el proveedor y para acabar recibiendo nuestras canciones. También podemos optar por buscar directamente a la persona que queremos que colabore en nuestro proyecto, pudiendo encontrar a productores que han trabajado para Universal Music, Sony o Warner. Al igual ocurre con los y las cantantes, encontrando a artistas que tienen créditos en Ultra Records, Neflix, Spinnin Records o Mtv.

 

En 2019 fue adquirido por Spotify, formando parte del plan Spotify for Artists, pudiendo así generar ingresos a través de SoundBetter, además de beneficiarse de la red profesional que existe en la plataforma.

 

Si eres artista te recomendamos que le eches un buen vistazo a estas aplicaciones y que elijas la que más te convenza para aumentar la calidad de tu perfil artístico, disfrutando de las diferentes funcionalidades que nos presentan. Si quieres mejorar tu nivel con algún DAW en concreto o quieres mejorar tus habilidades de DJ lo que sí que te recomendamos es que te pases por los diferentes cursos que impartimos, haz click aquí para verlos e informarte. 

 

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mejores compositores bandas sonoras

Los 10 mejores compositores de bandas sonoras

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Una película tiene diferentes elementos con los que poder destacar: su fotografía, su trama, sus diálogos, sus efectos especiales y, lo que más nos gusta, la música, en formato de banda sonora. Se trata de un pilar fundamental del cine, capaz de motivar, entristecer, ponernos en tensión o inspirar diferentes emociones. En el artículo de hoy nos vamos a centrar en este elemento, presentando a algunos de los mejores compositores y compositoras de la historia, que han conseguido muchos elogios y distinciones debido a sus diferentes creaciones.

 

Hans Zimmer

No nos parece mejor forma de empezar nuestra peculiar lista con uno de los compositores más populares de la historia y de la actualidad. Hans Zimmer nació en Fráncfort en el año 1957 y es reconocido como el mejor compositor contemporáneo, habiendo firmado grandes contratos para enormes producciones. Tras una infancia y adolescencia protagonizada por la música clásica, comienza su trayectoria en 1982, poniendo banda sonora a películas como ‘El Rey León’, ‘Interstellar’, ‘Pearl Harbor’, ‘Gladiator’, ‘Piratas del Caribe’, ‘El Último Samurái’ o la reciente y aclamada ‘Dune’. Sin embargo, pese a tener tan importante historia sólo ha ganado un Óscar, en 1994, con ‘El Rey León’. También ha sido el compositor de la música de los videojuegos ‘Crysis 2’ y ‘Call Of Duty: Modern Warfare 2’. Os dejamos un dato curioso sobre él: fue tecladista en varias actuaciones de Mecano.

 

John Barry

El británico es reconocido por ser unos de los compositores de la música del cine más importantes, presentando una carrera plagada de creatividad y elegancia que se extrapoló a diferentes géneros. Nació en York, Gran Bretaña en el año 1933 y sus primeras composiciones estuvieron influidas por la música jazz. Se le identifica, principalmente, por ser el músico de las películas de ‘James Bond’, además de estar presente en otros títulos como ‘Chaplin’, ‘Bailando Con Lobos’, ‘Memorias de África’ o ‘Born Free’. En su palmarés aparecen 5 Óscars y un Globo de Oro.

 

Ennio Morricone

El italiano nació en Roma en el año 1928 y es reconocido como uno de los mejores compositores de la historia, especialmente en cuanto a cine western se refiere. Comenzó a componer en los años 60 y a su espalda se encuentran piezas que ponen banda sonora a famosas películas como ‘La muerte tenía un precio’, ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Cinema Paradiso’, ‘Kill Bill Vol. 1 y 2’, ‘Malditos Bastardos’ o ‘Django, desencadenado’. Ha ganado en su carrera más de 35 galardones, entre ellos un Oscar honorífico que recibió en 2006. Se retiró en el año 2016 tras ganar el Óscar a la mejor banda sonora por ‘Los odiosos ocho’.  Falleció el 6 de julio de 2020 a los 91 años de edad debido a complicaciones producidas tras una caída.

 

Max Steiner

Es considerado uno de los pioneros de la música del cine, estando colocado por la crítica entre los diez más grandes de la historia. Nació en Austria en 1988 y desde pequeño empezó a crear sus propias obras, llegando a dirigir orquestas a los 16 años. Se le reconoce como ser el primer autor de una partitura compuesta explícitamente para una película; ‘King Kong’, adaptando cada escena e imagen con la música, cambiando así el concepto de la banda sonora. Entre sus obras encontramos películas como ‘Casablanca’, ‘Desde que te fuiste’, ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘La extraña pasajera’.

 

Howard Shore

El canadiense, nacido en Toronto en 1946, comenzó su andadura en la música como músico instrumentista de viento en el jazz y oros estilos. Fue parte de la banda Lighthouse hasta 1972 y posteriormente fue el director musical de Saturday Night Live. En su historial como compositor encontramos más de 80 obras producidas, algunas tan famosas como las de ‘El silencio de los corderos’ y ‘El Señor de los Anillos’, ‘Seven’ o ‘El Hobbit’. Su palmarés se forma por 3 Óscars y 4 Globos de Oro. 

 

Alfred Newman

Otro de los representantes más elogiados de la música del séptimo arte. En la carrera de este americano nacido en 1901 aparecen, nada más y nada menos, que 45 candidaturas a los Premios Óscar, recibiendo el premio en nueve ocasiones. En su extendido historial se encuentran películas como ‘Dímelo cantando’, ‘La canción de Bernadette’, ‘La colina del adiós’ o ‘El Rey y yo’. Es, también, autor de la característica sintonía de 20th Century Fox.

 

John Williams

El americano nació en Floral Park, Nueva York en el año 1932. Desde pequeño estuvo rodeado por la música ya que en su familia era el día a día. Desde los 60 hasta 2010 se dedicó a componer obras para algunas de las películas y sagas más importantes de este tiempo. Además, también creaba composiciones clásicas externas al mundo cinematográfico.

En su largo historial encontramos películas como ‘Tiburón’, ‘E.T., el extraterrestre’, ‘La Lista de Schindler’ o sagas como ‘Harry Potter’, ‘Star Wars’, ‘Jurassic Park’ o ‘Indiana Jones’.

 

Rachel Portman

Los comienzos de la británica en el mundo de la composición fueron a una edad muy temprana, a los 14 años. Nacida en 1960, empezó su carrera profesional trabajando en programas y series de TV en la BBC. Ha sido nominada a los Premios Óscars en 3 ocasiones, ganándolo en el año 1996 al poner música a la película ‘Emma’. En su historial de composiciones encontramos ‘La bella y la bestia 2’, ‘Smoke’, ‘The Cider House Rules’, ‘Chocolat’ o ‘La sonrisa de Mona Lisa’.

 

Anne Dudley

Anne Dudley nació en 1956 y su desarrollo musical comenzó en el Royal College of Music situada en Kensington, Londres. Se trata de una artista muy polivalente ya que ha trabajado de compositora, arreglista, directora, orquestadora y productora musical. Destaca por su emotividad a la hora de crear, como ocurrió con las obras compuestas para ‘Los Miserables’, ‘American History X’, ‘El Libro Negro’ o ‘Full Monty’, con la que ganó el Óscar a la mejor adaptación musical en 1979.

 

Jerry Goldsmith

Y para acabar tenemos a otro prestigioso compositor americano. Jerry Goldsmith nació en Pasadena (California) en 1929 y desde bien pequeño mostró su amor por la música, estudiando teoría musical y composición con referentes de la música clásica. En su desarrollo, pasó por varios estilos y en cada nueva composición que creaba los combinaba, comenzando a hacerse un hueco en este mundillo. Comenzó a poner la banda sonora a diferentes películas allá por los principios desde principios de los 60 y no paró hasta su retiro. Ha puesto música a importantes como ‘Mulan’, ‘El Planeta de los Simios’, ‘La Profecía’ o la saga de ‘Star Trek’, siendo nominado al Óscar 17 veces, ganándolo en 1976.

 

Todos salimos del cine de otra forma cuando una buena película es acompañada de una mejor banda sonora, siendo este tipo de obras una demostración artística de grandes dimensiones. No te aseguramos que puedas ganar un Premio Óscar o que tu composición llegue a Hollywood pero sí podemos asegurarte que con nuestros cursos de producción podrás llevar tu música al siguiente nivel, clicka aquí para obtener más información.

 

Si te interesa hacer una buena banda sonora, en DJP Music School tenemos un Higher National Diploma in Music Production, una titulación oficial británica. Al finalizar una de las unidades del Programa Profesional de Producción y Composición Musical, serás capaz de crear una banda sonora para escenas o trailers, podrás musicalizar APPS y videojuegos, y entenderás las diferencias entre composición lineal y no lineal. Mola ¿no? Puedes contactarnos por aquí para solicitar más información

 

 

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Conoce cómo debe ser tu ordenador para producir a lo grande

 

Elementos esenciales que debe tener tu equipo para producir música 

La mayoría de la música que escuchamos en la actualidad ha sido grabada y producida de manera digital.

Si eres un apasionado de la producción musical y estás empezando a crear tus primeras piezas seguramente te preguntes cómo debe ser tu ordenador para producir música de calidad.

No existe un ordenador perfecto para todo productor, ya que las características que debe cumplir tu PC dependerán de diversos factores como el presupuesto, la portabilidad que necesites o la capacidad de procesamiento.

Por eso, en este artículo queremos darte algunas claves para que sepas cómo elegir el mejor equipo para producir tus canciones.

 

Características de un ordenador para producciones musicales 

Antes de comenzar a recomendarte marcas y modelos de ordenadores queremos hablarte de los componentes que deben conformar tu equipo para producir y cuáles son sus características.

Una vez sepas esto eres tú quien debe decidir si quieres buscar un ordenador que cumpla con esto en el mercado o si prefieres hacerte con un PC por piezas y montarlo tú ¡Comencemos!

Procesador 

La unidad central de procesamiento (CPU) o procesador es un dispositivo hardware que se encuentra en cualquier dispositivo programable, como puede ser un ordenador o un smartphone.

Su labor se centra en interpretar las instrucciones de un programa informático realizando operaciones básicas aritméticas, lógicas y externas.

Es decir, es el componente electrónico donde se realizan los procesos lógicos.

La producción musical supone una gran carga en la CPU, por eso, necesitarás un procesador muy potente para poder realizar producciones complejas con varias pistas, multiples muestras de instrumentos...

Es muy importante que elijas un gran procesador desde el principio, ya que después te será muy difícil poder actualizarlo.

Para elegir un buen procesador tienes que tener dos aspectos muy importantes en cuenta;

Uno de ellos son los núcleos que debe tener. Un núcleo puede procesar información por él mismo. De esta manera, cuántos más núcleos tenga tu CPU mayor capacidad de datos será capaz de soportar.

Otro aspecto a considerar es la velocidad del reloj, se centra en medir en GHz (Gigahercios) el número de ciclos que tu procesador puede ejecutar por segundo, es aconsejable hacerse con un procesador cuya velocidad vaya de unos 2’4 a 4’2 GHz. Cuánto más rápido sea mejor nos funcionará.

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Memoria RAM 

La memoria RAM, o memoria de acceso aleatorio, es una memoria de almacenamiento a corto plazo.

Los sistemas operativos de los dispositivos utilizan esta memoria para almacenar temporalmente todos los programas y sus procesos de ejecución.

Cuanto más complejos sean los programas que utilicemos para producir nuestra música se necesitará una mayor capacidad en la memoria RAM.

Por eso, os recomendamos que os hagáis con una RAM que como mínimo contenga 8 GB. Si trabajas con varias pistas grabadas, muchos efectos digitales o bastantes instrumentos virtuales será mejor hacerte con una memoria de 16 GB.

Con el paso del tiempo si es posible aumentar tu RAM. Te aconsejamos que te hagas con un equipo que pueda dar cabida por lo menos a 16 GB de RAM.

Memoria de Almacenamiento

La memoria de almacenamiento es el dispositivo Hardware empleado para almacenar, memorizar y retener la información y el conocimiento que incluimos en nuestro PC en un período de tiempo.

En la actualidad existen tres tipos:

La HHD, o disco duro convencional. Este dispositivo depende de uno o más discos giratorios.

Memoria_Almacenamiento_HDD

La SSD, o unidad en estado sólido, que no dispone de piezas sólidas. Suele ser más rápida, silenciosa y eficaz que el disco duro convencional, pero también su precio es bastante superior.

Disco_Duro_SDD

O, La HDD externo, o disco duro externo que se conecta al ordenador a través de un puerto USB. Este tipo de memoria te permitirá optar por equipos más finos y pequeños.

Disco_Duro_Externo

Los archivos de sonido ocupan una gran cantidad de espacio (una melodía compleja puede llegar a ocupar 1GB), por lo que es recomendable que tu memoria de almacenamiento sea como mínimo de 1TB.

Tarjeta de sonido

Es un dispositivo conectado a la placa base del ordenador o integrado en ésta. Es la encargada de reproducir las señales de audio. Se puede conectar a altavoces, instrumentos, auriculares, micrófonos…

Tarjeta_Sonido_Interna

También existen tarjetas de sonido externas que tienen el mismo precio que las integradas y obtienen mejores resultados.

Tarjeta_Sonido_Externa

Puertos de entrada

Un puerto es una interfaz para enviar y recibir distintos tipos de datos. En la producción musical son muy importantes, ya que gracias a ellos podremos conectar a nuestro ordenador micrófonos, instrumentos y otros elementos de sonido.

Es importante que nuestro equipo cuente con un número generoso de puertos, ya que con cuantos mas contemos más elementos podremos conectar a nuestro equipo, como teclados o paneles MIDI.

Una vez hayas tenido en cuenta las características de estos componentes tendrás que pensar en otros aspectos, como si es mejor para ti un ordenador de sobremesa o portátil. Esto dependerá de tus necesidades.

Si eres una persona que siempre produce en un estudio o en un lugar fijo te recomendamos que utilices un equipo de sobremesa, ya que estos suelen contar con mayor capacidad para soportar los dispositivos de mayor tamaño.

En el caso de ser un productor que realiza su trabajo en diferentes lugares te conviene un ordenador portátil, ya que estos cuentan con la ventaja de transportarse fácilmente. Pero es importante que sea lo suficientemente potente para soportar los componentes anteriormente mencionados.

Ordenador_Sobremesa_Producción_Musical

Modelos de ordenador recomendados

Tras haberte decantado por el tipo de ordenador más conveniente para ti es el momento de empezar a ver que marca y modelo es el que más se acerca a lo que buscas.

A continuación, te dejamos algunos ejemplos:

Apple MacBook Pro 

Si está buscando un ordenador portátil para realizar tus producciones musicales un Macbook es una gran opción.

Si te decantas por este ordenador podrás elegir que su pantalla abarque desde las 13” a las 16”. Y también debes elegir el año del modelo, cuanto más tamaño tenga su pantalla y más joven sea el modelo más alto será su precio.

Su procesador Intel i7 de seis núcleos a 2,6 GHz y su memoria de almacenamiento SSD de 512 GB te permitirá hacer sesiones profesionales sin ningún tipo de lag, chasquidos o estallidos.

Si decides comprar este equipo te recomendamos que te hagas con un disco duro externo de amplia capacidad para poder guardar tus creaciones allí, con el fi de liberar carga a tu equipo.

Además, cuenta con la posibilidad de instalar varias aplicaciones y VST.

MAC_PRO

Microsoft surface studio 2 

Este ordenador de sobremesa cuenta con un buenísimo rendimiento a la hora de producir tu música.

Cuenta con un procesador Intel i7 de séptima generación con 4 núcleos y una velocidad de reloj de 2’9 GHz; una memoria RAM de 16GB y una interna de 1TB SSD, lo que facilita la rápida carga de datos y la amplia capacidad de almacenamiento.

También destaca por su conectividad, pues, cuenta con cuatro puertos USB 3.2; un puerto USB3.2 tipo C; un puerto LAN y una salida de auriculares.

Su estética es muy ergonómica, ya que combina el gabinete con el monitor en un solo componente. Además, el trípode se puede flexionar para utilizar el monitor como un panel de pantalla táctil.

Pesa menos de 10kg y su ancho no llega a los 70 cm.

Microsoft_Surface_Studio_2

 

Dell XPS 8930

Un ordenador de escritorio muy potente y fiable perfecto para producir música y ofrecer un gran rendimiento.

Cuenta con un procesador Intel Core i5 de 6 núcleos de novena generación y velocidades de reloj de hasta 4.1 GHz; una memoria RAM de 8 GB con capacidad de ampliarse a 16 GB; y 1TB de memoria de almacenamiento.

Si te decides finalmente por este PC tendrás que comprar a parte un ratón, un monitor y un teclado. Pero cuenta múltiples puertos, lo que consigue que la conectividad no sea un problema.

Dell_XPS_8930

Apple MAC Mini

EL MAC Mini de Apple es la combinación perfecta, un ordenador de sobremesa totalmente portátil y con una gran potencia.

Tiene un procesador Intel Core i5 de seis núcleos de octava generación que cuentas con una velocidad de reloj de 3.0 GH; Una memoria RAM de 8 GB ampliable y una memoria de almacenamiento de 512 GB en SSD. Lo que consigue que el arranque y la carga del PC sean muy rápidos.

 

También debemos destacar su conectividad, pues a pesar de ser tan pequeño (sólo pesa 1.3 kg) cuenta con cuatro puertos thunderbolt 3 (USB-C); Un puerto HDMI 2.0 y dos puertos USB 3.0. lo que te ayudará a conectar tu ratón, monitor, teclado y todos los componentes externos que desees.

MAC_mini_

Esperamos que después de habernos leído tengas una idea clara de cómo quieres que sea tu ordenador para Producir Música.

Contar con un buen equipo es indispensable, al igual que tener los conocimientos adecuados para poder producir tu propia música.

Te dejamos aquí todos los cursos que puedes realizar en DJP Music School.

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Qué debes hacer si quieres vivir de la música

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Cómo introducirse en la industria musical

Confucio dijo “Escoge un trabajo que te guste y no tendrás que trabajar ni un sólo día de tu vida” ¡Qué razón tenía! Si eres de los que el ritmo corre por sus venas y te apasiona la música seguramente quieras convertirte en un profesional que viva de la industria musical. 

Todos queremos dedicarnos a aquello que realmente nos gusta, y no siempre es fácil. Con este mundo pasa lo mismo, que no es sencillo, pero ¡Tampoco imposible!  Si quieres saber cómo puedes empezar a trabajar en el negocio de la música no te pierdas este artículo, te daremos algunas claves para poder vivir de ella.

 

Lo primero es poner dedicación a todo lo que hagas

¿Estás convencido de que quieres que tus ingresos provengan de esta industria? Lo primero que te recomendamos es que recibas la formación adecuada ¡Nadie nace sabiendo! Busca aquellos cursos o programas que mejor se adapten a ti, tus necesidades y que te enseñen todos aquellos contenidos que sean indispensables para poder formarte como profesional.

En DJP Music School contamos con diferentes programas para aquellos que quieren enfocar su carrera en la producción musical y DJ con formaciones de calidad, modernas y personalizadas. Puedes encontrar todos nuestros cursos aquí, .

Pero no sólo te quedes con lo que te ofrece la formación ¡Sé curioso! Existen libros, revistas y blogs que te enseñarán muchas cosas del mundo de la música, como los géneros y ritmos de moda, nuevas oportunidades con sellos jóvenes, festivales… 

Un libro bastante interesante es Así funciona el negocio de la música de Vicente Maño y Javier Bori. Los autores te cuentan con todo detalle aquellos aspectos que tienes que conocer antes (y después) de firmar tu primer contrato cómo músico basándose en su experiencia personal.  Otro ejemplo es la revista Mondosonoro, en la que podrás encontrar entrevistas a músicos que comienzan su carrera profesional, cuáles serán los próximos festivales, o, artículos de interés. Además, en nuestra web te ofrecemos una gran variedad de contenidos descargables que creemos que te ayudarán bastante. 

Así que ya sabes, si quieres convertirte en un músico profesional consigue formarte adecuadamente y sobre todo busca la perfección en cualquier proyecto que hagas, por muy pequeño que sea, conseguirás diferenciarte de los demás. 

 

No te olvides de hacer contactos

Para poder trabajar en la música es importante conocer y que te conozcan, por eso es primordial que consigas crear tu propia red de contactos. ¡No seas tímido! Preséntate a profesores, otros profesionales de la música que conozcas en conciertos o eventos, productores… y pídeles algún dato de contacto. Nunca sabes dónde vas a encontrar tu oportunidad.

Además, conocer a personas que se dediquen profesionalmente a lo mismo que tú no servirá solo para conseguir oportunidades, también puedes pedirles opinión de tus trabajos. Nuestro círculo de confianza nunca podrá ser tan objetivo como un profesional.

Aunque ya hablaremos de las Redes Sociales más adelante, es oportuno hablar de LinkedIn, la red profesional más conocida. En ella podrás contactar con todas aquellas personas que pueden ayudarte a prosperar en la profesión. Por otro lado, te recomendamos que, si puedes permitírtelo, realices prácticas o voluntariados en discográficas, u otras empresas relacionadas con la industria. Puede ayudarte a añadir experiencia en tu CV.

 

Consigue que tu marca se convierta en una empresa

Al principio de tu carrera profesional tendrás que invertir mucho dinero, por eso es aconsejable que crees tu propia empresa, así podrás conseguir las deducciones de impuestos y gestionar tu tesorería. Además, estarás protegido como individuo y te hace ser más efectivo en el crecimiento financiero.

Por otro lado, sería favorable que aprendas a producir tu música, esto te servirá para conocer mejor el oficio y encontrar tu sonido más auténtico.

 

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Alumno de DJP Music School produciendo música

 

Una vez que tengas tu música producida y grabada es importante que registres tus obrasEn España puedes acudir al Registro de Propiedad Intelectual, eso asegurará que en aquellas ocasiones que un tercero quiera utilizar tu obra deba respetar los Derechos de Autor y te ayudará contra el plagio. 

No olvides informarte sobre los derechos que tienes como autor, sobretodo si te animas a distribuir tu música ¡Algo que te sugerimos! ya que con el auge de las plataformas es más fácil.

Cómo ganar dinero

Si te quieres dedicar a esto es importante que conozcas cómo trabajar las fuentes principales que te ayudarán a conseguir ingresos:

Consigue giras 

Que te contraten para giras se ha convertido en una labor más sencilla tras el éxito de los festivales. Consigue que tus fans vayan a tus conciertos en directo y los promotores te querrán en su escenario.

Ten en cuenta los derechos editoriales 

Si tu música es de creación propia los derechos editoriales garantizan que eres el propietario de la obra.  Por ello, si algún tercero quiere utilizar tu música primero tendrá que contactar contigo para negociar cuánto dinero debe pagarte por ella.

Preocúpate por tu Branding 

Cuando hablamos de branding nos referimos a tu imagen, tus logos, qué representas y quién eres. Es muy importante porque será tu identificación comercial.

 

No descuides tus perfiles sociales

En la actualidad, las Redes Sociales son un portal muy importante para mostrar tu talento y darte a conocer. Muchos artistas conocidos surgieron de aquí.  Como el caso del cantautor Pablo Alborán, cuyo éxito surgió tras publicar sus canciones en Youtube y recibir más de 180.000.000 reproducciones en España y América Latina

No podemos dejar de mencionar la importancia que ha adquirido en la industria TikTok una comunidad a nivel mundial donde se comparten vídeos cortos en pantalla completa. Los trends (bailes o retos que se vuelven virales) que surgen en esta Red Social pueden conseguir que tu canción se encuentre en el número uno de las listas más conocidasSi sacas algún tema no dudes en interactuar con él en esta plataforma y crear algún trend para que se haga viral. Lo mismo puede ocurrir en Instagram y su sección de Reels, cuya estética es sumamente parecida a Tik Tok. 

Finalmente, pero no menos importante, tenemos que hablar de las ya mencionadas plataformas que te permiten compartir tu músicaPor supuesto que te vamos a recalcar la importancia que tiene que estés presente en Spotify. Pero no nos podemos quedar sólo ahí, ya que existen otras plataformas que te ayudarán.

Una de ellas es  Soundcloud, donde puedes subir tus canciones y que los oyentes las comenten y (si lo permites) las descarguen. Otra plataforma estupenda para quienes se inician es  BandCamp, en ella encontrarás oyentes deseosos de descubrir nueva música. Además no sólo podrán escuchar tu música, sino que podrán comprar álbumes y productos de marca. 

Cuánto mayor esté cuidado tu branding mayor reconocimiento tendrás, algo que es importante si quieres triunfar en la música. 

Para terminar este artículo nos gustaría comentarte que no te centres solo en las marcas más conocidas. Existen pequeñas firmas que también publican su música. Pues, normalmente solo entran en las listas musicales más famosas el 25% de toda la música producida al año. 

Vivir de la música no es imposible. Existen muchas maneras para introducirte en el negocio. Sé paciente y ¡nunca pierdas el optimismo!

 

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Drum Machines más se utilizaron en 2021 djp music school

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Cuando uno quiere pasarse al mundo hardware por primera vez, suele ser un poco... avasallante. Si bien con los sintetizadores puede ser un tanto más sencillo, pues sus sonidos son relativamente fáciles de diferenciar, hay otros que pueden ser más espesos de estudiar: los drum machines.
Las cajas de ritmos a menudo ofrecen atributos muy similares, y es por eso que os venimos a traer las mejores opciones si es tu primera compra. Eso sí, de nada sirve si no sabes sacarle el máximo partido ni tienes los conocimientos de producción musical suficientes. Si quieres convertirte en un profesional y aprovechar todo lo que te ofrecen estos instrumentos, consulta nuestros múltiples cursos haciendo click aquí.

 

Roland TR-8S

La mítica marca de sintetizadores, con algunos de los drum machines más conocidos de la historia en su catálogo, ha traído su apuesta futurista para los beatmakers. Diseñado para ser usado en directo, este “rhythm performer” combina una interfaz compacta y práctica con una gran variedad de sonidos. Entre estos, encontrarás algunos de los más conocidos de Roland junto a una extensa librería que incluye samples personalizados, una amplia variedad de sonidos FM y efectos muy interesantes. Entre ellos, delays, reverbs y un overdrive que pasan todos por un filtro afinado para cada sonido de cada pack.

 

 

Behringer RD-8 MKII Rhythm Designer

El RD-8 homenajea a uno de los drum machines más influyentes de la historia. A falta de un re-lanzamiento decente de Roland de su mítico 808, Behringer ha satisfecho los deseos de la gente con esta caja de ritmos.

Mejorando los intentos de su competidor con su TR-08, Behringer tomó nota de lo que fallaba y lo implementó en su dispositivo. Una recreación del sonido original del TR-808 con una interfaz totalmente analógica y que recuerda a su musa. Eso sí, añadiéndole algunos toques que la convierten en única.

El RD-8 contiene los mismos 12 tracks y 16 sonidos de percusiones que la original con los mismos parámetros de afinación y nivel. Para actualizarlo, Behringer ha añadido otros parámetros como un swing completamente variable, factores de randomización y un knob dedicado al kick drum para que lo uses como bass line sobre un MIDI. Y por supuesto, con salidas MIDI y USB-MIDI.

 

 

Korg Volca Drum

Esta línea de pequeños dispositivos que Korg ha confeccionado está triunfando por su accesibilidad en cuanto a precio y manejo. En este caso, el Volca Drum está enfocado a generar sonidos únicos con un motor que incluye un simple trigger waveform que puede ser manipulado a tu antojo. Aplicándole overdrive, overtone, distorsionado y pasado por un resonator.
Todo ello partiendo de 5 posibles ondas, que se pueden editar juntas o por separado. Además, incluye un secuenciador de 16 pulsaciones con posibilidad de grabar pulsación por pulsación.

 

 

Elektron Model:Samples

Siendo una de las marcas con las cajas de ritmos más cañeras, a veces Elektron peca de querer ir demasiado a lo complejo. Con el Model:Samples, eso ya no es un problema ya que han simplificado su flujo de trabajo con un drum machine fácil de usar y divertido.
Un Groove box de 6 canales repleto de samples de alta calidad, con 300 presets que van desde sonidos familiares a otros que nunca habías escuchado. Todo acompañado de knobs que te permite toquetear y transformar cualquier sample en algo único.
A parte de un botón para randomizar el secuenciador, puedes también guardar hasta 96 proyectos con 96 ritmos de hasta 64 pulsaciones. Además, con 64MB de memoria para samples y capacidad general de 1GB puedes llenarlo con tus propios sonidos.

 

 

Moog DFAM

El Moog DFAM (Drummer From Another Mother) parte del Mother-32, y utiliza un generador de White noise con dos osciladores de rango ancho como fuente junto a un Hard Sync y una FM controlada por voltaje. Incluye algunos elementos clásicos de Moog como el low pass ladder filter para perfilar el tono.
Su secuenciador es de los más simples que veréis, con solo 8 pulsaciones que pueden ser modificadas individualmente por su pitch y velocidad. El resultado es complejo, orgánico, emocionante y sorprendente.

 

 

Akai Pro Force

El Pro Force es un cruce entre el legendario sampler MPC de Akai y la vertiente enfocada a directos de Ableton Live. Incluye una pantalla táctil para controlar el secuenciador, un lanzador de clips 8x8 y aunque parezca un controlador MIDI funciona como un standalone – lo tiene todo integrado.
Puede hacer muchas cosas, desde importar stems, loops y samples para usarlos al vuelo, a sincronizarlos y afinarlos al momento con el master clock. Puedes convertirlo en un dispositivo para actuaciones de DJ mezclando entre temas y añadiendo efectos, modulaciones y filtros desde la pantalla táctil. Un dispositivo de lo más versátil.

 

 

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Datos curiosos de la TR-909 djp music school

909 Day: Datos curiosos que probablemente no sepas acerca de la TR-909

Datos curiosos de la TR-909 djp music school

 

Si en el 8 de agosto os hablamos de la Roland TR-808, en este 9 de septiembre no iba a ser menos. En DJP Music School también celebramos el ‘909 Day’, el día internacional de la Roland TR-909, lanzada tres años más tarde (1983) que su anterior versión, con el objetivo de conseguir un sonido más realista.

¿Qué le permitió diferenciarse de la Roland TR-808? Esta nueva drum machine presenta diferentes elementos analógicos y digitales basados en samples, incorporando un secuenciador de 16 pasos y una batería.

Aquí os dejamos con algunos datos curiosos e históricos de esta popular caja de ritmos

  • Fue creada por Tadao Kikumoto, quien estuvo detrás de la roland TB-303.

Tadao Kikumoto - datos curiosos de la TR 909 djp music school

 

  • Se produjeron únicamente cerca de 10.000 unidades. Ocurrió algo similar a lo que pasó con la TR-808, al no haber gran interés por la industria musical se comenzó a comercializar en tiendas de segunda mano a un precio inferior por lo que más gente empezó a adquirirla.
  • Algunas de las canciones más populares de la época de los 90 tales como ‘Show Me Love’ de Robin S, ‘Pump The Jam’ de Technotronic, ‘Big Fun’ de Innercity o ‘Vogue’ de Madonna fueron creados usando la Roland TR-909.
  • La TR-909 incluía los siguientes sonidos: Bombo, Caja, Tom bajo, Tom medio, Tom alto, Rim Shot, Aplauso, Hi-Hat y Platillo.
  • Su presencia va más allá de la industria musical, la canción principal de Mortal Kombat está creada con esta caja de ritmos.
  • La TR-909 fue la primera caja de ritmos en incorporar conexión MIDI. Mediante esta novedad, los usuarios podrían construir su pequeño estudio que normalmente incluía una caja de ritmos, un muestreador y un procesador de efectos.

 

¿Queréis ver a la TR-909 en plena acción? Aquí tenéis esta exhibición de la leyenda estadounidense Jeff Mills

Actualmente, varios de los DAWs de producción musical más populares tales como Ableton, Pro Tools, FL Studio o Logic Pro cuentan con bancos de sonidos inspirados en esta revolucionaria caja de ritmos. Si te gustaría poder crear canciones con sus sonidos haz click aquí para apuntarte en algunos de nuestros cursos de producción musical.

Además, os dejamos una playlist con un buen repertorio de canciones populares creadas con la TR-909 para que no paréis de bailar en este ‘909 Day’:

 

 

 

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curiosidades discos vinilos

6 curiosidades sobre los Discos de Vinilo

curiosidades discos vinilosParece mentira que, justo en el momento histórico donde las cosas están más digitalizadas que nunca, está resurgiendo lo analógico. Una melancolía que, plasmada en cifras, tiene muy contentos a los fabricantes de vinilos, pues están viviendo una segunda juventud. Los discos de cera han vuelto para convertirse ya no solo en una herramienta para escuchar música sino sobre todo para ser objetos de coleccionista. Piezas únicas y tangibles que hacen sentir a aquel que las obtiene que tiene consigo un tesoro. Es por eso que hoy, día del disco de vinilo, vamos a contar algunas de las curiosidades de ellos.

 

 

Thomas Edison, de la bombilla al vinilo

Thomas Edison patentó el fonógrafo en 1878. Ese aparato podía grabar y reproducir sonido, y lo hacían con una aguja conectada a un amplificador que se deslizaba sobre un cilindro recubierto de cera que permitía escuchar los sonidos registrados. Este invento dio paso al gramófono diez años después, cambiando los cilindros por unos discos que, en 1948, se acabaron convirtiendo en los primeros discos de vinilo.

Thomas Edison, invento el fonografo

El primer vinilo

Enrico Caruso, el que por aquel entonces era el máximo exponente de la ópera mundial, fue el primer cantante en tener su obra registrada en un vinilo. Fue en el año 1902 y llegó a vender un millón de copias. 

 

 

La electrónica, el segundo género más vendido

Por lo que a estilos musicales se refiere, sorprende que algo tan reciente como es la electrónica sea el segundo género más comprado por los melómanos del último siglo. Por delante suyo, no podía haber otro que el rock, pero con una diferencia sorprendentemente corta.

 

‘Thriller’ es el número 1 de ventas de la historia

El mítico álbum del mismísimo Michael Jackson es aún a día de hoy el LP más comprado 40 años después de su lanzamiento. Tras él encontramos otras leyendas como Pink Floyd y su ‘The Dark Side of the Moon’ o ‘Back in Black’ de los australianos AC/DC.

 

 

El vinilo más caro de la historia

El CD más caro jamás vendido llevaba ritmo de hip hop. Wu-Tang Klan imprimieron una sola copia de su álbum ‘Once Upon a Time in Shaolin’ que fue comprada por ni más ni menos que por 2 millones de dólares. Pero si hablamos de vinilos, tenemos a Ringo Starr ocupando la primera plaza, que vendió su copia del álbum homónimo de los Beatles con el identificativo número de serie ‘0000001’. Este se vendió a un comprador anónimo por 790.000 de dólares, en una subasta celebrada en diciembre de 2015 que también vendió su famosa batería Ludwig, que fue comprada por 2,2 millones de dólares.

 

El vinilo vuelve a estar de moda

La nueva tendencia a coleccionar memorabilia de nuestros artistas favoritos ha convertido al vinilo en uno de los objetos más demandados por los fans tras el lanzamiento de un álbum. Este nuevo hábito de querer obtener un objeto físico para guardarlo cual tesoro ha hecho que en los últimos años, los vinilos superen en venta a los CDs por primera vez desde 1986. El primer semestre de 2020 se facturaron 232 millones de dólares con la venta de vinilos, un 62% del dinero total generado por el formato físico pero un 4% del total de los beneficios generados por las grabaciones musicales en todas sus formas.

 

Lo que está claro es que los artistas están teniendo en cuenta este nuevo fenómeno mundial, y muchos están optando por ofrecer en formato vinilo sus nuevos lanzamientos. ¿Y es que a quién no le haría ilusión poder tener entre sus manos su propia obra? Para ello, antes es necesario aprender producción musical. Si quieres saber cómo se siente el poder compartir con el mundo lo que uno crea, puedes hacer click aquí para adentrarte en el mundo de la producción con nuestros múltiples programas.

 

 

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Canciones hechas con la Roland TR-808

8 canciones hechas con la TR-808 de Roland

Canciones hechas con la Roland TR-808

Hoy es un día que los amantes de la música electrónica miramos con especial atención. En este 8 de agosto se celebra el día internacional de la caja de ritmos más popular: Roland TR-808 y en DJP Music School hemos querido hacer un repaso en su historia trayéndoos 8 canciones creadas a partir de esta drum machine.

La aparición de este famoso aparato en 1980 de la mano de la Roldan Corporation revolucionó totalmente la manera de crear música, permitiendo programar baterías mediante un sistema de secuenciación y creación de patrones. Incluía diferentes sonidos que permitían al artista personalizar sus sets; bombos, cajas, hi-hats y otros sonidos como rim shots, claps o shakers.

Su camino a la popularidad no fue tan sencillo en sus comienzos, ya que no muchos artistas y bandas decidieron incorporarla en sus creaciones debido a que no ofrecía sonidos de percusión tradicionales o realistas, no logrando llegar así al público mainstream siendo un fracaso en términos de ventas. Su popularidad se elevó cuando artistas emergentes de estilos undergrounds como el hip hop y house la comenzaron a usar en sus producciones al igual que el maestro del R&B y soul Mavin Gaye.

 

Estas son algunas canciones que fueron hechas con la TR-808:

Yellow Magic Orchestra - 1000 Knives (1980)

La banda japonesa fue la primera en incluir a la Roland TR-808 en su proceso creativo y en sus actuaciones en vivos. Su tema ‘1000 Knives’ de 1980 y su disco ‘BGM’ de 1981 son de las primeras grabaciones en incluir esta máquina.

 

Marvin Gaye - Sexual Healing (1982)

A finales de 1981 el americano Marvin Gaye se encontraba de retiro en Ostende (Bélgica), tratando de poner orden a su vida y buscando nuevas fuentes de inspiración. Creó su álbum ‘Midnight Love’ gracias a la cantidad de posibilidades de la TR-808 y su popular tema ‘Sexual Healing’ fue el primero en utilizar esta máquina en llegar al Billboard Top 100, aumentando su popularidad.

 

Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force - Planet Rock (1982)

Este tema, publicado en 1982, fue uno de los precursores de la ola posterior de house, techno y hip hop. Fue un tema que definió unos sonidos y estructuras que marcarían la escena electrónica de los 80.

 

Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody (1987)

Tras el año 82 fue más común ver a artistas mainstreams usar esta máquina. Otro caso destacado es el de Whitney Houston y su ‘I Wanna Dance With Somebody’, convirtiéndose en la primera artista en llegar a la certificación platino.

 

Lil Louis – French Kiss (1989)

El americano procedente de Chicago Marvin Burns, conocido por su alias Lil Louis, publicó en 1989 ‘French Kiss’, uno de los temas que marcó la era de la música disco, debiéndole su éxito al uso de la 808.

 

Xtal - Aphex Twin (1992)

El carismático australiano Richard David James más conocido como Aphex Twin es un artista conocido por su experimentación dentro del sonido y en el proceso creativo. En 1992 usó una 808 que él mismo hackeó, modificando la configuración de la máquina para experimentar con sus sonidos.

 

OutKast – The Way You Move (2003)

El dúo de Atlanta Outkast, formado por André 3000 y Big Boi, son unos grandes amantes del sonido de la 808. En su tema ‘The Way You Move’ de 2003 no sólo utilizan la máquina para su creación si no que le dedican una frase: “I know y’all wanted that 808” (Sé que querían esa 808)

 

Kanye West – Love Lockdown (2008)

El amor por la 808 por parte de Kanye West es más que conocido, titulando a su álbum publicado en 2008 ‘808s & Heartbreak’, estando presente la popular máquina en todo el proceso creativo.

 

Hemos creado esta playlist con éstas canciones para que la puedas escuchar cuando quieras:

 

En DJP Music School no os podemos regalar, ni dejar una Roland TR-808, pero si que ofrecemos varios cursos de producción para que domines las percusiones y demás ámbitos de la música. Puedes descubrirlos haciendo clic aquí.

 

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Conoce los términos que debes saber si quieres ser DJ

 

diccionario_dj

Términos y palabras técnicas que todo DJ debe conocer

Seguramente si estás empezando en el mundo del DJ y has tenido tus primeras conversaciones con otros profesionales del gremio, te hayan dicho alguna palabra que te ha dejado con la cara de póker. 

Esto se debe a que los DJ’s, al igual que otros profesionales de otros sectores, tienen su propia jerga a la hora de referirse a diversos aspectos que tienen que ver con las técnicas de DJing, con su experiencia en las salas, etc.

En este nuevo post queremos presentarte aquellos términos más comunes entre todos los discjockeys.

 

Diccionario para DJ's

Backspin o spinback: Efecto que se produce cuando se gira el disco al sentido contrario de las agujas del reloj.

Back to Back o B2B: Actuación de dos o más DJ’s al mismo tiempo y en la misma cabina.

Beat o pulse: Es el golpe que delimita el tiempo rítmico de la música. Tú mismo puedes medir los beats moviendo la cabeza al ritmo de la música. 

Beat-juggle: Creación de un ritmo totalmente nuevo con los golpes de batería sacados de una pareja de discos.

Beatmaching: Técnica musical que cambia la velocidad de una pista para que coincida con el tempo musical de otra pista con el objetivo de sincronizar los beats.

B.P.M: Beats por minuto.

Break o cut: Silencio de todos los elementos (también la percusión) para romper el ritmo de una misma pieza. Normalmente los DJ’s lo utilizan para subir el volumen y pausar la canción o para cambiar de pista sin tener que mezclar. 

Breakbeat: Pequeña porción de batería sampleada y repetida a forma de loop para que sirva como estructura rítmica (base). De esta forma se construye el ritmo en el Hip-Hop. 

Breakdown o puente: Sección en la que se dejan los mínimos elementos, normalmente suele ser la voz o la percusión.

Corte o drop mixes: Cambio rápido de un disco a otro sin que se pierda el control. 

Crab: Movimiento de los dedos que permite realizar técnicas de scratching muy rápidas.

 

teminos_DJ

 

Delay: Efecto de sonido donde se retiene la señal original para producir una sola repetición. 

DJ set: Lista de temas que el DJ tiene pensado pinchar.

Drop o smash: Momento donde explota la canción con ritmos y melodías fuertes y constantes. 

Extended-mix: Canción que tiene intro y outro. 

Fade: Ajuste gradual del volumen. Puede ser un ajuste del silencio a la música, de la música al silencio, o de una pista a otra.

Hook o gancho: Esa parte memorable o pegadiza de la canción que invita a todo el mundo a escucharla una y otra vez.

Hot-cues: Creación de marcas en un determinado punto de la pista.

Loop: Sample que se repite para formar un ritmo constante o melodía en un tema.

Megamix: Combinación de diferentes elementos de distintas canciones para crear un conjunto unitario.

Mixtape: Recopilación de varias canciones. Normalmente suelen ser de distintos artistas.

Sample: Técnica que consiste en coger un beat o un tipo de música para crear música nueva. 

Scratch: Creación de sonidos rítmicos con el movimiento hacia atrás y hacia adelante y cortarlo con los faders de la mesa. 

Sincopa: Mezclar los ritmos antes o después de lo normal para crear sonidos más interesantes. 

 

palabras_usadas_por_DJ

¿Te sonaban estas palabras? Si te gustaría comenzar tu carrera profesional como DJ pinchando en las grandes salas te recomendamos que comiences a formarte cuanto antes. Ahora puedes aprender con los Cursos de DJ que ofrecemos en DJP Music School. 

 

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qué llevar en tu maleta de dj

¿Qué no debe faltar en tu maleta de DJ?

qué llevar en tu maleta de dj

A un bolo siempre hay que ir preparado. Cuando menos lo piensas, ocurre algún inconveniente que debes resolver, y mejor si eres precavido, ya que un buen DJ no se presenta en el evento solamente con su música.

Aunque hayas hablado anteriormente con los organizadores y sepas a qué equipo te vas a enfrentar o cómo es el lugar, si preparas tu maleta de DJ siguiendo los consejos que te damos a continuación, podrás resolver las pequeñas trabas que se pueden presentar. La regla general para preparar tu maleta DJ es tener en cuenta todos los percances que puedan suceder durante una sesión. Aquí va una lista con lo básicos que necesitas ¡DJ precavido vale por dos!

 

Cables

Los cables son muy dados a estropearse y a perderse. Por eso, no está de más llevar unos cuantos en tu maleta por si alguno falla.

Los cables que no pueden faltar son: un par de cables RCA de mínimo un metro de largo para conectar los reproductores a la mesa de mezclas, un cable de red para poder interconectar los reproductores y un cable USB extra además de los que ya necesites, puesto que este es el que más suele dejar de funcionar.

Además, te recomendamos que estudies y conozcas bien cómo funcionan las conexiones de cables de diferentes equipos. Normalmente, cuando tienes un bolo en un sitio pequeño no suele haber un técnico de sonido y tienes que ser tú quien conecte y prepare todo.

También te aconsejamos que marques los tipos de cables con trozos de cinta aislante de diferentes colores. Así si tienes que utilizarlos con urgencia podrás diferenciarlos rápidamente.

 

Cascos de repuesto

Sería de muy mala suerte que tus cascos de confianza dejarán de funcionar en mitad de un bolo. Pero por si acaso, no estaría de más que incluyeras unos de repuesto en tu maleta.

Nuestra recomendación es que los cascos que utilices sean desmontables, por si lo que falla es alguna de sus piezas. En este caso, estaría bien que lo que llevases de recambio fuese el cable. Los cables siempre son los que más problemas dan.

maleta del dj - cascos de repuesto

Adaptador de minijack a jack extra

Incluso te aconsejamos que lleves un par más de la cuenta. Estos pequeños desaparecen por arte de magia.

 

Copias de seguridad de tu música

No cometas el error de llevar toda tu música metida en un solo pendrive. La experiencia nos ha enseñado que es muy fácil que un pendrive deje de funcionar en el momento menos adecuado o que el reproductor no lo lea. Por eso lo más conveniente es llevar copias de tu música analizada en varios dispositivos. Un par de pendrives extra no ocupan apenas sitio y pueden salvarte la sesión. En uno de ellos es aconsejable que metas tu música sin analizar por si el reproductor no es compatible con el software que utilizas en casa.

Si pinchas con ordenador te sugerimos que lleves una copia de seguridad externa con toda tu música, a ser posible en un pendrive. Si tu ordenador se avería y la sala cuenta con reproductores, podrás pinchar con ellos.

usb - maleta de dj

 

Instalador de tu software para pinchar

La informática a veces es traicionera y los programas dejan de funcionar cuando menos te lo esperas. Para no entrar en crisis y poder seguir con tu bolo, si tienes el instalador de tu software a mano podrás reinstalarlo. En menos de quince minutos tendrás solucionado el problema y la música estará sonando.

 

Tapones para los oídos

Vas a destinar muchas horas a estar expuesto a un alto nivel acústico. Con los tapones protegerás tus oídos y evitarás la fatiga auditiva a lo largo de la sesión. Por culpa de esta segunda, a veces, se comete el error de subir la ganancia y poner los temas a un volumen más alto de lo que se debería.

Tapones para los oídos - maleta de dj

 

Limpiador de vinilos, cápsulas, agujas y patinadores

Si eres de los que pincha con vinilos hay varias cosas que no se te pueden olvidar. En primer lugar, un limpiador de vinilos. Es muy fácil que en el ambiente haya pequeñas motas de polvo y una de ellas sobre tu vinilo puede hacer que no suene correctamente.

Además, si vas a utilizar el equipo de la sala quizás las cápsulas y las agujas no estén en el mejor estado pues suelen desgastarse bastante. Es recomendable que lleves un par de repuesto y unos patinadores.

 

Linterna

Ya sabemos que hoy en día el teléfono móvil sirve para muchas cosas, incluso como linterna. Pero si tienes un bolo nocturno o en un sitio con poca luz no puedes depender de la batería de tu móvil o de su capacidad de iluminar si en algún momento necesitas ver con claridad. Una pequeña linterna led será de gran ayuda si necesitas cambiar un cable o si se te cae un pendrive, por ejemplo.

 

Alargador y/o regleta

Si pinchas con ordenador no puedes arriesgarte a quedarte sin batería en medio de la sesión y, a veces, no queda ningún enchufe libre cerca de la cabina. Un alargador o regleta siempre es útil. Más vale que sobren clavijas para poder conectarte a la corriente eléctrica a que falten.

Alargador y/o regleta - maleta de dj

 

Ten en cuenta todas estas cosas a la hora de armar tu maleta de DJ. Recuerda siempre ser precavido, de esta manera podrás prevenir cualquier imprevisto que pueda ocurrir en tu trabajo.

 

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apps que no pueden faltar en tu movil si eres DJ

Las apps que no pueden faltar en tu móvil si eres DJ

 

¿Te ha pasado alguna vez que se te ocurre una melodía, no tienes forma de plasmarla y queda en el olvido? No te preocupes, la creatividad llega cuando menos te lo esperas y eso es algo muy común que nos ha pasado a todos. Es por eso que con este artículo queremos darte la solución. Si eres dj, a continuación, te dejamos algunas aplicaciones que deberías tener instaladas en tu teléfono móvil. Así la próxima vez que la inspiración te pille fuera del estudio no perderás esa idea. Algunas de ellas, incluso pueden servirte para amenizar una fiesta.

 

Edjing

Es una aplicación muy potente para mezclar música. Cuenta con doble bandeja de mezcla, grabador, ecualizador y automix. Pero sus características más impresionantes son la compatibilidad con Deezer, el soporte para tu biblioteca local, que cuenta con 16 muestras para reproducir y que tiene sincronización continua de dos pistas y bucles. También tiene turn-tables, acceso a SoundCloud, un crossfader y la capacidad de subir tus mezclas a la nube directamente desde la app.

 

Djay

djay - app para dj y productores

Con esta app tendrás todas las herramientas de la mesa de un DJ en tu móvil. Cuenta con doble plato de mezclas, auto-mezcla, efectos, pitch-bend, looping y grabación de música siempre que no sea en streaming, entre otras muchas cosas. Pero lo que más destaca de Djay es la integración de Spotify premium, por lo que si cuentas con este plan podrás utilizar toda su música sin necesidad de tenerla guardada en tu dispositivo.

 

Traktor DJ

Una de los softwares de djing más populares adaptado a tu smartphone. Esta app tiene gran cantidad de efectos de transición, detección automática de tempo y sincronización de BPM. Además, la misma app te sugiere el tema que poner a continuación y lo hace con bastante acierto.

FL Studio Mobile

Los productores amantes de Fruity Loops pueden llevar este DAW con ellos siempre. Aunque en su versión móvil tiene algunas limitaciones, esta app ofrece gran cantidad de posibilidades. Puedes crear melodías a través de su piano roll y de los diferentes instrumentos, grabar y exportar tus creaciones en WAV, MIDI y AAC.

FL Studio Mobile cuenta con varios efectos como EQ, Delay, Reverb, Limiter, Filter o Amp. Además, te da la posibilidad de compartir tus temas a través de Dropbox o correo electrónico. Pero su característica estrella es que puedes conectarla a tu DAW del ordenador para poder trabajar con mayor comodidad sobre todas tus creaciones.

Esta aplicación te ofrece secuenciador de canciones, bastidor de efectos que admite dos efectos por módulo, control de volumen maestro, EQ, limitador y un mezclador de siete canales. Caustic cuenta con módulos como Beatbox, Organ, Modular, Subsynth, FMSynth, 8BitSynth, PCMSynth, Bassline, Vocoder o KSSynth. Además, podrás usar tus archivos WAV guardados con la app en BeatBox, PCMSynth y Vocoder.

Music Maker JAM

Se trata de un pequeño estudio de grabación de 8 pistas en las cuales se pueden mezclar diferentes loops que están organizados por géneros musicales que, a su vez, cuentan con varios instrumentos musicales. Tiene 100 estilos de música diferentes como EDM, Hip Hop, House, Pop, Dubstep o Rock.

Una de las particularidades de Music Maker JAM es que puedes grabar sonidos con el micrófono de tu teléfono, por ejemplo tu voz, y añadirlo como una pista más. También cuenta con varios efectos y capacidad para ajustar el tempo y la armonía. Además, podrás compartir tus creaciones directamente desde la app a tus redes sociales.

 

Drum Pad Machine

Esta app funciona como un launchpad, aunque de forma más básica. Su funcionamiento se basa en ir pulsando los diferentes cuadrados de colores. A cada uno de estos pads les puedes asignar un sonido diferente y con ello crear una base o una melodía.

Drum Pad Machine cuenta con un aspecto visual muy cómodo y mucha facilidad de manejo.

 

Y, como bonus tracks, te dejamos unas apps que no son para crear pero que sí son obligatorias en el teléfono móvil de cualquier artista musical o melómano:

  • Shazam: Un detector de canciones. Para cuando escuchas ese tema que te molaría meter en tus sesiones pero no sabes de qué artista es ni como se llama.
  • SoundCloud y MixCloud: Las plataformas más populares donde djs y productores comparten sus creaciones. Si no tienes un perfil ya creado en ellas, estás tardando en hacerlo.
  • Spotify o Apple Music: Desde que llegaron este tipo de plataformas de música en streaming no hay disculpa para no estar al tanto de todas las novedades.

 

Así que ya sabes, si eres dj y buscas apps que pueden salvarte de alguna situación, aquí tienes algunas para descargar y trastear. Eso sí, ten en cuenta que casi todas estas aplicaciones tienen su versión gratuita, más limitada, y su versión de pago, con la que tendrás una experiencia más completa.

 

 


 


"Mi experiencia en DJP Music School" por Beatriz Cano

En esta ocasión os traemos la experiencia de Beatriz Cano, tras su paso por DJP Music School. Una alumna que buscaba aprender más acerca de Ableton, y decidió hacerlo en nuestra escuela que es el primer Ableton Certified Training Center de Madrid. Os dejamos con su testimonio a continuación.


experiencia DJP Music School

De cómo me he iniciado en la producción musical

Por Beatriz Cano

Mi trabajo siempre ha estado ligado a la música aunque desde la retaguardia, en el mundo de la comunicación. Hace un par de años di el paso a meterme en la cabina pero nunca me había atrevido a crear más allá de las mezclas como DJ.

Componer un tema se me hacía un mundo ya que solo he tenido formación musical autodidacta para enfrentarme a la mesa de mezclas. Por eso decidí que tenía que hacer algo para ser una artista más versátil y poder ofrecer mejores experiencias en mis lives. Ahí fue cuando me topé con DJP Music School.

Para iniciarme en el mundo de la producción musical escogí Ableton Live por las buenas referencias que me habían dado compañeros profesionales de la música. Entre los DAWs que estuve investigando fue el que más me convenció para incluirlo en mis performances. Y ya de lanzarme a ello, ¿qué mejor que aprender en un centro certificado por el propio programa?

Por si no lo sabías, DJP Music School imparte un Programa Certificado de Producción en Ableton, puedes ver más información aquí

https://www.youtube.com/watch?v=liF4LhNhu78&ab_channel=DJPMusicSchool

Una de las cosas que creo que ha de tener una escuela de música es la capacidad de adaptarse al nivel y a los gustos del alumno puesto que cada uno llega al aula con un currículum diferente. En mi caso, mi repertorio pasa por varios estilos que pueden ir del rock o el indie hasta el techno más oscuro y, en ocasiones, he tenido que decantarme por uno u otro a la hora de buscar formación. Así pues, desde el primer momento que hablé con el equipo de DJP supe que era un buen lugar donde evolucionar ya que supieron amoldarse a lo que necesitaba y encajaba conmigo.

Empezar en el mundo de la producción musical puede dar un poco de vértigo, sobre todo en los inicios, dado que son muchos los conceptos y las técnicas que tienes que dominar para poder plasmar de forma audible las ideas que surgen en tu cabeza. Por eso es importante tener un temario estructurado y desglosado que sirva como guía antes de enfrentarte a la pantalla y al Ableton Push. En mi caso, un truco que he utilizado ha sido ojear todo el contenido del campus virtual antes de ir a las clases presenciales para no sentirme muy perdida. De esta forma, las clases se han hecho más amenas y las hemos podido dedicar casi en su totalidad a practicar, que es la mejor forma de aprender a hacer música.

Ableton Live Suite en DJP Music School - Ableton Certified Training Center

Al realizar un curso intensivo asistiendo tres días por semana a la escuela, repartidas en clases de casi tres horas cada una, más el tiempo que tienes que dedicarle en casa para repasar y realizar los trabajos prácticos, te obligas a ser constante para completar todo del programa. El plan académico que sigue DJP Music School propone metas a corto, medio y largo plazo. Cada clase tiene un objetivo y cada bloque es evaluado para comprobar que se hayan alcanzado las competencias que se habían propuesto. En cuanto vayas cumpliendo todo esto te darás cuenta de que aprender a producir con Ableton Live es bastante sencillo y al cabo de dos meses sabrás todo lo necesario para construir un buen tema o finalizar los que ya tienes. Aunque siempre se van descubriendo novedades, en la música nunca se sabe lo suficiente.

Contaros también, que en DJP Music School cuentan con asesores muy cualificados que podrán interpretar lo que necesitas y llegarán a ofrecerte la mejor opción para ti, como en mi caso con el curso.

Con pasión por lo que se imparte se consigue que el estudio se convierta en algo ameno y divertido. Por eso, una de las cosas que más valoro de todas las que me he llevado de DJP Music School, aparte de los conocimientos y destrezas musicales, son las ganas de seguir adelante en el mundo de la producción. Ahora es el momento de seguir indagando y poner en práctica todo lo que me han enseñado. Ya he empezado a montar mi pequeño estudio en casa, quizás los que no están tan contentos con la idea son mis vecinos.

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mezcla armónica para DJs principiantes

La mezcla armónica para DJs principiantes

 

mezcla armónica para DJs principiantesUn buen dj no sólo se caracteriza por encajar a la perfección el tempo de dos temas, sino que tiene que ser capaz de mezclar dos (o más) tracks cuyas tonalidades casen de forma precisa. El truco para ello es la mezcla armónica.

El mixing armónico sigue unas reglas establecidas utilizando el sistema de la Rueda de Camelot, cuya interpretación ayuda a acertar qué canción pega con cuál a la hora de pinchar. A continuación te contamos cómo interpretarla y los trucos para comenzar a utilizar esta técnica que perfeccionará tus sesiones.

¿Qué es la rueda de Camelot?

La rueda de Camelot es una representación gráfica de las 12 tonalidades mayores y las 12 tonalidades menores. Las mayores se representan en el círculo exterior y las menores en el interior. A cada nota musical se le asigna un número del uno al doce que van en la dirección de las agujas del reloj. Se trata de una reinterpretación del Círculo de Quintas.

Las tonalidades situadas en la parte interior y exterior respectivamente poseen las mismas notas de la escala, aunque distinto centro de gravedad (mayores y menores). La tonalidad establecerá un centro de gravedad a partir del cual se crearán las escalas y sobre el que orbitarán los distintos acordes. La letra A se asigna a las escalas menores (en el interior de la rueda) y la letra B a las mayores (en el exterior de la rueda) e indica qué tipo de escala se utilizó para la composición del tema.

Siguiendo esta gráfica, los tracks asignados en la misma casilla con el mismo código o tonalidad, son los más propensos a encajar fácilmente porque comparten todas las notas de la escala. Pero existen diferentes trucos o técnicas para variar la tonalidad en tus sesiones y mezclar temas con tonalidades diferentes.

Lo primero que necesitas saber para empezar a utilizar la mezcla armónica es el tono en el que se encuentra cada canción pero si no lo sabes reconocer solo escuchándolo, no te preocupes. Por suerte todos los softwares para djs incorporan ya sus propios sistemas para analizar cada track y detectar su tonalidad para facilitarte las mezclas armónicas. Fíjate en la pestaña key y lo sabrás.

Si eres de la antigua escuela y pinchas con vinilos quizás esto te resulte más complicado sin ayuda de ningún software, pero entrenando la escucha puedes conseguir saber qué tonalidad tiene cada tema. Aún así, tanto si eres dj de vinilo como digital, con el tiempo y la práctica serás capaz de saber de manera intuitiva qué tracks combinan entre sí.

Cómo funciona la Rueda de Camelot

¿Cómo usar la Rueda de Camelot?

La utilización de esta técnica para mezclar consiste en casar temas que tengan tonalidades compatibles.

Antes de ponerte a pinchar tienes que bloquear el cambio de tonalidad. Se trata de activar el Keylock o Master Tempo, tendrá un nombre u otro según el software o herramienta que estés utilizando. Esto es porque si cambia el pitch de la canción cambiará su tonalidad. Si pinchas con platos, donde en algunos modelos no es posible bloquear el cambio de tono, tienes que fijarte en que no haya una diferencia de pitch de más de 1,7% para que el mixing armónico funcione.

A continuación, te contamos cuáles son los trucos básicos para saber cómo poder dar saltos en la Rueda de Camelot manteniendo la armonía.

Cambiar de mayores a menores relativas y viceversa:

Se trata del salto más sencillo y que a primera vista parece más lógico. Muévete de una letra a otra (de A a B y al revés), es decir, de la casilla interior a su homónima exterior y viceversa, manteniendo el mismo número. Es decir, mezcla temas que tengan la misma nota pero cambiando de escala mayor a menor. Por ejemplo, 7A con 7B.

Cambio tonal:

Es otro de los saltos más simples. Se trata de moverte entre los números contiguos en ambos sentidos de la rueda. Solo tienes que solo tienes que sumar uno o restarlo. O lo que es lo mismo, subir o bajar una nota. Por ejemplo, 3B con 2B o 4B.

Cambio modal:

El cambio modal consiste en saltar de tonos mayores a tonos menores y viceversa.

Si te encuentras en una tema con tonalidad mayor (en la parte exterior del círculo), puedes cambiar a uno menor bajando a la correspondiente menor (interior del círculo) y dar tres saltos hacia la izquierda (sentido contrario a las agujas del reloj). Por ejemplo, de de 7B a 4A. Si, por el contrario, quieres pasar de una tonalidad menor a una mayor el movimiento se realiza a la inversa: saltas a la nota correlativa mayor (exterior del círculo) y das tres saltos hacia la derecha (sentido de las agujas del reloj). Por ejemplo, de 7A a 10B.

Energy Bost:

Esta técnica no es exactamente de mezcla armónica porque no combina armonías compatibles. Hacer Energy Bost es crear una sensación de aumento de energía (lo coloquialmente conocido como subidón).

Este tipo de cambio consiste en que la siguiente canción que vas a pinchar tenga una tonalidad que esté a 2 posiciones más (si quieres subir un tono) o 7 posiciones más (si quieres subir un semitono) que la que principal. En este método siempre se suma, es decir, los movimientos son en el sentido de las agujas del reloj y sin cambiar de A a B o viceversa. Por ejemplo, para irías de 2A a 9A para subir el track un semitono o de 2A a 4A para subirlo un tono.

Este efecto es recomendable en transiciones muy rápidas o en las que hay una parada y en ese momento aprovechamos para lanzar el siguiente tema con el bajo ya subido para que no haya disonancias.

 

Así que ya sabes, si todavía no tienes tanta experiencia como Dj y quieres saber si tus mezclas sonarán "bien", te aconsejamos que utilices la Rueda de Camelot. Así verás si todo encaja perfectamente sin haberlo comprobado antes.

 

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