qué llevar en tu maleta de dj

¿Qué no debe faltar en tu maleta de DJ?

qué llevar en tu maleta de dj

A un bolo siempre hay que ir preparado. Cuando menos lo piensas, ocurre algún inconveniente que debes resolver, y mejor si eres precavido, ya que un buen DJ no se presenta en el evento solamente con su música.

Aunque hayas hablado anteriormente con los organizadores y sepas a qué equipo te vas a enfrentar o cómo es el lugar, si preparas tu maleta de DJ siguiendo los consejos que te damos a continuación, podrás resolver las pequeñas trabas que se pueden presentar. La regla general para preparar tu maleta DJ es tener en cuenta todos los percances que puedan suceder durante una sesión. Aquí va una lista con lo básicos que necesitas ¡DJ precavido vale por dos!

 

Cables

Los cables son muy dados a estropearse y a perderse. Por eso, no está de más llevar unos cuantos en tu maleta por si alguno falla.

Los cables que no pueden faltar son: un par de cables RCA de mínimo un metro de largo para conectar los reproductores a la mesa de mezclas, un cable de red para poder interconectar los reproductores y un cable USB extra además de los que ya necesites, puesto que este es el que más suele dejar de funcionar.

Además, te recomendamos que estudies y conozcas bien cómo funcionan las conexiones de cables de diferentes equipos. Normalmente, cuando tienes un bolo en un sitio pequeño no suele haber un técnico de sonido y tienes que ser tú quien conecte y prepare todo.

También te aconsejamos que marques los tipos de cables con trozos de cinta aislante de diferentes colores. Así si tienes que utilizarlos con urgencia podrás diferenciarlos rápidamente.

 

Cascos de repuesto

Sería de muy mala suerte que tus cascos de confianza dejarán de funcionar en mitad de un bolo. Pero por si acaso, no estaría de más que incluyeras unos de repuesto en tu maleta.

Nuestra recomendación es que los cascos que utilices sean desmontables, por si lo que falla es alguna de sus piezas. En este caso, estaría bien que lo que llevases de recambio fuese el cable. Los cables siempre son los que más problemas dan.

maleta del dj - cascos de repuesto

Adaptador de minijack a jack extra

Incluso te aconsejamos que lleves un par más de la cuenta. Estos pequeños desaparecen por arte de magia.

 

Copias de seguridad de tu música

No cometas el error de llevar toda tu música metida en un solo pendrive. La experiencia nos ha enseñado que es muy fácil que un pendrive deje de funcionar en el momento menos adecuado o que el reproductor no lo lea. Por eso lo más conveniente es llevar copias de tu música analizada en varios dispositivos. Un par de pendrives extra no ocupan apenas sitio y pueden salvarte la sesión. En uno de ellos es aconsejable que metas tu música sin analizar por si el reproductor no es compatible con el software que utilizas en casa.

Si pinchas con ordenador te sugerimos que lleves una copia de seguridad externa con toda tu música, a ser posible en un pendrive. Si tu ordenador se avería y la sala cuenta con reproductores, podrás pinchar con ellos.

usb - maleta de dj

 

Instalador de tu software para pinchar

La informática a veces es traicionera y los programas dejan de funcionar cuando menos te lo esperas. Para no entrar en crisis y poder seguir con tu bolo, si tienes el instalador de tu software a mano podrás reinstalarlo. En menos de quince minutos tendrás solucionado el problema y la música estará sonando.

 

Tapones para los oídos

Vas a destinar muchas horas a estar expuesto a un alto nivel acústico. Con los tapones protegerás tus oídos y evitarás la fatiga auditiva a lo largo de la sesión. Por culpa de esta segunda, a veces, se comete el error de subir la ganancia y poner los temas a un volumen más alto de lo que se debería.

Tapones para los oídos - maleta de dj

 

Limpiador de vinilos, cápsulas, agujas y patinadores

Si eres de los que pincha con vinilos hay varias cosas que no se te pueden olvidar. En primer lugar, un limpiador de vinilos. Es muy fácil que en el ambiente haya pequeñas motas de polvo y una de ellas sobre tu vinilo puede hacer que no suene correctamente.

Además, si vas a utilizar el equipo de la sala quizás las cápsulas y las agujas no estén en el mejor estado pues suelen desgastarse bastante. Es recomendable que lleves un par de repuesto y unos patinadores.

 

Linterna

Ya sabemos que hoy en día el teléfono móvil sirve para muchas cosas, incluso como linterna. Pero si tienes un bolo nocturno o en un sitio con poca luz no puedes depender de la batería de tu móvil o de su capacidad de iluminar si en algún momento necesitas ver con claridad. Una pequeña linterna led será de gran ayuda si necesitas cambiar un cable o si se te cae un pendrive, por ejemplo.

 

Alargador y/o regleta

Si pinchas con ordenador no puedes arriesgarte a quedarte sin batería en medio de la sesión y, a veces, no queda ningún enchufe libre cerca de la cabina. Un alargador o regleta siempre es útil. Más vale que sobren clavijas para poder conectarte a la corriente eléctrica a que falten.

Alargador y/o regleta - maleta de dj

 

Ten en cuenta todas estas cosas a la hora de armar tu maleta de DJ. Recuerda siempre ser precavido, de esta manera podrás prevenir cualquier imprevisto que pueda ocurrir en tu trabajo.

 

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apps que no pueden faltar en tu movil si eres DJ

Las apps que no pueden faltar en tu móvil si eres DJ

 

¿Te ha pasado alguna vez que se te ocurre una melodía, no tienes forma de plasmarla y queda en el olvido? No te preocupes, la creatividad llega cuando menos te lo esperas y eso es algo muy común que nos ha pasado a todos. Es por eso que con este artículo queremos darte la solución. Si eres dj, a continuación, te dejamos algunas aplicaciones que deberías tener instaladas en tu teléfono móvil. Así la próxima vez que la inspiración te pille fuera del estudio no perderás esa idea. Algunas de ellas, incluso pueden servirte para amenizar una fiesta.

 

Edjing

Es una aplicación muy potente para mezclar música. Cuenta con doble bandeja de mezcla, grabador, ecualizador y automix. Pero sus características más impresionantes son la compatibilidad con Deezer, el soporte para tu biblioteca local, que cuenta con 16 muestras para reproducir y que tiene sincronización continua de dos pistas y bucles. También tiene turn-tables, acceso a SoundCloud, un crossfader y la capacidad de subir tus mezclas a la nube directamente desde la app.

 

Djay

djay - app para dj y productores

Con esta app tendrás todas las herramientas de la mesa de un DJ en tu móvil. Cuenta con doble plato de mezclas, auto-mezcla, efectos, pitch-bend, looping y grabación de música siempre que no sea en streaming, entre otras muchas cosas. Pero lo que más destaca de Djay es la integración de Spotify premium, por lo que si cuentas con este plan podrás utilizar toda su música sin necesidad de tenerla guardada en tu dispositivo.

 

Traktor DJ

Una de los softwares de djing más populares adaptado a tu smartphone. Esta app tiene gran cantidad de efectos de transición, detección automática de tempo y sincronización de BPM. Además, la misma app te sugiere el tema que poner a continuación y lo hace con bastante acierto.

FL Studio Mobile

Los productores amantes de Fruity Loops pueden llevar este DAW con ellos siempre. Aunque en su versión móvil tiene algunas limitaciones, esta app ofrece gran cantidad de posibilidades. Puedes crear melodías a través de su piano roll y de los diferentes instrumentos, grabar y exportar tus creaciones en WAV, MIDI y AAC.

FL Studio Mobile cuenta con varios efectos como EQ, Delay, Reverb, Limiter, Filter o Amp. Además, te da la posibilidad de compartir tus temas a través de Dropbox o correo electrónico. Pero su característica estrella es que puedes conectarla a tu DAW del ordenador para poder trabajar con mayor comodidad sobre todas tus creaciones.

Esta aplicación te ofrece secuenciador de canciones, bastidor de efectos que admite dos efectos por módulo, control de volumen maestro, EQ, limitador y un mezclador de siete canales. Caustic cuenta con módulos como Beatbox, Organ, Modular, Subsynth, FMSynth, 8BitSynth, PCMSynth, Bassline, Vocoder o KSSynth. Además, podrás usar tus archivos WAV guardados con la app en BeatBox, PCMSynth y Vocoder.

Music Maker JAM

Se trata de un pequeño estudio de grabación de 8 pistas en las cuales se pueden mezclar diferentes loops que están organizados por géneros musicales que, a su vez, cuentan con varios instrumentos musicales. Tiene 100 estilos de música diferentes como EDM, Hip Hop, House, Pop, Dubstep o Rock.

Una de las particularidades de Music Maker JAM es que puedes grabar sonidos con el micrófono de tu teléfono, por ejemplo tu voz, y añadirlo como una pista más. También cuenta con varios efectos y capacidad para ajustar el tempo y la armonía. Además, podrás compartir tus creaciones directamente desde la app a tus redes sociales.

 

Drum Pad Machine

Esta app funciona como un launchpad, aunque de forma más básica. Su funcionamiento se basa en ir pulsando los diferentes cuadrados de colores. A cada uno de estos pads les puedes asignar un sonido diferente y con ello crear una base o una melodía.

Drum Pad Machine cuenta con un aspecto visual muy cómodo y mucha facilidad de manejo.

 

Y, como bonus tracks, te dejamos unas apps que no son para crear pero que sí son obligatorias en el teléfono móvil de cualquier artista musical o melómano:

  • Shazam: Un detector de canciones. Para cuando escuchas ese tema que te molaría meter en tus sesiones pero no sabes de qué artista es ni como se llama.
  • SoundCloud y MixCloud: Las plataformas más populares donde djs y productores comparten sus creaciones. Si no tienes un perfil ya creado en ellas, estás tardando en hacerlo.
  • Spotify o Apple Music: Desde que llegaron este tipo de plataformas de música en streaming no hay disculpa para no estar al tanto de todas las novedades.

 

Así que ya sabes, si eres dj y buscas apps que pueden salvarte de alguna situación, aquí tienes algunas para descargar y trastear. Eso sí, ten en cuenta que casi todas estas aplicaciones tienen su versión gratuita, más limitada, y su versión de pago, con la que tendrás una experiencia más completa.

 

 


 


"Mi experiencia en DJP Music School" por Beatriz Cano

En esta ocasión os traemos la experiencia de Beatriz Cano, tras su paso por DJP Music School. Una alumna que buscaba aprender más acerca de Ableton, y decidió hacerlo en nuestra escuela que es el primer Ableton Certified Training Center de Madrid. Os dejamos con su testimonio a continuación.


experiencia DJP Music School

De cómo me he iniciado en la producción musical

Por Beatriz Cano

Mi trabajo siempre ha estado ligado a la música aunque desde la retaguardia, en el mundo de la comunicación. Hace un par de años di el paso a meterme en la cabina pero nunca me había atrevido a crear más allá de las mezclas como DJ.

Componer un tema se me hacía un mundo ya que solo he tenido formación musical autodidacta para enfrentarme a la mesa de mezclas. Por eso decidí que tenía que hacer algo para ser una artista más versátil y poder ofrecer mejores experiencias en mis lives. Ahí fue cuando me topé con DJP Music School.

Para iniciarme en el mundo de la producción musical escogí Ableton Live por las buenas referencias que me habían dado compañeros profesionales de la música. Entre los DAWs que estuve investigando fue el que más me convenció para incluirlo en mis performances. Y ya de lanzarme a ello, ¿qué mejor que aprender en un centro certificado por el propio programa?

Por si no lo sabías, DJP Music School imparte un Programa Certificado de Producción en Ableton, puedes ver más información aquí

https://www.youtube.com/watch?v=liF4LhNhu78&ab_channel=DJPMusicSchool

Una de las cosas que creo que ha de tener una escuela de música es la capacidad de adaptarse al nivel y a los gustos del alumno puesto que cada uno llega al aula con un currículum diferente. En mi caso, mi repertorio pasa por varios estilos que pueden ir del rock o el indie hasta el techno más oscuro y, en ocasiones, he tenido que decantarme por uno u otro a la hora de buscar formación. Así pues, desde el primer momento que hablé con el equipo de DJP supe que era un buen lugar donde evolucionar ya que supieron amoldarse a lo que necesitaba y encajaba conmigo.

Empezar en el mundo de la producción musical puede dar un poco de vértigo, sobre todo en los inicios, dado que son muchos los conceptos y las técnicas que tienes que dominar para poder plasmar de forma audible las ideas que surgen en tu cabeza. Por eso es importante tener un temario estructurado y desglosado que sirva como guía antes de enfrentarte a la pantalla y al Ableton Push. En mi caso, un truco que he utilizado ha sido ojear todo el contenido del campus virtual antes de ir a las clases presenciales para no sentirme muy perdida. De esta forma, las clases se han hecho más amenas y las hemos podido dedicar casi en su totalidad a practicar, que es la mejor forma de aprender a hacer música.

Ableton Live Suite en DJP Music School - Ableton Certified Training Center

Al realizar un curso intensivo asistiendo tres días por semana a la escuela, repartidas en clases de casi tres horas cada una, más el tiempo que tienes que dedicarle en casa para repasar y realizar los trabajos prácticos, te obligas a ser constante para completar todo del programa. El plan académico que sigue DJP Music School propone metas a corto, medio y largo plazo. Cada clase tiene un objetivo y cada bloque es evaluado para comprobar que se hayan alcanzado las competencias que se habían propuesto. En cuanto vayas cumpliendo todo esto te darás cuenta de que aprender a producir con Ableton Live es bastante sencillo y al cabo de dos meses sabrás todo lo necesario para construir un buen tema o finalizar los que ya tienes. Aunque siempre se van descubriendo novedades, en la música nunca se sabe lo suficiente.

Contaros también, que en DJP Music School cuentan con asesores muy cualificados que podrán interpretar lo que necesitas y llegarán a ofrecerte la mejor opción para ti, como en mi caso con el curso.

Con pasión por lo que se imparte se consigue que el estudio se convierta en algo ameno y divertido. Por eso, una de las cosas que más valoro de todas las que me he llevado de DJP Music School, aparte de los conocimientos y destrezas musicales, son las ganas de seguir adelante en el mundo de la producción. Ahora es el momento de seguir indagando y poner en práctica todo lo que me han enseñado. Ya he empezado a montar mi pequeño estudio en casa, quizás los que no están tan contentos con la idea son mis vecinos.

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mezcla armónica para DJs principiantes

La mezcla armónica para DJs principiantes

 

mezcla armónica para DJs principiantesUn buen dj no sólo se caracteriza por encajar a la perfección el tempo de dos temas, sino que tiene que ser capaz de mezclar dos (o más) tracks cuyas tonalidades casen de forma precisa. El truco para ello es la mezcla armónica.

El mixing armónico sigue unas reglas establecidas utilizando el sistema de la Rueda de Camelot, cuya interpretación ayuda a acertar qué canción pega con cuál a la hora de pinchar. A continuación te contamos cómo interpretarla y los trucos para comenzar a utilizar esta técnica que perfeccionará tus sesiones.

¿Qué es la rueda de Camelot?

La rueda de Camelot es una representación gráfica de las 12 tonalidades mayores y las 12 tonalidades menores. Las mayores se representan en el círculo exterior y las menores en el interior. A cada nota musical se le asigna un número del uno al doce que van en la dirección de las agujas del reloj. Se trata de una reinterpretación del Círculo de Quintas.

Las tonalidades situadas en la parte interior y exterior respectivamente poseen las mismas notas de la escala, aunque distinto centro de gravedad (mayores y menores). La tonalidad establecerá un centro de gravedad a partir del cual se crearán las escalas y sobre el que orbitarán los distintos acordes. La letra A se asigna a las escalas menores (en el interior de la rueda) y la letra B a las mayores (en el exterior de la rueda) e indica qué tipo de escala se utilizó para la composición del tema.

Siguiendo esta gráfica, los tracks asignados en la misma casilla con el mismo código o tonalidad, son los más propensos a encajar fácilmente porque comparten todas las notas de la escala. Pero existen diferentes trucos o técnicas para variar la tonalidad en tus sesiones y mezclar temas con tonalidades diferentes.

Lo primero que necesitas saber para empezar a utilizar la mezcla armónica es el tono en el que se encuentra cada canción pero si no lo sabes reconocer solo escuchándolo, no te preocupes. Por suerte todos los softwares para djs incorporan ya sus propios sistemas para analizar cada track y detectar su tonalidad para facilitarte las mezclas armónicas. Fíjate en la pestaña key y lo sabrás.

Si eres de la antigua escuela y pinchas con vinilos quizás esto te resulte más complicado sin ayuda de ningún software, pero entrenando la escucha puedes conseguir saber qué tonalidad tiene cada tema. Aún así, tanto si eres dj de vinilo como digital, con el tiempo y la práctica serás capaz de saber de manera intuitiva qué tracks combinan entre sí.

Cómo funciona la Rueda de Camelot

¿Cómo usar la Rueda de Camelot?

La utilización de esta técnica para mezclar consiste en casar temas que tengan tonalidades compatibles.

Antes de ponerte a pinchar tienes que bloquear el cambio de tonalidad. Se trata de activar el Keylock o Master Tempo, tendrá un nombre u otro según el software o herramienta que estés utilizando. Esto es porque si cambia el pitch de la canción cambiará su tonalidad. Si pinchas con platos, donde en algunos modelos no es posible bloquear el cambio de tono, tienes que fijarte en que no haya una diferencia de pitch de más de 1,7% para que el mixing armónico funcione.

A continuación, te contamos cuáles son los trucos básicos para saber cómo poder dar saltos en la Rueda de Camelot manteniendo la armonía.

Cambiar de mayores a menores relativas y viceversa:

Se trata del salto más sencillo y que a primera vista parece más lógico. Muévete de una letra a otra (de A a B y al revés), es decir, de la casilla interior a su homónima exterior y viceversa, manteniendo el mismo número. Es decir, mezcla temas que tengan la misma nota pero cambiando de escala mayor a menor. Por ejemplo, 7A con 7B.

Cambio tonal:

Es otro de los saltos más simples. Se trata de moverte entre los números contiguos en ambos sentidos de la rueda. Solo tienes que solo tienes que sumar uno o restarlo. O lo que es lo mismo, subir o bajar una nota. Por ejemplo, 3B con 2B o 4B.

Cambio modal:

El cambio modal consiste en saltar de tonos mayores a tonos menores y viceversa.

Si te encuentras en una tema con tonalidad mayor (en la parte exterior del círculo), puedes cambiar a uno menor bajando a la correspondiente menor (interior del círculo) y dar tres saltos hacia la izquierda (sentido contrario a las agujas del reloj). Por ejemplo, de de 7B a 4A. Si, por el contrario, quieres pasar de una tonalidad menor a una mayor el movimiento se realiza a la inversa: saltas a la nota correlativa mayor (exterior del círculo) y das tres saltos hacia la derecha (sentido de las agujas del reloj). Por ejemplo, de 7A a 10B.

Energy Bost:

Esta técnica no es exactamente de mezcla armónica porque no combina armonías compatibles. Hacer Energy Bost es crear una sensación de aumento de energía (lo coloquialmente conocido como subidón).

Este tipo de cambio consiste en que la siguiente canción que vas a pinchar tenga una tonalidad que esté a 2 posiciones más (si quieres subir un tono) o 7 posiciones más (si quieres subir un semitono) que la que principal. En este método siempre se suma, es decir, los movimientos son en el sentido de las agujas del reloj y sin cambiar de A a B o viceversa. Por ejemplo, para irías de 2A a 9A para subir el track un semitono o de 2A a 4A para subirlo un tono.

Este efecto es recomendable en transiciones muy rápidas o en las que hay una parada y en ese momento aprovechamos para lanzar el siguiente tema con el bajo ya subido para que no haya disonancias.

 

Así que ya sabes, si todavía no tienes tanta experiencia como Dj y quieres saber si tus mezclas sonarán "bien", te aconsejamos que utilices la Rueda de Camelot. Así verás si todo encaja perfectamente sin haberlo comprobado antes.

 

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mejores auriculares o cascos para DJ

Los mejores auriculares para DJ

mejores auriculares o cascos para DJ

¿Necesitas auriculares para comenzar tu carrera como DJ? ¿Te gustaría escuchar tus listas de reproducción con un sonido claro y nítido?

Si eres DJ o conoces lo básico de este oficio, sabrás que una de las herramientas más importantes para los DJs son, sin lugar a dudas, sus auriculares. 

La elección de unos auriculares para Djing depende de muchos factores: la preferencia por una marca u otra, sus características técnicas o incluso su versatilidad al poder utilizarlos también en nuestras producciones o como auriculares de uso diario, determinan nuestra elección final.

En el mercado actual existen muchos modelos de auriculares hechos para este trabajo, donde la durabilidad, la portabilidad y la comodidad, son las características más importantes a tener en cuenta. Además existen otros factores que influyen en la elección como son la resistencia, la personalización o el precio.

A continuación te damos una lista con nuestras recomendaciones de auriculares duraderos, portátiles, y con un sonido de alta calidad. 

Así que si buscas cascos para pinchar o disfrutar tus ritmos con la calidad de sonido que merecen, esta lista simplificará tu búsqueda de los auriculares más adecuados:

 

Sennheiser HD 25

cascos o auriculares para DJ

Posiblemente los auriculares más vistos en las cabinas de todo el mundo. No es de extrañar ya que su ligereza y resistencia los convierten en unos de los más demandados.

A favor tienen su escaso peso (lo que los hace muy cómodos), su construcción duradera (con materiales plásticos prácticamente indestructibles), su precio asequible y una gran cantidad de opciones de recambio para todos sus componentes.

Lo único negativo de estos auriculares es que con el uso, las almohadillas de la diadema siempre se acaban despegando y el cable de serie podría ser de mejor calidad.

 

Sennheiser HD 25 Light 

Cascos o auriculares para DJ

La nueva versión de estos auriculares ha mejorado significativamente al cambiar la forma en la que van equipados en la diadema, permitiendo la utilización de los mismos auriculares que en su modelo superior- el Hd25.

Con las mismas características del modelo superior, al tener una diadema simple mucho más ligeros y económicos.

 

Audio Technica  ATH-M20X/ ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT

Cascos o auriculares para DJ

Estos modelos de Audio Technica son prácticamente clónicos en su construcción y materiales, con pequeñas diferencias aparte de las especificaciones técnicas de cada modelo y su precio.

Estas diferencias son:

  • La posibilidad de plegado en los modelos ATH-M30X/ ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT
  • El cable desmontable en los modelos ATH-M40X/ ATH-M50X/ ATH-M50XBT                
  • El giro de los auriculares en los modelos ATH-M50X/ ATH-M50XBT
  • La conexión Bluetooth en el modelo ATH-M50XBT

Todos ellos son sumamente resistentes, aunque el ATH-M50XBT es bastante más pesado al equipar el sistema Bluetooth y la batería, lo que permite hasta 40 horas de escucha de forma inalámbrica.

El rango de precios va desde los 49 euros del modelo ATH-M20X hasta los 219 euros del modelo ATH M50XBT en su página oficial.

 

AIAIAI TMA-2

auriculares o cascos para DJ

Los auriculares modulares AIAIAI TMA-2 permiten una completa configuración personalizada de cada uno de sus componentes. Así podrás elegir almohadillas de diferentes tamaños, composición y aislamiento, cables, auriculares de diversas especificaciones técnicas, y diferentes diademas, una de ellas equipada con sistema Bluetooth.

La posibilidad de una configuración totalmente personalizable y de poder cambiarla según nuestras necesidades adquiriendo nuevos elementos, convierte a estos auriculares en una gran elección a pesar de su elevado precio.

 

Los fabricantes de equipamiento para DJs aún no han creado unos auriculares que puedan usarse de forma inalámbrica. No cabe duda que ésta opción será el siguiente paso en el abanico de posibilidades de auriculares para DJs, formando parte de las actuales opciones de conexión WIFI con plataformas de streaming musical de los reproductores más modernos.

Y tú ¿qué auriculares prefieres para pinchar?

 

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Instagram como herramienta de marketing para DJs y Productores

A día de hoy, Instagram es una de las redes sociales mejor valorada y que más se utiliza. Al comenzar tu carrera en la música, ya sea como DJ o Productor, tienes que saber que esta aplicación es una muy buena herramienta para darte a conocer, promocionarte y llegar a un gran público sin salir de tu casa o de tu estudio.

Pero antes tienes que saber que todo lo que te recomendaremos a continuación te ayudará a crear tu marca personal.

¿Qué es la Marca Personal y cómo te ayudará con la música?

La marca personal es la huella que dejamos en los demás a través de las distintas acciones que vamos haciendo, lo cual deriva en una buena reputación personal y profesional. Jeff Bezos, CEO de Amazon, la define como "lo que dicen de ti cuando no estás presente". Consiste en identificar y comunicar de manera constante las características que te hacen ser diferente y visible en un entorno competitivo y cambiante.

No se trata de vender nada, sino de posicionarte como persona destacada en tu rubro. Para eso deberás tener bien en claro cuáles serán tus objetivos, el público al que quieres dirigirte, definir la voz que utilizarás y también la gama de colores que te representen. A todo eso deberás sumarle mucho esfuerzo y dedicación. ¡Ah! Y no te olvides de crear contenido de calidad para tu público objetivo, esto también suma a tu marca personal.

 

En esta ocasión te daremos 5 tips para hacer que tu cuenta sea aún más profesional y mejorar su uso como herramienta de marketing digital.

1. Genera contenido de calidad

Tienes que conocer muy bien el target de tu audiencia para generar el contenido adecuado. Si bien la música es un arte universal, tienes que tener en cuenta que dependiendo del estilo que más se asocie con lo que tu haces, tendrás un público u otro. No es el mismo grupo social el que escucha trap que el que oye rock. Por eso, tienes que segmentar tu público objetivo y crear contenido acorde a sus gustos estéticos o su franja de edad, entre otras cosas.

Es muy importante cuidar la calidad de las fotografías y vídeos que subes así como la gramática y ortografía de cada copy. Planea tu contenido con anterioridad y no publiques por publicar. Por supuesto, si ocurre algún evento urgente del que haya que informar en el acto esto cambiará.

Ten también en cuenta el aspecto de tu feed para que sea atractivo visualmente. Instagram es una red social visual y cuanto más bonito se vea todo, sin fotos o vídeos pixelados y mal iluminados, y con textos breves pero directos, mejor acapararás la atención de los usuarios. Para esto te puedes ayudar de aplicaciones paralelas, como Preview, que te ayudarán a visualizar cómo queda la estética de tu feed antes de postear.

Otro consejo que te damos es que si utilizas filtros para tus fotografías y vídeos siempre uses el mismo o como mucho dos diferentes (por ejemplo, uno a color y otro en blanco y negro) para crear una imagen de marca asociada a los colores de tu Instagram. Si tienes un poco de técnica en el mundo del retoque fotográfico es aconsejable que crees tus propios presets en vez de utilizar filtros universales. Así te diferenciarás del resto.

2. Sé activo en Instagram Stories

A la mayor parte del público de Instagram le gusta consumir contenido rápido. Por ello debes aprovechar esta herramienta que ofrece la app para subir contenido diferente y para enlazar tus posts.

En esta parte de Instagram puedes dar rienda suelta a tu creatividad subiendo vídeos, fotografías o series de stories con una secuencia lógica. Usa las diferentes herramientas que la propia aplicación te proporciona en este apartado para hacer llamadas de atención a tus seguidores: preguntas y respuestas, encuestas, activación de cuentas atrás para tu próximo lanzamiento o live, etc.

Además, ten en cuenta que al subir una historia tu perfil aparecerá en el encabezado de la vista principal de Instagram y eso hace que tus seguidores sepan que estás activo y visiten tu perfil con mayor asiduidad.

 

3. Las emociones y el entretenimiento son muy importantes

Aunque tu cuenta esté dedicada a promocionarte como artista musical, tienes que tener en cuenta que Instagram es una red social de entretenimiento y, por esto, este tipo de contenido es el que mejor funciona.

Es muy importante compartir imágenes y vídeos con contenido emocional que involucren al público y hagan que suba el porcentaje de interacción. Muestra tu lado humano, no te muestres como una empresa sino como una persona. Esto no dista de vender tu trabajo, pero hazlo de tal forma que no conviertas tu perfil en una tienda. Comparte tu día a día o tus intereses más allá de tu música para crear un vínculo especial con tus followers.

También es importante que interactúes con tus colegas de profesión y compartas su trabajo, siempre y cuando éste te parezca interesante y te guste. La retroalimentación dentro de las redes sociales es muy importante para generar mayor alcance.

 

4. Mantén activa la comunicación con tu público

Da likes a las publicaciones de la gente a la que sigues, responde a los comentarios que te dejan, sigue cuentas que tengan intereses comunes a los tuyos. Cada vez que interactúas con tu público potencial reciben una notificación y, cuando esto sucede, casi siempre, suelen meterse a mirar tu perfil. Si no te seguían anteriormente y tu contenido les interesa, habrás conseguido un nuevo seguidor. Si ya era alguien que te seguía sabrá que no eres un robot, sino que detrás de ese perfil hay un ser humano.

Al igual que si saludas a alguien por la calle y no te responde te parecerá antipático, en las redes sociales pasa lo mismo. Muéstrate como alguien accesible, por supuesto con limitaciones.

 

5. Usa los hashtags correctos

El uso de hashtags es importante porque aumenta la posibilidad de que tu publicación aparezca en el motor de búsqueda de Instagram. Pero no se trata de etiquetar cualquier cosa; tienes que buscar con qué hashtags puedes mejorar tu alcance. Si usas hashtags con mucha competencia tu publicación puede caer en saco roto dentro de esa categoría. En cambio, si escoges hashtags más concretos, con actividad y sin spam dentro de su contenido, será más factible aparecer entre sus primeras publicaciones y podrás aumentar el alcance de tu post y tu audiencia.

Por ejemplo, #música es un hashtag muy amplio en el que será difícil posicionarse pero #músicaurbana es más concreto y alcanzará al público que le interesa de verdad.

Te aconsejamos que si utilizas los hashtags dentro del copy de tu post, los uses dentro del texto en vez de poner un montón de ellos al final. Visualmente quedarán remarcadas las palabras más importantes y facilitará la lectura.

 

En conclusión, éstos son sólo algunos consejos para utilizar Instagram como otra herramienta más para hacer llegar tus creaciones a más gente. Con el tiempo y el uso de la aplicación, irás dándote cuenta de qué es lo que más te conviene según tu perfil y el de tus followers. Mantener una buena red de contactos en el mundo virtual lleva su tiempo, no desesperes, ten paciencia y trabaja tus redes sociales para poder ir construyendo tu marca personal.

 

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los mejores DAW del 2021

Los mejores DAW del 2021

los mejores DAW del 2021

Tanto si estás empezando en la producción musical como si ya tienes algo de experiencia, es común preguntarte ¿cuál DAW es el mejor? ¿con cuál debo trabajar?, creyendo que las características técnicas de un DAW pueden influir en tu creatividad y/o afectar tus producciones.

Pero ¿de verdad un DAW puede afectar cómo trabajamos? ¿existe un DAW mejor que todos los demás? Y si es así y hubiese un reconocimiento al mejor DAW, ¿cuál sería el ganador?

 

¿Con qué DAW puedo hacer el match perfecto?

Para empezar, vamos a aclarar conceptos básicos, para aquellos que apenas empiezan en el mundo de la producción musical.

DAW es la abreviación inglesa de Digital Audio Workstation, o lo que es lo mismo, una estación de trabajo digital.  ¿Y qué es esto? pues es simple, es un estudio de grabación pero en software, de ahí el concepto de producción “in the box”. 

Atrás han quedado los tiempos en los que la única forma de producir un disco era en un estudio de grabación equipado con decenas de miles de euros entre software y hardware. Los avances tecnológicos han permitido que hayan programas que emulan estas funciones y así poder producir nuestra propia música simplemente teniendo un ordenador personal.

Hace 30 años cuando empezaron a aparecer en el mercado los primeros DAW, eran herramientas rudimentarias que solo trabajaban con MIDI y aunque eran útiles, las aplicaciones eran muy limitadas. Afortunadamente ahora todo es distinto, con diferentes fabricantes y desarrolladores buscando ganarse el mercado. Hoy en día disponemos de un catálogo bastante amplio, y con tantas opciones es fácil entrar en confusión cuando llega el momento de elegir uno.

Para ayudarte a salir de dudas, a continuación detallamos algunas de las características principales de los DAW que están encabezando las listas de los más populares entre músicos y productores.

 

Reaper

los mejores DAWs del 2021

Este quizás será el más joven de la lista, con múltiples opciones para personalizar la interfaz de trabajo y un precio reducido de sólo 60$USD. Reaper es la opción de muchos principiantes que se lanzan al mundo de la producción. No te dejes engañar por su precio, estamos hablando de un DAW hecho y derecho que te permitirá realizar cualquier tipo de producción.

Sus puntos fuertes, además del precio, son las opciones de ruteo y una gran cantidad de plugins nativos que te serán útiles cuando estás empezando.

Su punto débil va directamente relacionado a su edad, pues aunque tiene muchos plugins de fábrica, estos no son visualmente atractivos ni fáciles de manejar. Además, muchas de las características que normalmente tenemos en los apartados de edición en cualquier otro DAW, aquí o no están o no son tan flexibles como quisiéramos.

Es tu match si apenas estás empezando, si te dedicas al diseño sonoro y quieres una interfaz limpia, o simplemente si no quieres dejarte mucho dinero en un DAW.

 

Reason

los mejores DAWs del 2021

Reason suele ser la opción de productores de música electrónica que adoran el look de lo analógico. Su interfaz es famosa pues además de emular el sonido que es el apartado que nos suele interesar, también emula visualmente cómo funcionaría el equipo físico, permitiéndonos usar la pachera para combinar diferentes equipos y crear nuestros propios sonidos.

Su fuerte es la gran cantidad de instrumentos que trae de serie así como las posibilidades de crear diferentes sonidos y efectos.

Su debilidad quizás es el apartado de edición de audio, pues no es tan robusto como es en otros DAW.

Es tu match si no tienes intención de grabar audio y te gustan los instrumentos virtuales robustos y con buena calidad.

 

Cubase

los mejores DAWs del 2021

Desarrollado por Steinberg, Cubase es el hermano menor de Nuendo. Con más de 30 años en el mercado, Cubase sigue manteniéndose en el top debido a su gran número de instrumentos y samples de fábrica, así como su estabilidad. Muy popular entre compositores de bandas sonoras.

Su fuerte es el gran número de instrumentos incluidos y su facilidad para escribir notación musical.

Su debilidad es el flujo de trabajo, que no es especialmente fluido ni intuitivo.

Es tu match si eres músico de conservatorio y la notación musical es algo imprescindible para ti.

 

FL Studio

los mejores DAWs del 2021

Antes conocido como Fruity Loops hasta que Kellogg 's decidió que alguien se iba a terminar confundiendo con sus cereales del tucán e iba a tomar unos beats por desayuno. FL Studio nació como un videojuego para hacer beats, un enfoque de hacer música para no músicos que pronto le dio una gran popularidad entre los más jóvenes. Más de 20 años de vida han dado a FL Studio la madurez para convertirse en uno de los DAW más populares no solo entre los jóvenes, sino también en profesionales, que aprovechan un piano roll casi perfecto y una interfaz intuitiva para hacer producciones de vanguardia.

Sus puntos fuertes además de un precio competitivo y actualizaciones gratis de por vida, es una muy buena implementación MIDI, una interfaz muy amigable con usuarios nuevos, y una gran variedad de instrumentos y plugins de serie de gran calidad.

Sus debilidades quizás son vestigios de sus orígenes, y es que algunas técnicas de producción se realizan de maneras poco convencionales así como muchas características que hacen lo mismo lo cual puede resultar confuso o redundante.

Es tu match si quieres empezar a producir de cero, o si eres un productor de hip hop, trap o música electrónica, donde lo más importante son los instrumentos virtuales y el apartado MIDI.

Si te interesa este DAW, puedes descargarte el e-book gratuito

Guía FL Studio - descargar e-book

 

Pro Tools

los mejores DAWs del 2021

Probablemente Pro Tools es el software que ha estado más tiempo en estudios profesionales de la industria, se caracteriza por tener una interfaz que se centra en parecerse a cómo se hacían las cosas antes en analógico, lo cual da estupendos resultados para quienes tienen mucha experiencia. Por otro lado carece de una buena implementación MIDI y/o opciones para escribir notación musical.

Sus puntos fuertes son las opciones y características en el apartado de grabación y edición de audio, así como el hecho de ser un estándar en la industria.

Sus puntos débiles son sus precios desorbitados, su anticuada interfaz, su torpe implementación MIDI y lo poco amigable que puede ser con usuarios neófitos.

Es tu match si ya trabajas como profesional en la industria, y estás más centrado en la parte de grabación que en la de producción

 

Logic Pro

los mejores DAWs del 2021

Uno de los más populares para usuarios de Mac que empezaron con el GarageBand y decidieron dar el salto a algo más profesional. A l igual que todos los productos de Apple, Logic Pro ha venido bebiendo de los softwares estándar de la industria, primero tomando de Pro Tools y recientemente de Ableton Live. Popular también entre compositores de bandas sonoras, con una muy buena implementación MIDI y facilidad para escribir música así como para mezclar. Por otro lado, la edición de audio no está precisamente a la altura de sus competidores.

Sus puntos fuertes son su versatilidad, una interfaz intuitiva y amigable.

Sus puntos débiles, además del apartado de edición de audio, no existe un soporte o una atención especializada por el hecho de que sólo funciona en Mac.

Es tu match si eres usuario de Apple y quieres un DAW bueno tanto para componer música como para mezclar.

Si te atrae este DAW, quizá puede interesarte nuestro curso de Logic Pro X, míralo aquí.

 

Ableton Live

los mejores DAWs del 2021

A pesar de llevar poco más de 20 años en la industria, Ableton ha sabido desarrollar un software que a día de hoy ha conseguido estandarizarse como uno de los más utilizados en la industria musical, tanto por principiantes como por profesionales, que buscan un sistema intuitivo y sobre todo, rápido. Con una interfaz pensada en los directos, donde todos los elementos caben en una sola pantalla y una forma innovadora de crear música de una manera no lineal, Ableton Live es un DAW potente para un profesional, así como efectivo y fácil de usar para quienes apenas empiezan.

Sus puntos fuertes son su Session View que permite producir de forma creativa y eficaz, su gran cantidad de plugins y librerías de serie, así como unas grandes características de automatización e implementación MIDI.

Su punto débil es quizás el apartado de audio, donde aún no consigue ser tan robusto como otros DAW

Es tu match si haces música electrónica, te gusta experimentar con loops, eres DJ productor, si eres un artista enfocado en hacer live performances, o si te gusta mezclar la producción con el directo.

Si te interesa este DAW, puedes descargarte la guía de manera gratuita

 

Si aún no tienes claro que lo tuyo es la producción musical y sólo quieres probar uno de estos softwares, te recomendamos probar con un trial. Casi todos los desarrolladores ofrecen su software para probarlo de forma gratuita por algunos días e incluso meses como es el caso de Ableton Live.

Lo que no recomendamos es buscar un software gratuito si lo que quieres hacer es algo más serio, pues con esto, probarás cientos de opciones disponibles, encontrarás que de todas esas opciones la única que realmente te permitirá hacer algo es Audacity, y aun así sus funciones son tan limitadas, que terminarás pagando por algo más profesional.

Recuerda que al elegir un DAW, no estás firmando un contrato de por vida, no te vas a casar con él para siempre. La tecnología sigue avanzando, los desarrolladores siguen innovando y nuestras formas de trabajar van cambiando con las nuevas actualizaciones. Al final con tanta competencia, el ganador de esta lucha por crear el mejor DAW, siempre vas a ser tú.

 


 


Las 5 mejores colecciones VST gratuitas

Actualmente el mercado está inundado de librerías, sintetizadores, instrumentos virtuales y efectos de muchísima calidad, pero lo que no todos saben, es que gran parte de estos son 100% gratuitos. A continuación os dejamos una lista con algunos que complementarán a la perfección tu librería.

Labs por Spitfire

Labs por Spitfire - mejores VTS del momento

Spitfire es uno de los grandes fabricantes de librerías orquestales y cinemáticas del momento, y decidieron crear una librería gratuita con unos 12 Gb de peso y cientos de sonidos increíbles. Labs también incluye 34 paquetes de sonidos donde podrás encontrar pianos, instrumentos de cuerdas como charangos, mandolines y guitarras, sonidos de orquesta, percusiones y una variedad de sonidos de sintetizadores sampleados muy útiles para todos los géneros musicales.

Puedes descargar el gestor de Spirfire aquí.

Allí encontrarás todas las librerías de Labs disponibles para descarga e instalación.

Komplete Start de Native Instruments

Komplete Start de Native Instruments - mejores VTS gratuitos

No quedan dudas que de Native Instruments es uno de los más importantes fabricantes de software de producción musical en el mundo y que su paquete de pago Komplete, es uno de los más completos en el mercado; así que tener una parte de ese Komplete gratuitamente siempre será una gran oportunidad.
Komplete Start incluye unos 6 Gb de contenido, donde podrás encontrar unos 2000 sonidos de muy alta calidad, con 7 sintetizadores virtuales, 9 instrumentos sampleados, la suite de efectos Guitar Rig en su versión gratuita, con 50 presets de efectos disponibles y 3 programas claves en el universo de Native Instruments, Komplete Kontrol, Kontakt Player y Reaktor Player.

Puedes descargar Komplete Start aquí.

Syntronik Free por IK Multimedia

Syntronik Free por IK Multimedia - mejores VST gratuitos

Los italianos IK Multimedia, lograron con su paquete de pago Syntronik, la recreación de muchos de los sintetizadores más icónicos de la historia. Syntronik Free es la puerta de entrada a esta librería, con 17 sintetizadores clásicos muy bien emulados y totalmente funcionales, dentro de los que vamos a encontrar sintetizadores soñados como el Minimoog, el Jupiter, el Prophet V, el ARP 2600, el Juno, el Andrómeda, el CS80 y muchos más.

Puedes descargar Syntronik Free aquí.

Sampletank CS por IK Multimedia

Sampletank CS por IK Multimedia - mejores VST gratuitos

Otro de los muchos regalos de esta increíble empresa, esta vez con una librería que abarca muchos más sonidos de todo tipo y que se complementa muy bien con Syntronik.

Sampletank CS es la versión gratuita de la librería de pago Sampletank 4 y en ella podrás encontrar unos 4 Gb de contenido con 50 instrumentos sampleados, en los que hay cuerdas orquestales, pianos, guitarras, órganos, sintetizadores, sonidos de voces y mucho más.

Otro detalle interesante de esta librería es que incluye también 200 ritmos MIDI y un mezclador con 70 efectos disponibles.

Puedes descargar Sampletank CS aquí.

SineFactory de Orchestral Tools

SineFactory de Orchestral Tools - mejores VST gratuitos

Esta es una librería reciente, lanzada por Orchestral Tools para ganar notoriedad en la industria y para promocionar su gestor de librerías el Sine Player.

Aunque esta librería no tiene tantos sonidos disponibles como las que te mencionamos anteriormente, los que tiene son de muy buena calidad; con 11 Gb de sonidos, pueden encontrar un piano de cola muy bien sampleado, cuerdas orquestales con varias articulaciones disponibles y una librería de percusiones muy variadas y útiles.

Otro detalle a tener en cuenta es que cuando descargues Sine Player, también puedes elegir descargar una librería gratuita adicional llamada Layers, con más sonidos orquestales de gran calidad.

Puedes descarga Sine Player aquí.

Puedes solicitar SineFactory para descargar en SinePlayer aquí.

 

En conclusión una selección muy completa de sonidos gratuitos para disfrutar y complementar nuestro entorno de trabajo digital.

 

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libros para regalar a un dj

7 libros para regalar a un DJ

libros para regalar a un dj

No solo de música viven los amantes de este arte. Si tienes un amigo DJ, productor o simplemente aficionado a la electrónica, aquí te dejamos siete libros para regalarle con los que acertarás seguro.

 

1. “Loops I”, Javier Blánquez y Omar León, y “Loops II”, Javier Blánzquez

libros producción musical, dj

Dos libros que han de ocupar un lugar obligatorio en la librería de cualquier amante de la música electrónica. Más de 1.300 páginas donde el periodista Javier Blánquez (con la colaboración del DJ Omar León en el primer tomo y otros invitados como: Luis Llers, Marc Piñol, DJ Zero o Quim Casas) cuenta la historia de la música de club y su evolución a lo largo de los siglos XX y XXI.

En sus páginas se trazan las conexiones de la música electrónica con los universos del pop, el rock, el cine y la literatura. Además se plantea la evolución del techno en los últimos años, el papel que juega la electrónica en los guetos del tercer mundo y su relación con el hip hop, entre otros muchos temas relacionados el clubbing.

2. “Last night a DJ saved my life”, Bill Brewster y Frank Broughton

libro last night a dj save my life producción musical

Se trata de una misiva de amor a la figura del DJ y al mundo que rodea a este. Los autores cuentan la historia secreta de algunos de los momentos musicales más memorables de la cultura club. Desde los primeros discos pinchados en la radio hasta el techno, el house y todos los géneros relacionados con la electrónica.

A lo largo del libro se pueden encontrar testimonios de primera mano sobre el nacimiento de géneros como el disco, el hip hop, el house o el techno. Además por sus páginas podrás dar un paseo detallado por clubs legendarios como el Peppermint Lounge, el Cheetah, el Sound Factory o el Ministry of Sound, entre otros, con entrevistas a sus DJs más míticos.

En la edición de 2019, Alejandro Álvarez lo completa incluyendo textos sobre la misma escena pero en la actualidad.

3. “Techno Rebels”, Dan Sicko

libro portada Techno Rebels libros DJ

En la ciudad de Detroit, a principios y mediados de los años 80, se vivió una revolución musical que cambió la forma de escuchar música y de bailarla. En sus clubes y en sus radios surgió el techno. Y ahí es donde Dan Sicko comienza a trazar la evolución histórica de este estilo de música.

Esta obra se ha denominado la “Biblia del Techno”, por lo que es un imprescindible para los amantes de uno de los géneros más importantes de la música electrónica.

4. “Porcelain”, Moby

Porcelain libro DJ Moby

El nombre del mítico tema del artista neoyorkino da título a esta autobiografía. “Porcelain” fue, y sigue siendo, un himno que hasta sirvió de cortinilla en TVE.

Este libro cuenta la vida de Moby en la ciudad de Nueva York durante la década de los 90, comenzando en 1989 y acabando el 1999 (año de la publicación de su álbum “Play” en el que se incluye la canción que bautiza a este libro).

Se trata de un recorrido por la génesis del artista en una época convulsa para la Gran Manzana, tanto por su nivel de delincuencia como por el auge del consumo de drogas. Todo ello junto a la eclosión de la cultura club que terminó de emerger a principios y mediados de los 90 en una de las ciudades más caras, elitistas y mitificadas del mundo.

Con ironía y humor, Moby relata su etapa de oro como músico. Un viaje a sus primeros pasos en el panorama musical a través de su actividad como DJ en el Club Mars o sus primeras grabaciones y consecuentes éxitos como “Go”.

Este libro cuenta con una secuela titulada “Then It Fell Apart” que también merece como lectura recomendada.

5. “This is my Church”, Rutger Geerling

This is my church Rutger Geerling libro DJ

Es el más visual de todos los libros que te recomendamos en este artículo.

A través de fotografías tomadas por RUDGR, o Rutger Gerling como es su nombre real, conocerás a algunos de los djs más prestigiosos, los escenarios más notorios, los festivales más aclamados, las giras y todo lo que hay en el interior del mundo de la música electrónica.

Un álbum de fotos de lo más completo.

6. “Electroshock”, Laurent Garnier y David Brun-Lambert

Electroshock Laurent Garnier

Se trata de la autobiografía del artista Laurent Garnier elaborada a medias junto al escritor David Brun-Lambert. La publicación original se hizo en 2003, pero en 2017 se hizo una reedición a la que se le añadieron ocho capítulos más.

Este libro no solo habla de la relevancia de Garnier en la música electrónica y de sus más de 30 años de trayectoria, sino que también nos transporta en un viaje a la realidad del clubbing.

Una de las características que hace destacar esta publicación frente a otras biografías de artistas de la música es la pasión con la que el autor nos habla de este arte y de cómo se enamoró de la profesión y decidió dedicar su vida a ella contando al detalle sus altibajos.

7. “Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura de club”, Simon Reynolds

Energy Flash Simon Reynolds libro DJ

El autor de este libro, Simon Reynolds, es un afamado crítico musical británico. Con sus dotes de historiador de la música, en estas páginas aborda desde el boom del house en Chicago y el techno en Detroit hasta la cultura del rave en Reino Unido y el fenómeno EDM, el acid house y la cultura balearic importada de Ibiza a finales de los años 80. También harás un viaje a las primeras fiestas ilegales en naves industriales.

Además, dentro de estas páginas encontrarás joyas como entrevistas a DJs y productores claves de cada escena como Carl Craig, Paul Oakenfold, Goldie, Jeff Mills o Richie Hawtin, entre otros.

 

 

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Aprende a gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad musical

 

Conoce las técnicas que te servirán para ver lo positivo en lo negativo y maximizar tu potencial aún en los tiempos más difíciles.

 

¿Sabías que hay circunstancias externas estresantes que pueden afectar a tus producciones? ¿Quieres conocer cómo gestionar tus emociones y mejorar tu creatividad y productividad a la hora de crear nuevos temas?

Para emprender con la música conviene estar preparado/a tanto para disfrutar de logros, como para ver el lado amable de los momentos más convulsos e inciertos. Y en esto la psicología y la industria musical van muy de la mano.

En este post te contamos las técnicas psicológicas que te ayudarán a controlar mejor tus emociones, tomar decisiones, y sobre todo, proteger tu salud mental y física en medio de cualquier tipo de crisis, personal, global, etc.

Rosana Corbacho, psicóloga clínica y humanista especializada en la industria musical, y Fundadora de M.I. Therapy , ha creado este listado que seguro te ayudará a gestionar tus emociones y potenciar toda tu creatividad. ¡Allá vamos!

 

Auto-conocimiento

No se trata de que evites tus emociones negativas sino de que las identifiques para saberlas llevar. Es bueno hablar con otras personas acerca de ellas, detenerte a pensar de qué está hecho tu miedo, confrontarlo y así, aceptar y acoger tu vulnerabilidad para luego ponerte en acción con el fin de estar mejor.

Ser consciente de cuáles son tus valores y reacciones internas a los eventos externos te ayudará a tomar mejores decisiones e incrementar tu resiliencia.

Auto-cuidado

Duerme lo suficiente, haz ejercicio de forma regular, come saludable, escucha las necesidades y señales de tu cuerpo para desconectar y descansar. Antepón tus necesidades físicas a tu carrera.

Para ello, puedes acudir a prácticas como yoga, meditación, hacer ejercicio o escribir pensamientos. Evita los estimulantes, mejor reemplázalos con descanso y una buena alimentación.

También puedes dividir el trabajo intenso y programar tus actividades diarias en pequeños segmentos. Esto te permitirá conseguir logros, conectar con los demás y dejar un espacio para disfrutar de otras cosas que te guste hacer. No es bueno aislarte y concentrarte solamente en lo que tienes que hacer. Tu trabajo no es lo único que define tu identidad.

 

Ayuda especializada

Los profesionales te ayudarán a fomentar tu crecimiento, así como cualquier problema que encuentres en el camino. Recuerda que cuanto antes mucho mejor.

 

Conecta

Da prioridad a relaciones profundas y significativas. No te olvides de conectar con personas y actividades fuera de la industria musical. Somos animales sociales y el sentimiento de pertenencia nos hace más fuerte.

Desconecta

Tomarte días libres y hacer actividades fuera de la música te permitirá oxigenarte y estar plenamente presente cuando vuelvas al trabajo.

 

Fomenta tu Creatividad

No dejes de ser curioso o curiosa. Procura salir de la rutina, medita, separa la creatividad de la productividad. Evita el perfeccionismo, este tiende a generar bloqueo creativo.

No creas en los mitos relacionados con la creatividad, muchos de ellos te causarán más daño que beneficio. Por ejemplo “es que si no sufro no puedo crear nada” o “solo me inspiro cuando es de noche”.

Estos 4 poderosos hábitos te ayudarán a hacer música con impacto.

 

Busca la resiliencia

Este viene a ser el resultado de aplicar las técnicas anteriores. La resiliencia consiste en tener la capacidad de sobreponerse a la adversidad y salir lo más fortalecido(a) posible de ella.

Según investigaciones internacionales de la especialista Rosana Corbacho, las cifras de problemas de salud mental, como ansiedad, depresión o ideación suicida en personas de la industria musical superan a las de la población en general.

Un panorama que muchas veces tiene su causa en realidades de la industria como el estrés, falta de trabajo, competitividad, condiciones económicas y laborales, consumo de sustancias, aislamiento social, entre otras.

Pero ante esto, la solución para que te sientas mejor no pasa por cambiar la industria musical, todos los cambios inician por ti mismo(a). Y para eso la clave está en tu equilibro físico y mental.

Consigue tus objetivos musicales en tiempos de pandemia.

 

 

Aplica las técnicas. Tu cuerpo y tu mente te recompensarán con buena energía y esa condición te ayudará a llevar la situación de la manera más constructiva posible, evitando caer en emociones negativas como agobio, preocupación, miedo, tristeza, inseguridad, enfado, desmotivación y en problemas como el insomnio, abuso de sustancias, sensación de soledad, dificultad para concentrarse, tomar decisiones, trabajar, exceso de negatividad, la lista puede ser muy larga.

Recuerda siempre que las crisis siempre traen algo positivo, todo depende de cómo las veas.

Por último, ten en cuenta que estás claves no solo te servirán para momentos puntuales de crisis, también puedes convertirlas en hábitos, eso te hará aún más fuerte dentro de la industria.

Conoce más sobre M.I. Therapy, una organización que tiene como objetivo crear conciencia sobre la salud mental en la industria de la música.

https://www.instagram.com/m.i.therapy/
https://www.facebook.com/musicindustrytherapy/
https://twitter.com/MI_therapy

 


 


¿Qué necesito para grabar un podcast?

 

Graba podcast y conquista fans con estos sencillos pasos.

Actualmente uno de los formatos de entretenimiento e información en auge son los podcast. Lo cierto es que cada vez hay más y de variadas temáticas. No te quedes atrás y descubre aquí todo lo necesario para grabar el tuyo.

El podcast se ha convertido en uno de los principales argumentos para la supervivencia de la radio. Cada vez más marcas, personajes famosos, músicos, medios de comunicación tienen el suyo. Para empezar, podríamos definir lo qué es: se trata de episodios, generalmente de audio, que se publican de manera periódica sobre alguna temática. En los últimos tiempos este tipo de programas vienen ganando cada vez más peso, obligando a muchos creadores de contenido a adaptarse a este formato y a las ondas radiofónicas.

Para muchos, quizá los podcast sean algo desconocido y por lo tanto cueste de primeras el querer grabar uno. No obstante, es más sencillo de lo que parece y no son necesarias unas grandes instalaciones para grabarlo. Por ejemplo, si eres DJ o productor y quieres acercarte más a tus seguidores mediante un programa de radio, en este artículo de carácter técnico, te decimos qué pasos debes seguir.

 

¿Qué modelo de podcast quieres?

Lo primero de todo, antes de empezar a grabar, tienes que tener claro de qué vas a hablar y qué tipo de podcast quieres. Esta información es esencial para empezar con tu programa de radio. Por un lado tienes que elegir el género del podcast, quieres hacer un magazine, un programa de improvisación, entrevistas, análisis, opinión… Por otro lado, también debes definir la temática: deportes, música, cultura, política, algo variado…

Otros factores a tener en cuenta es el público al que irá dirigido tu podcast, esto definitivamente marcará el tono y la jerga del mismo. Por último, ¿para qué quieres grabar un podcast? puede ser para dar a conocer tu música, informar, cumplir con un objetivo de actualidad, entretener o quizá para hacer publicidad de los servicios de una empresa. Una vez resuelvas estas cuestiones, puedes ponerte manos a la obra con los siguientes aspectos técnicos. Conoce las últimas tendencias del Marketing Musical.

Recuerda también definir con qué frecuencia publicarás nuevos episodios y su duración. Existen podcast de 10 minutos a 2 horas o más. De publicación diaria, de 1 o 2 veces por semana, o de diferentes momentos en el mes. No hay regla, tu lo defines. La clave está en la constancia y organización.

 

Ten tu micrófono

Si bien es cierto que en los comienzos de los podcast caseros, la calidad pasaba a un segundo plano, ahora mismo es esencial tener cierta nitidez en el audio. Para ello es necesario que tengas tu micrófono. Puedes optar por opciones de las que ya dispongas en tu home studio y que te ofrezcan mayor calidad para tu audio, como un micrófono de condensador que conectes a tu tarjeta de sonido.

Si no cuentas con alternativas como estas, una opción más que válida sería un micrófono de conexión USB, directa al ordenador, que por lo general por un precio no superior a 50€ ofrecen una muy buena calidad de sonido. Además, sería importante comprar una esponja para el micrófono e incluso un filtro antipop para que el sonido sea lo más limpio posible. Gracias a las nuevas tecnologías, puedes grabar tu podcast con calidad sin tener que gastarte una fortuna.

 

 

Insonoriza tu habitación

Como puedes comprobar, no es necesario grabar en un estudio de radio para obtener una calidad óptima en tu podcast. Claro que, cuanto mejor acondiciones el lugar, por ejemplo tu habitación, el resultado será más gratificante. Para ello puedes llevar a cabo una serie de acciones para la insonorización para que no se nos cuelen ruidos externos en la grabación.

Existen diferentes maneras de insonorizar una habitación. A modo casero, puedes tratar de sellar los bordes de puertas y ventanas, para evitar que vengan ruidos del exterior de la habitación. Es aconsejable el uso de alfombras y de cortinas especiales, que también aportarán a la hora de obtener un sonido más limpio, así como muebles de madera. Lo más habitual es adquirir paneles de espuma para colocar en la pared, de forma estratégica y que aíslen del ruido. Estos son solo algunos trucos para poder hacer tu espacio ideal para grabar un podcast.

 

¿Con cuál software vas a grabar?

Puedes hacerlo con tu DAW favorito o si dispones de una grabadora, no necesitas el software para capturar el sonido, con la propia grabadora te será suficiente.

Sin embargo, si vas a grabar con varios micrófonos o directamente con un micrófono conectado por USB a tu portátil o PC, si necesitarás software para que coja el sonido. Para grabar tu podcast también puedes pensar en otras herramientas prácticas y gratuitas como Audacity, que coge bien el sonido y además permite su edición. Si lo que estás grabando es un podcast de música, combinando un DJ Set con locución, quizá te sea suficiente con Serato, Traktor o Virtual DJ.

Actualmente, para hacer entrevistas, por ejemplo, o programas con varios colaboradores, no es necesario estar juntos en la misma habitación. Aplicaciones como Zoom, te permiten grabar la videollamada, separando vídeo y audio y lo más importante, ofreciendo una calidad bastante competitiva. Con un micrófono de calidad, este tipo de aplicaciones deberían ser suficiente para grabar un programa de radio sin problemas.

 

 

Edita tu podcast

Con grabar un programa no es suficiente, tu podcast requiere una edición posterior. Incluso si grabas mientras emites en directo, para subirlo luego a las plataformas digitales, tienes que editarlo. Elimina algunas partes que puedan estar mal, haz cortes para que el podcast sea más dinámico, añade música de fondo o piezas de audio que apoyen lo que se está hablando y también en mejorar el sonido. No tienen que ser solamente de audio también pueden ser de vídeo y mezclar los dos formatos en tu podcast.

Lo cierto es que con las tecnologías actuales, puede haber una gran diferencia entre lo que grabas y lo que finalmente publicas, gracias a la postproducción. Edita en el DAW que manejes o igualmente, puedes tirar de alternativas como Audacity o Soundtrap, este último está online. También hay programas como Audition, que son de pago, pero que ofrecen unas prestaciones más profesionales.

 

Compártelo

Finalmente es el momento de compartir tu podcast. Como hemos comentado, actualmente este formato está de moda y como tal hay muchas plataformas digitales para distribuirlos.

Ivoox es por excelencia el lugar donde subir de manera online tus podcast, pero han ido surgiendo otros portales que han ido ganando popularidad. Apple lleva tiempo apostando por este formato, con su aplicación para IOS, donde recogen la mayoría de episodios de los programas más populares. Spotify en algo más de un año se ha posicionado como una de las plataformas en las que todo podcast debe estar, popularizando este formato, dividiéndolo en múltiples categorías y facilitando su publicación. Google Podcast o Tidal son otras de las opciones más populares.

Finalmente, las redes sociales, como en todos los campos de la vida de hoy en día, juegan un papel esencial. Hemos podido comprobar que el disponer de un podcast, es mucho más que grabar, hay que editarlo y distribuirlo. En esta última acción Instagram, Twitter y Facebook son vitales. Más allá de compartir los diferentes episodios de tu programa a través del marketing digital, se debe continuar con la línea y la tonalidad del podcast. Se trata de un canal para establecer contacto con los oyentes y sobre todo un apoyo al programa.

¿Vas a esperar más para grabar tu podcast?

 

 


 

 


Tips para cantar TRAP y crear tus mejores beats

Conviértete en el dios del trappin. ¡Atención a estos consejos!

Las mismas técnicas utilizadas para el resto del Rap son las que le dan vida al Trap, su principio básico es el sampler, es ahí en donde está el secreto.

Entrando más en detalle, la velocidad en el Southern Rap, o Trap, o como lo quieras llamar, es muy inferior a la de otros estilos, rondando entre 50 y 70 BPM. Esto permite rapear utilizando mayor número de sílabas en cada barra o incluso cantar más libre al disponer de más tiempo entre bombo y caja. Además se pueden hacer diferentes giros con otros elementos como el característico hihat.

Esta deceleración de velocidad se la debemos a DJ Screw , quien pinchaba bajando la revolución del vinilo en busca de mayor grave y una cadencia más lenta, pero más rápida. Él decía que esto es como se percibe todo cuando bebes sirup o lean, otra moda que el Trap toma del Southern Rap.

 

 

Tips básicos para hacer Trap

  • Más lento todo va más rápido.
  • Nútrete del Rap Sureño (estilo de Rap de finales de los 80, muy popular en el Sur de Estados Unidos).
  • Sé genuino, hazlo a tu manera.
  • Y sigue leyendo, porque tenemos más.

 

Crea un beat de Trap con esta guía gratuita. Descárgala aquí

 

Cuando de la voz en una canción de Trap se trata, hay que hacer referencia al famoso plugin: el Auto-Tune. Dale las gracias a Cher, quien usó por primera vez este corrector como una distorsión al ajustarlo demasiado rápido.

¡Pero ojo! Auto-Tune es un corrector, que valga la redundancia, corrige tu tono de forma natural si estás próximo al tono perfecto. Si no afinas, de nada te va a servir la herramienta y terminará haciendo lo que quiere con tu sonido. En este caso la clave está en ser genuino y tener gracia, y eso depende más de ti que de este corrector.

Por ser alumno DJP tienes un 50% de descuento para la compra de este software o cualquier otro producto de Antares. Infórmate + aquí.

 


 

Cómo cantar Trap

Si buscas en internet "cómo cantar Trap" o "cómo se canta el Trap", lo que vas a encontrar es un montón de gente diciéndote cómo silabear o cómo cantar como Migos, Asap o Drake. Si haces eso, solo acabaras cantando como ellos, y para que exista otro(a) como ellos, mejor seguir escuchando a esos mismos artistas. ¡Tienes que ser diferente!

La única manera de aprender a rapear es que lo hagas, te salga como te salga, y que no pares de hacerlo y de mejorar. Imitar si, pero no te limites a observar cómo lo hacen otros, mucho menos te copies, tírale e inspírate para crear tu propia propuesta.

Aprender a hacer música no es un proceso rápido que puedas aprender de un día para otro y más aún si quieres profundizar en la producción de música urbana.

 

Los mejores sonidos de Trap

Si has llegado hasta aquí, seguramente has oído hablar del 808, esa es la piedra angular del sonido tan característico de la música Trap. La Roland TR-808 fue presentada en 1980. ¡Si, hace 40 años!

 

https://www.youtube.com/watch?v=1juUbvmDSKk&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=3

 

El 808 no es solo el bajo grave que escuchamos; es una caja de ritmos con un sonido muy característico. Aquí tienes un emulador online de Roland TR-808 donde podrás jugar un poco.

Pues bien, se podría decir que la gran mayoría de los Trap Sound Pack, Trap Drum Pack o librerías de Trap que se pueden descargar, son sonidos con diferentes ajustes de esta máquina, o en su defecto re-sampleados por otras que le imprimen cualidades adicionales, como sucede con el 808 Bass que no es otra cosa que el propio Kick de la 808 con su decay al máximo y re-maestreada con un sampler cromático.

La muestra más conocida de las últimas décadas es el 808 Bass retocado por DJ Spinz y que comúnmente se conoce con su nombre 808 Spinz.

 

https://www.youtube.com/watch?v=8-dxomV68Qc&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH

 

Esto también se puede ver en el Phonk (originario de Memphis), que hacen exactamente lo mismo con el CowBell de la 808 que usan como instrumento melódico.

La elección de si vas a usar librerías de terceros o usar muestras originales de 808 para después retocarlas o no, es cosa de cada uno. El mejor consejo en este caso es que cada situación es diferente, así que lo mejor es decidir con base en cada momento.

Y un mejor consejo aún, no te limites a la 808 porque son los sonidos de moda; están guapos si, pero son muy usados y para sonar único hay que buscar sonidos que no use nadie o que no se suelan usar de esa forma o en este género.

Un ejemplo: 808 Mafia suele usar junto a su Tag un sonido de sirena que hizo muy característico su manera de comenzar cada tema. Ese sonido no es otro que el de Killbill, pero lo cogieron, lo samplearon y filtraron para hacerlo propio y añadir identidad.

 

https://www.youtube.com/watch?v=wGseV8EJjFA&list=PLCD9IwShCl9IlQBpd07VcXksr0lqow5KH&index=2

 

El mundo está lleno de sonidos para tu sampler, te dejamos estos tips adicionales para que consigas sonidos Trap con tu propio toque.

 

Tips para el sonido Trap y Rap

  • Juega con el pitch de tus muestras.
  • Presta especial atención a que el 808 Bass esté bien afinado.
  • No trates de obtener un sonido a partir de otro diferente, manipulando en exceso una muestra. Si quieres un sonido busca ese sonido.
  • Fíjate que el sonido que eliges actúa en las frecuencias en las que lo necesitas.
  • Busca sonidos que la gente reconozca, pero ve más allá de lo que se espera de ellos.

 

 



Cómo crear sonidos increíbles en Operator de Ableton

Exprime al máximo Operator, el sintetizador FM de Live.

Conoce cómo es Operator y aprende a crear sonidos metálicos o acampanados’ en este potente sintetizador digital. Aquí tienes todos los detalles:

Hoy en día en el mundo de la síntesis de sonido existen muchos métodos para poder generar una enorme variedad de timbres. Algunos de estos métodos pertenecen al ámbito analógico, como la síntesis substractiva o la síntesis aditiva; pero otros, mucho más sofisticados, tienen su origen en el mundo digital. Uno de los métodos digitales más famosos es la Síntesis por Frecuencia Modulada o Síntesis FM.

La síntesis FM (a partir de aquí FM) es un método para poder generar sonidos de manera tanto analógica como digital. Pero es cierto que la FM en el ámbito digital ofrece muchas más posibilidades que en el ámbito analógico.

El término algoritmo en FM se refiere a la disposición de los operadores; un operador es un conjunto de 4 parámetros generales, forma de onda (waveform), afinación (pitch), envolvente (envelope o ADSR) y amplificador.

Los sintetizadores basados en FM suelen ser sintetizadores de 4, 6 u 8 operadores. Sólo existen 2 disposiciones de los operadores en los algoritmos, o se suman entre ellos (aditiva), o se modulan entre ellos (FM). Gracias a estas características los sintetizadores FM te brindan la oportunidad de llegar a timbres imposibles de conseguir a través de otros métodos de síntesis.

 

 

Operator combina síntesis FM y aditiva, como puedes ver en la imagen, ofrece 4 operadores: A, B, C y D, dispuestos de abajo a arriba. En la ventana central se puede observar lo que contiene cada uno de los operadores, forma de onda y envolvente. La afinación se encuentra en la ventana de la izquierda, Coarse y Fine (afinación o pitch) y Level (amplificador). 

Si pinchas en el módulo final de la parte derecha del sintetizador podrás ver, en la ventana central, los siguientes algoritmos de los que dispones.

 

 

Atendiendo a estos algoritmos puedes ver que el que está más a la izquierda (en vertical) presenta una disposición de operadores, de tal manera que el operador D modulará en FM al C, y este al B, para terminar modulando al operador A.

Sin embargo, al otro lado, el que está más hacia la derecha (en horizontal) ofrece una disposición de operadores donde ninguno modula en FM a ninguno, sino que se basaría en ir sumando el operador A, el B, el C y el D (aditiva). Entre uno y otro hay, como puedes ver en la imagen, diferentes disposiciones de estos operadores, combinando así ambas formas, FM y aditiva.

Esto quiere decir que, en base a la afinación (Coarse y Fine), la forma de onda (Waveform) y el volumen (Level) de los operadores, los distintos algoritmos te ofrecerán variedad de timbres de esa configuración en concreto, la cantidad de timbres diferentes que puedes crear son prácticamente infinitas.

 

Así puedes diseñar tus sonidos metálicos

Al cargar el Operator te ofrecerá por defecto el primer algoritmo de su serie, el vertical. Puedes empezar a crear tu sonido con ese algoritmo.

Operador A

Este operador, según el algoritmo elegido, será el que porte toda la modulación producida por los otros 3, de ahí que, en este caso, se le denomine Portador (Carrier)

-  La forma de onda del operador A será una sine wave.

-  En la envolvente bajaremos el sustain considerablemente y aumentaremos ligeramente el release.

-  La afinación se queda como está, coarse (1) y fine (0).

 

 

Operador B

- Forma de onda sine wave.

- Copiamos la envolvente del Operador A, esto se puede hacer muy fácilmente dando al botón derecho sobre la pantalla de la envolvente.

- Aumenta el volumen del operador (Level) hasta oír un cambio grande en el sonido inicial. 

- Aumenta la afinación, por ejemplo, Coarse 8 y Fine 0.

 

Operador C y Operador D

- De la misma forma que en el operador B.

- Observa cómo alejando las afinaciones (Coarse y Fine) de unos operadores con otros, puedes conseguir sonidos metálicos muy realistas, timbres más naturales y orgánicos.

-  Experimenta cómo cambia el sonido y los distintos timbres que puedes obtener al manipular las afinaciones (Coarse y Fine) y los volúmenes (Level) de los 4 operadores. También con sus distintas formas de onda y cambiando ligeramente las envolventes de los operadores.

- Quédate en un timbre que te guste y ve cambiando el tipo de algoritmo del Operator, obtendrás otro tipo de sonido de acuerdo a cada configuración.

 

 

Una vez encuentres el timbre final que más te guste, te animamos a que experimentes con los diferentes tipos de filtrado, ligeras modulaciones con el LFO, abriendo el campo estéreo del sonido, usando el parámetro ‘Spread’, buscando un tono más claro o más oscuro con el parámetro ‘Tone’, alargando o acortando el release del sonido con el parámetro ‘Time’, etc., incluso creando una pequeña sensación de desafinación en el attack del sonido usando el parámetro Pitch Env.

También usando el plug-in Arpeggiator de Ableton Live crearás una secuencia muy variada gracias a sus muchas posibilidades, de esta manera podrás obtener algo parecido a una línea de percusión por ejemplo.

 

 

Por último y para completar el diseño del sonido es muy recomendable que te ayudes de un plug-in de reverberación y otro de delay estéreo con diferentes tiempos a izquierda y derecha. De esta manera podrás ubicar el sonido en un espacio y conseguirás un sonido mucho más natural. Descubre cómo crear 808 con Operator.

 

Datos extra sobre la síntesis de sonido

La aparición de los chips digitales, y más tarde la de los microchips, permitieron a la síntesis de sonido expandirse como nunca lo había hecho anteriormente. Tan grande es el abanico de posibilidades en el ámbito digital que incluso hoy en día estos métodos siguen en desarrollo, sin conocer aún cuál es el límite.

La FM digital fue un invento del compositor e inventor estadounidense John Chowning en el año 1967. En aquel año y desde la Universidad de Stamford, Chowning desarrolló un algoritmo matemático para hacer posible la modulación de frecuencia. 

A pesar del año en el que se inventó no sería hasta principios de los años 80, concretamente en 1983, cuando la marca Yamaha sacase al mercado el primer sintetizador basado en FM, el Yamaha DX7. Un sintetizador muy conocido mundialmente (este fue el primer sintetizador, además del Prophet V de Sequential Circuits, en incorporar MIDI) y que disponía de una base digital donde se almacenaban un número determinado de algoritmos.

 

 



Cómo promocionar tu música en Spotify

Si quieres anunciarte en Spotify, Ad Studio te lo pone fácil.

La principal plataforma de música en streaming ha lanzado Ad Studio, una herramienta imprescindible para que promociones tu música de forma fácil e intuitiva. En esta sencilla plataforma de Spotify podrás crear en poco tiempo y sin un presupuesto tan alto, anuncios de audio, imagen o vídeo para llegar con tu música a las personas que quieres.

Comprueba lo fácil que resulta anunciarte en Spotify, con este post en el que te explicamos paso a paso cómo hacerlo.

Lo primero que tienes que hacer es entrar en Spotify Advertising. Una vez dentro deberás hacer clic en EMPEZAR AHORA (puedes encontrar este botón en la parte superior derecha o a medida que haces scroll en la página). Regístrate con tu cuenta de Spotify (si no tienes una tendrás que crearla), e incluye otros datos como tu nombre, email, el país en el que estás y, si resides en el Reino Unido, España, Australia, Nueva Zelanda o México, un número de identificación fiscal (IVA) o su equivalente local.

 

 

Empieza a promocionarte con Ad Studio de Spotify

Ahora viene lo interesante: empezar a crear tu campaña de anuncios para promocionarte. Para ello, una vez te hayas registrado en la plataforma y estés dentro, deberás hacer clic en la opción crear campaña. Posteriormente te aparecerán estas alternativas:

Ponle un nombre a tu campaña y piensa en tu objetivo: si lo que quieres es promocionar un sencillo, un álbum o una lista de reproducción, elige An artist's music on Spotify o Un artista en Spotify (dependiendo si la interfaz te aparece en inglés o español). Si esta es tu elección tendrás que buscar tu nombre de artista y seleccionarlo.

Otra opción para ti puede ser Un concierto o merchandising del artista, si quieres que los oyentes de Spotify se enteren de tu próximo evento o venderles algún tipo de merchandising.

Una vez tengas tu objetivo elegido haz clic en el botón SIGUIENTE.

 

 

Armar tu grupo de anuncios, el siguiente paso

La estructura de Ad Studio de Spotify es muy similar a la de otras plataformas de publicidad online como Facebook o Google Ads: campaña, grupo de anuncios y anuncios. La campaña se compone de grupos de anuncios y estos de anuncios.

Luego de crear tu campaña es momento de armar tu grupo de anuncios. En esta fase te vas a encontrar con la siguiente información:

 

 

Dale un nombre a tu grupo de anuncios, luego elige el formato de anuncio que prefieras: audio, vídeo horizontal o vídeo vertical. Una vez hayas hecho esto, verás las opciones de las plataformas en las que mostrar tus anuncios: ordenador, iOS, Android o todas, Ad Studio aconseja directamente que para que tu campaña funcione bien, la decisión más recomendable es todas.

Lo siguiente que debes hacer es definir el tiempo de duración de tu campaña, ponerle fecha y hora de inicio y fin, así como el presupuesto que vas a invertir. De momento en España puedes crear campañas a partir de 250 €. Además de España, Ad Studio también está disponible en Nueva Zelanda, EE. UU., Reino Unido, Canadá, Australia, Alemania, Italia, Francia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Irlanda, Países Bajos, México, Colombia, Chile, Argentina, Filipinas, Singapur, Malasia y Taiwán.

Para continuar debes empezar a configurar tu audiencia, es decir, establecer las características del público al que le quieres mostrar lo que haces: edad, género, el país, la ciudad o los códigos postales en donde se encuentra.

Una vez definas y registres estas características, Ad Studio te empezará a mostrar una estimación de cuantas personas oirán y/o verán tus anuncios, cuantas veces, con qué frecuencia y si tu presupuesto es suficiente. Puedes hacerte una idea de esto fijándote en la parte derecha de la siguiente imagen:

 

 

Te vas a encontrar con una forma adicional de definir el público que quieres conquistar con tus anuncios:

 

Puedes elegir entre llegar a esas personas, si ya son tus fans o lo son de otros artistas. Esta es la opción más recomendada para promocionar un sencillo, un álbum, una lista de reproducción, un evento o merchandising. Esta opción te permitirá llegar a personas que ya te sigan o a públicos que sigan a otros artistas similares o que vayan por delante de ti.

Aún así también tienes estas otras alternativas que puedes elegir:

  • Géneros: los géneros musicales que tiende a escuchar el público al que quieres llegar: hip hop, latin, pop, indie, electrónica, etc.
  • Contextos en tiempo real: lo que están haciendo esas personas mientras escuchan música: ejercicio, fiesta, cocina, estudio, cenar, viajes, gaming, entre otros.
  • Intereses: cosas que le gustan a las personas a las que te propones llegar: deporte, cocina, gaming, humor, teatro, viajes, fiesta, entre muchas más opciones.
  • Sin segmentación adicional: por si prefieres no definir tu público con ninguna de estas opciones, y dejarlo un poco más amplio y con solo los datos como edad, país, género.

Te recomendamos que conozcas y tengas lo más claro posible el público al que quieres llegar para poder definir todos estos datos. Actualízate con las Tendencias del Marketing Musical para 2021.

 

Ahora crea tus anuncios

Es momento de que elijas el material con el que estará hecho tu anuncio: el audio (de no mas de 30 segundos), la creatividad o el vídeo si has optado por este formato. Para esto, Spotify te ofrece dos opciones, que ya tengas el material hecho por tu cuenta y lo subas, o ayudarte con ello.

 

Bien si prefieres que Spotify te ayude o hacer el material por tu cuenta, debes definir un texto o guion claro y con tono atractivo para tu anuncio de audio, que por supuesto lleve de fondo tu música, tu voz o si prefieres la de un locutor; en este último caso analiza si te conviene más que sea una voz femenina o masculina, joven, adolescente o adulta.

No te olvides de la imagen que necesitarás para acompañar tu anuncio, a esta también le puedes incluir un pequeño texto que atrape y no debe tener una medida de 640 x 640. Acuérdate también de definir una llamado a la acción, slogan y tener el enlace del destino a donde quieres que vaya tu público al hacer clic sobre la imagen que acompaña el anuncio, tu cuenta de Spotify, una playlist, etc.

Una vez montes el material creativo de tu anuncio, Ad Studio te mostrará una vista previa tanto en móvil como en ordenador.

 

 

Cuando estés satisfecho con tu anuncio, el siguiente paso es validar tu pedido en Ad Studio y comprobar tu método de pago. Te recomendamos que antes de realizar todo el montaje de tus anuncios, vincules tu forma de pago.

En un plazo de 24 horas o menos recibirás una notificación a tu correo informándote si tu anuncio ha sido aprobado o si tienes que hacer ajustes. Una vez tu campaña esté funcionado podrás ver informes con cifras en tiempo real sobre la entrega de tus anuncios.

Durante el tiempo que hayas elegido para que tu anuncio se muestre al público, podrás realizarle cambios sin problema. Luego de las modificaciones que hagas, Spotify te notificará si han sido aceptados o no para que tu campaña continúe activa.

Esperamos que este post te haya ayudado a descubrir mucho más sobre Ad Studio de Spotify, y a ponerte  manos a la obra para conquistar y cultivar cada vez más fans.

Aprende más sobre Ad Studio de Spotify y otras herramientas para dar a conocer tu música con el Curso de Marketing y Promoción Musical Online.

 

 


 


Tendencias del Marketing Musical para 2021

 

Actualízate con las últimas tendencias de marketing musical para poder desarrollar tu pasión y vivir de la música.

 

Una de las claves para triunfar como artista, es llevar el ritmo de lo que pasa en el marketing musical. El mundo digital evoluciona cada vez más rápido y consigo las formas de llevar tu música a los oídos de quienes te propones. Si aspiras a triunfar en la Industria Musical, no te puedes quedar atrás de estos cambios.

Actualízate con este post en el que nuestra profe de industria musical, Nathy Faria te presenta las tendencias del marketing musical que marcarán el 2021. ¡No las pierdas de vista! son tu as bajo la manga para promocionar con éxito tu música este año y los siguientes, porque estas tendencias llegaron para quedarse.

Estar al tanto de cómo se mueve el marketing musical te ayudará a definir objetivos alcanzables y estrategias eficaces para convertir tu música en temazos. ¡Comencemos!

 

El Marketing Digital es Ley

Actualmente para cualquier sector, el marketing digital ya no es una alternativa a elegir, sino que se ha convertido en un must, algo que no podemos descartar para darnos a conocer.

Ahora más que nunca, vivimos en función del marketing digital, es un mundo de todos, y aún más en la música. Estás tardando si como artista no has empezado a aprovechar el marketing online para mostrar quién eres y lo que haces. Ayúdate con esta guía de marketing digital para artistas.

 

El artista emprendedor

Hoy como artista debes tener el poder de tu carrera, controlarla, autogestionarte, visualizarte como una empresa o negocio y apoyarte en otros profesionales para crecer y surgir, pero sin depender de ellos.

Sácale provecho a esta tendencia que te lleva a estar en el centro como artista, te da la libertad para crear tu propia historia y hacer posible tu negocio musical sin depender de que alguien haga las cosas por ti.

A este perfil de artista se suma el de el E-Manager, la figura que lo sabe planificar todo entorno al marketing digital, desde distribuir la música en este escenario, manejar herramientas digitales, hasta controlar los ingresos que vienen desde este espacio y más. Hoy hablamos de un manager con responsabilidades aún más interesantes e importantes, ya que si o si debe controlar el medio online.

 

 

Artista como marca

Ahora y de aquí en adelante, crear buena música es lo mínimo que debes hacer como artista. Tienes que ir más allá, buscar llamar la atención del público con lo que le ofreces y conseguir que se identifique con tu mensaje. Si no intentas hacer esto no llegarás a nada.

Para lograrlo, más que como un artista visualízate como una marca y hazte preguntas como:

  • ¿Por qué la gente me va a escuchar?
  • ¿El público qué puede esperar de mi?
  • ¿Cuáles son mis locuras?
  • ¿Con qué puedo definir mi identidad como artista?

No se trata de que copies algo que ya está, se trata de que trabajes en identificar tu propia esencia, en quién eres tú como artista, fijándote en características únicas, por ejemplo, cómo ves el mundo alrededor y cuáles son tus fuertes.

De esta manera, busca una conexión constante con tus fans, a ellos ya no solo les basta con escuchar la buena música que haces, sino que quieren estar cada vez más cerca de ti porque la era de lo digital así lo facilita.

 

Liderar una tribu

Una tribu se define como un grupo de personas conectadas entre si y que alguien lidera. En este caso se trata de la tribu que tu vas a inspirar con lo que haces. Cuando más que un artista eres una marca, a tus fans les va interesar cómo los puedes inspirar o cómo se pueden identificar contigo.

Así que también pregúntate ¿cuál es la tribu que vas a liderar? ¿cómo la vas a inspirar? ¿a partir de qué? Puede ser de tu pasión, por ejemplo.

Conectar con las personas es un punto muy importante de tu carrera artística y que, por tanto, no debes descuidar.

 

 

Contenidos de valor

Cuéntale a tus fans historias relacionadas contigo y tu música, busca despertar emociones en ellos a través de diferentes formatos: vídeos, textos, tus mismos sonidos, opciones hay muchísimas, pon a volar tu creatividad.

No te fijes solamente en lo que quieras contar, también busca descubrir qué le interesa a tu público, cuáles son sus intereses, sus necesidades y responde a ello con tus mensajes. Hoy a las personas no solo les gusta escuchar, sino también ser escuchadas y participar.

 

Descarga la guía gratuita

 

Tráfico cualificado

Trabaja porque a tu página web llegue gente realmente interesada en tu música. Esto lo puedes conseguir con estrategias gratuitas o pagas.

Asimismo, no te enfoques en el número de tus seguidores en redes sociales, sino en la calidad. Puede que tengas muchos seguidores, pero si no interactúan con tu contenido eso equivale a nada. Recuerda siempre, calidad no es cantidad.

 

Conciertos online

Antes, pensar en hacer un concierto online era una locura; hoy las cosas son distintas. Con motivo de la pandemia hemos tenido meses para probar ese formato y ha llegado para quedarse.

Ten en cuenta que hay dos tipos de conciertos online: los live de promoción y el concierto online totalmente producido, en el que hay que pensar en iluminación, producción, y en detalles que motiven al público a comprar entradas. Actualmente, lo que se gana con conciertos online está superando lo que se obtiene con los conciertos presenciales.

Sin embargo, detrás de todo esto hay una estrategia digital para comunicar esta clase de eventos, venderlos y convertirlos en una completa experiencia. Como usuarios de tecnología cada día queremos vivir experiencias.

 

Trabajar canción por canción

Como artistas pensamos que producir un disco es el mayor éxito, la alegría más grande, algo completamente maravilloso, casi como un hijo. Pero como estrategia ya no funciona, ahora debes trabajar canción por canción.

Esto debido a que detrás de cada canción hoy hay muchísimas cosas más que puedes explotar: eventos, variedad de contenidos, novedades y muchas maneras de conectarte con el público en todo momento.

De esta manera, también puedes evaluar cómo te va con cada canción y convertirla en una oportunidad para hacerlo mejor, así como mejorar tus estrategias y acciones de promoción. Este formato te da muchas ventajas de producción e inversión para ver resultados.

 

 

Tik Tok y Reels

Los altos números demuestran el imparable auge de estas plataformas y con ello, que nos encanta ser prosumidores, producir y consumir contenido al mismo tiempo.

Tik Tok facilita este tipo de interacción y sus algoritmos permiten hacer algo viral o mostrar tu contenido muy fácil y rápido.

Como artista no puedes perder de vista esta plataforma para conquistar fans. Piensa cómo puedas estar ahí con contenido de valor, igual que en los reels de Instagram.

 

Los videojuegos

Conciertos en vivo en videojuegos, un formato altamente interactivo que se mantiene como tendencia por la experiencia que ofrece y las facilidades que le da al público de participar. Este es el caso de los conciertos de Travis Scott y Marshmello en Fornite y de otros muchos más artistas que ya se han sumado a este formato.

¿Y cómo se gana con la música en los videojuegos?, pues a través de patrocinadores a quienes también les conviene llevar sus marcas a este escenario. Aquí también se manejan otros formatos como el merchandasing virtual, variedad de accesorios y avatares.

No dejes de ver las posibilidades de cómo funciona este mundo de los videojuegos y la música y lo que puedes proponer como artista para estar en él.

De momento, es muy difícil saber cuándo volverán a estar abiertas las salas de conciertos con normalidad, por lo tanto, como artista cada vez más vas a tener que estar muy activo en el escenario online.

Estas tendencias no son más que grandes oportunidades que te brinda el marketing musical para posicionarte como artista y estar en donde está el público para conquistarlo. Es momento de probar, explotar tu creatividad y poner en acción tus mejores ideas para llegar a donde quieres.

 

 


 

 

 


5 consejos para ser DJ

¿Quieres comenzar a dar tus primeros pasos como DJ? En este artículo te damos cinco consejos para empezar.

Si eres de esas personas que mientras ve a David Guetta, Dimitri Vegas & Like Mike o Martin Garrix actuar, se imagina a sí mismo encima de ese escenario, esto te interesa. Empezar como DJ no es sencillo, cada vez son más las personas que les gustaría dedicarse a ello profesionalmente y por este motivo hay que tener una hoja de ruta clara. Aquí te damos cinco claves para empezar como DJ.

 

Compra tu primera controladora DJ

Si has llegado hasta aquí, es porque tienes clara la idea de acabar siendo DJ. Lo primero, es empezar a practicar, a familiarizarte con el hardware y el software de un disc jockey. Hay muchas maneras de mezclar música, a través de vinilos o reproductores, pero lo ideal es comenzar con una controladora.

Los comienzos suelen ser complicados, a la par que humildes económicamente hablando. Por este motivo, lo habitual es aprender a pinchar con una controladora de dos canales y por lo general, de precio bajo rondando los 200-400 €. Desde ahí, podrás manejar los principales DAW para DJ e ir evolucionando. El siguiente paso sería una controladora de cuatro canales y después ya vendrían los sistemas autónomos, reproductores o vinilos.

 

 

Aprende a pinchar con los mejores

Hasta cierto punto se puede aprender a ser DJ siendo autodidacta. Por un lado, una buena manera de comenzar es fijándote en tus artistas favoritos, analizando sus mezclas e incluso copiándolas en tu habitación. Como resultado de estas medidas, verás como combinando diferentes estilos, al final conseguirás labrar el tuyo propio.

Sin embargo, hay un punto en el que quizá para aprender a pinchar correctamente necesites ayuda directa de un profesional. Siempre es mejor tener un contacto constante con tu profesor, que te puede dar consejos adaptados precisamente para ti. Además, si das clases con más compañeros, esto puede favorecer la dinámica, progresando unos al lado de otros. Además, si tienes compañeros, se puede producir el típico “pique” sano que puede ayudar a ambas partes a mejorar.

 

La práctica hace maestros

Ser un DJ profesional, como en cualquier campo del mundo de la música, requiere muchas horas. Normalmente, el primer escenario sobre el que empezarás a mezclar canciones será tu habitación. Es allí donde debes pasar tiempo mezclando, llevando a cabo trucos nuevos y sobre todo practicando. Solo así conseguirás un alto nivel de confianza sobre los platos y en consecuencia un gran nivel como DJ.

El siguiente paso, es perder el miedo a los escenarios, a pinchar delante de gente y sobre todo mezclando tu música en altavoces potentes. Puedes comenzar poniendo a prueba tus nervios en una fiesta con amigos y así tratar de desarrollar algo vital para un disc jockey: la lectura de pista. Lo ideal es que poco a poco tu público vaya siendo más amplio, hasta que exista un punto en el que actúes igual en tu habitación que delante delante de más personas.

 

Demasiada música nunca es suficiente música

La figura del DJ tiene también un papel de investigación. Debes estar al día de toda la música que ha salido, pero sin olvidar los grandes clásicos. Un DJ set en directo, sobre todo en bares, clubes o discotecas, puede ser impredecible. Nunca sabes qué tipo de público va a estar ahí, si te va a tocar pinchar para abrir la fiesta, quizá para cerrar o incluso las dos. Por esta precisa razón hay que estar preparado para todo y la única manera de hacerlo es llevando un pen drive con más música de la que consideres necesaria.

Muchas veces un DJ trabaja sobre la idea de querer poner un tipo determinado de música, generalmente su género favorito, ya sea EDM, Techno, House, Hardstyle… No obstante, lo más probable es que en tus inicios tengas que pinchar otros tipos de música e incluso algunos que no te gusten. Mantente al día de las canciones que salen nuevas de todos los géneros, cuáles son las modas y tendencias y así empezarás a triunfar. Ya habrá tiempo más adelante de poner la música que amas.

 

 

Ser DJ, cuando la música es lo único que importa

 

Date a conocer como DJ

¿Cómo dar el paso de ser un Bedroom DJ a pinchar en clubes? La respuesta es sencilla, promocionándote. Ahora bien, esta tarea no es tan sencilla como parece. Para empezar el mundo del DJ es altamente competitivo y no hay lugar para la gente tímida. Lo primero que hay que hacer es que te pongan cara, trata de asistir a aquellas fiestas donde en un futuro te gustaría hacer una performance y date a conocer, que los promotores se queden con tu cara.

Realmente, el ejemplo anterior es algo anticuado. Hoy en día gracias a las redes sociales podemos darnos a conocer sin salir de nuestra habitación. Es casi igual de importante que saber utilizar bien una mesa de mezclas para ser activo en Instagram, Twitter o Facebook. Sube publicaciones pinchando, participa en concursos de discotecas, ofrece directos desde tu perfil y sobre todo, trabaja una imagen divertida y que sea atractiva para el gran público. No puedes dejar de leer Marketing Digital en la Industria Musical: guía para artistas.

Es evidente que primero va el aprender a pinchar, pero, tal y como podemos comprobar, una imagen cuidada puede marcar la diferencia. Esto pasa por tener un logo llamativo, buen material audiovisual o incluso vestir de una manera curiosa. En otras palabras, construirse una personalidad como DJ, no tiene que ser la que tengan los demás, debe ser con la que te sientas cómodo.

Un consejo extra es tener paciencia y ser perseverante. Como hemos podido ver en este artículo, el panorama de un DJ es muy complicado y competitivo. Seguro que muchos de tus artistas favoritos han tenido que pasar por fiestas de las que prefieren no acordarse, con poca gente o en malas condiciones. Sin embargo, todas conforman una carrera que puede llegar a ser muy exitosa.  El esfuerzo, al final se ve recompensado, ya que de una manera u otra, al final ver a gente disfrutando con la música que tú, DJ, estás poniendo, es algo que no tiene precio.

 

 



¿Sin ideas para regalar en Navidad? Sounds Market te lo pone fácil

Esta Navidad regala equipos de producción musical y DJ

La web de compraventa especializada en equipos DJ y de producción musical Sounds Market, es tu aliada perfecta para elegir tus regalos de este año.

En esta plataforma podrás encontrar alternativas nuevas de las mejores marcas y tiendas del mercado, y opciones de segunda mano en muy buenas condiciones. Además descuentos, ofertas y precios especiales para que tu lista de regalos sea perfecta. 

Por si fuera poco, si eres alumno o ex alumno DJP cuentas con 20€ y 50€ de descuento exclusivo para compras de más de 100€ y 400€. Conoce todos los beneficios que tienes por ser parte de DJP.

Si lo tuyo es el mundo de la mezcla o de la producción musical, toma nota de estas opciones que hemos encontrado en Sounds Market:

 

Equipamiento DJ

¿Alguna controladora para tu lista? ¿una mesa de mezclas para pedir a los Reyes Magos? ¿platos? ¿efectos? ¿auriculares DJ? ¡Seguro que sí!

En Sounds Market encontrarás una gran variedad de opciones nuevas y/o usadas, de diferentes marcas y modelos, tanto para principiantes como para profesionales. Así no te faltarán ideas para pedir, regalar o autoregalarte.

 

 

Equipamiento de estudio y producción musical

Sounds Market concentra en un solo lugar la mayor variedad de opciones.

Podrás encontrar teclados y controladores MIDI, tarjetas de sonido, cajas de ritmos, monitores, sintetizadores y todo lo que no puede faltar en tu home studio.

 

Licencias de software

Sounds Market también ofrece los principales DAW de producción musical del mercado. Con varias ofertas, en este marketplace podrás cumplir tu deseo de Navidad, y tener contigo la licencia del software que más te guste: Ableton, Logic Pro, Cubase, FL Studio, Pro Tools, entre muchos otros.

 

 

Descubre otras alternativas de regalos de Navidad para DJ’s y productores

 

Alquiler de espacios 

Navegando en Sounds Market también podrás encontrar interesantes opciones de alquiler de espacios de ensayo, estudios de grabación o salas de conciertos en las mejores ubicaciones de España, con o sin equipamiento y a precios muy económicos por horas o días.

Podrás tener a tu disposición espacios de todos los tamaños, desde pequeños home studio hasta grandes estudios de grabación profesional con variedad de equipos de alta gama.

 

 

Otros instrumentos musicales

Y para que nada te falte en esta Navidad, en Sounds Market también encontrarás otro tipo de instrumentos musicales y sus accesorios, tanto en venta como en alquiler.

Este marketplace también dispone de una gran oferta de instrumentos de cuerda como guitarras eléctricas, clásicas, acústicas, amplificadores, bajos eléctricos, violines, contrabajos, ukeleles y más;  así como instrumentos de percusión: baterías acústicas, electrónicas, etc.

A estos se suman las opciones de viento metal y viento madera: saxofón (alto, tenor, barítono o soprano), trompeta, clarinete, flauta, tuba, trompa, trombón, flauta travesera, oboe, fagot, armónica, también instrumentos de viento étnicos y accesorios como estuches, boquillas, sordinas o abrazaderas.

Podrás elegir lo que prefieras, entre opciones de las mejores marcas al precio más barato. Y, por si fuera poco, también tendrás posibilidad de acceder a alternativas para reparar los instrumentos que ya tengas.

 

Vende tus equipos

Y si para esta Navidad tu deseo no es comprar o alquilar equipamiento, sino vender, Sounds Market también es tu lugar. Esta es una plataforma de compraventa, así que no solo es posible comprar sino también vender equipos que ya no uses. Podrás publicar tus anuncios gratis y de una manera fácil y rápida para exponerlo ante una audiencia de miles de músicos en España.

En Sounds Market no solo podrás encontrar miles de ideas de regalos de producción musical y DJ para esta Navidad, sino también la forma más fácil y segura de comprar o vender. No correrás riesgo de estafa alguna por querer ofertar o tener tus equipos de forma muy cómoda. A diferencia de otras plataformas, esta web es muy atractiva y organizada visualmente, esto te facilitará ubicar rápidamente todo lo que quieres.

 

 

Además, cuenta con un método integrado de pago y envío. Todo el proceso de compra o venta se realiza dentro de la misma página y el vendedor no recibe el dinero hasta que el comprador tenga su producto con total satisfacción en su domicilio. Sounds Market intermedia en todo, cuida de tu producto, retiene el dinero de forma segura, realiza el proceso de compra o venta, evita encuentros entre vendedores y compradores, y te presta soporte personalizado 24/7.

Entra ahora a esta completa web  hecha por y para músicos, y encuentra en un solo lugar miles de ideas para tu lista de regalos de Navidad. Seguro que te darán ganas de hacerte a muchas más cosas el resto del año.

Visita la web de Sounds Market

 



Cómo crear sonidos propios utilizando la envolvente ADSR

Conoce qué es el ADSR y descubre consejos prácticos para diseñar nuevos sonidos manipulando esta envolvente

Como productor(a) y beatmaker, siempre tratas de conseguir sonidos especiales y atractivos. Pero cuando te pones en ello y buscas los sonidos adecuados, en ocasiones puedes caer en el vicio de usar presets predeterminados sin ni siquiera modificarlos.

Esta práctica te impedirá conseguir un sonido propio y único, y no te ayudará a aportarle esencia única, o ese toque personal a tus producciones.

En este post te hablaremos de una las secciones más esenciales de la síntesis y del diseño de sonido, el ADSR. Te contamos qué es y te damos consejos que te servirán de guía a la hora de usar esta envolvente para crear tus propios sonidos.

 

 

¿Qué es la envolvente ADSR?

Las siglas del ADSR significan Attack, Decay, Sustain y Release, y cada uno de estos parámetros como envolvente determinan las principales características de un sonido.

  • Attack: tiempo que tarda el sonido en escucharse desde que se ejecutó en el instrumento.
  • Decay: tiempo que tarda la amplitud de volumen en bajar hasta el volumen de sustain.
  • Sustain: tiempo que una nota se mantiene sonando constante.
  • Release: tiempo que tarda en desaparecer el sonido desde que terminó el tiempo de sustain.

 

 

Los parámetros de está envolvente la sueles encontrar en los instrumentos VST, sintetizadores de software y hardware y en plugins de sampling o samplers.

Además de tener claridad sobre lo qué es el ADSR, también es fundamental saber emplear muy bien cada uno de sus elementos para conseguir tus objetivos en el diseño de tu sonido. A continuación, algunos consejos prácticos que te servirán mucho según el tipo de sonido que quieras crear, veamos:

 

Si quieres conseguir sonidos percusivos, como sonidos staccatos o plucks

Es fundamental un attack muy corto o mantenerlo en 0, y un release rápido, ya que el sonido impactará con rapidez y dejará de sonar rápido, sin que se mantenga.

Aunque el parámetro fundamental en sonidos percusivos es el attack rápido y un decay y sustain prácticamente nulos, el release, como hemos mencionado, suele ser corto también.

Dependiendo del diseño de sonido puedes utilizar diferentes longitudes de release para dar cola al sonido, conseguir glissandos o hacerlos más duraderos y menos groovy (como es el caso de sonidos como los rides o crashes).

Escucha ejemplos de plucks:

 

 

 

Para lograr sonidos atmosféricos, como pads o leads

Busca alargar el tiempo de attack y usar también tiempos de decay y sustain largos, que te ayudarán a crear esos sonidos envolventes y atmosféricos.

Sin embargo, el release, se suele ajustar según intenciones y los parámetros que presente el attack, ya que de ello dependerá si la anterior nota deja o no de previamente a que el attack del siguiente empiece a hacer efecto.

Si quieres mantener una atmósfera de sonido constante, interesa que el release sea largo también, ya que ayudará a camuflar la entrada de la siguiente nota, consiguiendo constancia en el sonido.

Escucha ejemplos de pads:

 

 

 

Ten precaución con sustains demasiado largos y attacks demasiado cortos

Con todos los sonidos a diseñar, es importante que pongas especial atención en que el tiempo de attack no sea excesivamente corto. Esto puede derivar en clicks molestos que no queremos, por muy percusivo que pueda llegar a ser el objetivo.

Además, es recomendable ajustar el tiempo de sustain en función de la transición deseada entre notas, ya que estas transiciones serán más acentuadas y marcadas o más suaves y fluidas dependiendo del tiempo que se designe al sustain.

En el caso de los 808, se suele mantener un sustain largo, ya que esto te ayudará a acercar las transiciones entre las siguientes notas y evitará la perdida del bajo en algunos momentos del track.

 

Diseña sonidos más interesantes y personales, ajustando varias envolventes ADSR

Haz uso de varias envolventes ADSR y que estas sean asignadas a diferentes parámetros, como LFOs, filtros o en casos donde se combinan dos tipos de síntesis diferentes.

Vincula estos envolventes ADSR a parámetros que controlen elementos que tu quieras, como, por ejemplo, curvas de filtrado, distorsiones y efectos o resonancias. Esto dará riqueza sonora y te ayudará a mejorar tu diseño sonoro de forma exponencial.

El objetivo del diseño de sonido es el de conseguir crear tu sonido personal y buscar esencia en tus creaciones, para lo cual también puedes ayudarte con el resto de los elementos que puedes encontrar en las diferentes formas de síntesis.

La combinación de osciladores, ruteos de señal, combinación de canales de efectos o control de parámetros asignados por LFOs, u otras envolventes como ya hemos mencionado, serán tus grandes aliados a la hora de crear nuevos sonidos.

Las posibilidades son infinitas y siempre puedes guardar y almacenar tus propios presets; esto te ayudará a mejorar tu workflow y a crear poco a poco un banco de sonidos propio y muy original.

 



TRAP O NO TRAP... Esa es la cuestión

¿Qué es el TRAP?

Mucho se habla del Trap hoy en día, pero ¿cuánto se sabe realmente de este género que hasta hace 10 años era un completo desconocido? ¿Lo que comúnmente conocemos como Trap tiene que ver con lo que realmente es?. En este post hablamos del tema y abrimos el debate para que saques tus propias conclusiones. Vamos a ello:

Muchos definen el Trap como un subgénero de la música Rap, y esos son los más acertados. Los más perdidos se creen que se trata de un tipo de Reggaetón o una mezcla de música negra y ritmos africanos. A Bad Gyal se le asocia con estos géneros, pero de ahí a ser trapera…

Estas ideas erróneas, propagadas por la prensa y por las tendencias del momento, han hecho que lo que creemos que es urbano no sea más que marketing que sellos y magazines usan para vender.

Es cierto que el Trap forma parte de la cultura Hip Hop, pero está lejos de ser un subgénero del Rap. Podríamos hablar de un subgénero con temáticas de trapping o trapicheo, pero ¿cuándo no se ha hablado de drogas, joyas y trapicheos en el Rap? Igual qué pasó con el Gangsta Rap, una nueva etiqueta hace que algo que ya existía parezca novedoso.

 

Migos, grupo de Trap de Georgia, Estados Unidos.

 

Quizá habrá muchos inconformes con la siguiente afirmación: no hay grandes diferencias entre música Trap y Rap. A quienes creéis que se trata de dos géneros completamente diferentes os invitamos a que penséis ¿de qué Rap estamos hablando? El Rap que se escucha en países como España por lo general llega tarde, mal o nunca.

 

Tupac Shakur y The Notorious B.I.G, famosos raperos estadounidenses.

 

El Rap que generalmente conocemos como Rap real, auténtico, underground, no es otro que el rap de Nueva York y con suerte el de California (East Coast y West Coast). Se ha dejado de lado a todo el Rap que se salía de la norma o los sonidos que no fueran similares. Todo esto es propiciado por una vieja escuela que no terminó de entender el juego y limitó a los demás bajo la amenaza de no ser real o ser un vendido.

 

Crea un beat de Trap con esta guía gratuita. Descárgala aquí

 

Ese sonido característico (del que hablaremos en próximos posts y es donde está el truco) esa cadencia rítmica, esa manera de rapear (también veremos de dónde viene esto), es la evolución del sonido del sur de EEUU en la década de los 90. Y es de ahí de donde salen diferentes géneros que se han propagado con el seudónimo de Trap Music, pero que tienen como origen el Dirty Sound.

Cómo hacer música urbana: 6 claves para convertir tus beats en temazos.

 

Volver al origen del Trap

 

 

Para ser concretos, el primero en usar el término Trap fue TI, Raper originario de Atlanta, quien publicó en 2003 Trap Muzic, un disco con mucho éxito pero también con mucha controversia relacionada con drogas y desacatos a la ley.

 

 

Previo a él, en otras ciudades del sur otros grupos pioneros como Three 6 Mafia, Underground Kings (UGK) o DJScrew y su Screw Up Click, ya habían utilizado esos ritmos, esos sonidos, y por descontado esas temáticas.

 

 

Aquí algunas muestras para sacar conclusiones:

 

 

En este vídeo podemos ver como ASAP Rocky rinde homenaje a PIMP C (UGK) y a JUICY J (Three 6 Mafia).

Y ahora que ya has sacado tus propias conclusiones, deja la Playlist sonando para escuchar más temas bravos como este.

 

 

 

 



Evita estos errores al producir música

 

¿Estás trabajando en un solo tema? ¿solo usas auriculares al producir? ¿tus sonidos tienen la misma frecuencia?

Pon mucha atención a este post. Te contamos los errores más comunes que puedes cometer al producir, lleves poco o mucho tiempo en ello.

Descúbrelos y aleja estos fallos de tu día a día como productor(a) musical. Aquí vamos:

 

1. No tener una fuente de escucha adecuada

Una fuente de escucha adecuada significa trabajar principalmente con unos monitores de estudio en condiciones y con auriculares, pero como complemento.

Usar solamente auriculares durante toda la producción no te ayudará a obtener un sonido óptimo y resultados profesionales.

 

2. Dedicarte al mismo proyecto durante días

Seguramente, piensas que, si trabajas constantemente en un solo tema conseguirás avanzar mucho más, pero, todo lo contrario, con esto solo provocarás que tu cerebro se sature con el mismo sonido y al final no lograrás nada de lo que esperas.

Lo mejor es que te dediques paralelamente a 2 o 3 proyectos, ya que volver poco a poco a cada uno de ellos te generará ideas frescas. Ten en cuenta que no se trata de trabajar en una gran cantidad de tracks al mismo tiempo, al irte a este extremo también corres el riesgo de no terminar ninguno. Estas son las 10 falsas teorías de la producción musical y del mundo DJ.

 

 

 

3. Descuidar la calidad de tus cables 

De nada te sirve tener un buen sinte, excelentes monitores de escucha, un micrófono increíble o una interfaz estupenda, si tus cables no son de buena calidad.

Trabajar con un cableado regular afectará demasiado el resultado de tus proyectos, por esto, tomate el tiempo e invierte en unos muy buenos cables, incluso procura que sean hechos por profesionales.

 

4. Excederte con los plugins y las librerías

¿Has oído que el exceso de posibilidades limita la creatividad? Pues así es. Contar con muchos recursos al tiempo solo causará que avances a paso muy lento, te hará corregir todo el rato y que siempre quieras cambiar lo que vas haciendo.

Disponer de demasiados plugins y librerías termina siendo no una ventaja, sino un problema para tu creatividad. Inspírate un poco en los tiempos de antes en los que los recursos eran limitados y había que buscarse la vida, estaban disponibles solo unos cuantos plugins, un par de librerías de sonido y hasta un solo sinte en estudio.

 

 

 

5. Producir varios sonidos con frecuencias iguales

Puedes caer muy fácilmente en el hábito de repetir constantemente la creación de patrones similares en cuanto a frecuencias. No es que no se pueda terminar un tema con tres bajos distintos, pero lo ideal es que alternes o que consigas que no suenen disonantes.

Arriésgate a crear con recursos que a veces te pueden parecer complicados o poco normales para tus oídos, pero eso sí, que cubran ampliamente el espectro y les den un buen aire a tus temas. Estos son 4 poderosos hábitos que te servirán para hacer música con impacto.

 

Tanto en un nivel inicial como avanzado de la producción musical, es muy fácil adquirir este tipo de prácticas que hacen sentir cierta comodidad al producir. Ya has podido conocer en este post cuáles de ellas debes evitar de inmediato, para no afectar los resultados de tu trabajo creativo.

 

Si quieres conocer más cosas que no debes hacer a la hora de producir descarga la guía completa aquí:

 

Si te has identificado con alguno de estos errores, no pasa nada, se vale equivocarse y aprender, lo más importante es que tomes soluciones a tiempo. Si este no es tu caso, ¡genial!, ya sabes qué no hacer al trabajar tus temas.



Cómo emprender en el negocio musical: las 4 temáticas clave

Si quieres vivir de la música y alcanzar grandes objetivos, es imprescindible entender cómo funciona el negocio en la actualidad. Conocer la realidad de una industria que ahora más que nunca, ha dado un vuelco completo hacia la autogestión y el emprendimiento, es la clave para que puedas gestionar tus propios proyectos musicales y triunfar en el sector.

En este post trataremos las 4 temáticas en las que debes trabajar para gestionar tu propio proyecto y emprender en el negocio de la música.

1. Pon Marketing en tu vida
2. Lleva tu música al directo
3. Crea nuevos productos
4. Mima a tus fans

Comenzamos mencionando que estos 4 aspectos se relacionan entre si permanentemente. La promoción y la publicidad, las presentaciones de tu música en vivo, la creación artística y la participación de tus seguidores se cruzan entre sí y retroalimentan, haciendo aún más interesante la red de trabajo en la industria musical.

 

1. Pon Marketing en tu vida

 

Ten siempre presente que tu objetivo es encontrar fans, seguidores a los que les guste lo que haces. A cada uno deberás atraerlos, nutrirlos individualmente y construir relaciones. Ellos se convertirán en una gran fuente de apoyo que será la base para tener éxito.

¿Cómo puedes construir esas relaciones? Existen herramientas de publicidad que son muy útiles para establecer relaciones con tus seguidores. Aquí van algunas:

  • Crea un kit de prensa: Te será útil para establecer una relación con responsables de medios de comunicación que pueden convertirse en fans o atraer a otros fans con sus publicaciones. En este kit puedes incluir en formatos gráficos o audiovisuales información interesante acerca de ti y tu música, como tu historia, tu propuesta musical, qué te hace diferente de los demás artistas, qué le ofreces a tus fans, tu calendario de presentaciones, cifras de reproducciones y en general datos con los que puedas conquistar al periodista.
    Recuerda que el periodista recibe una gran cantidad de información al día, así que sé creativo para que se fije en ti. Puedes ir haciendo tus contactos en medios de comunicación, buscando sus datos de contacto en cada uno de ellos, o a través de amigos o conocidos. Todo es posible cuando hay actitud para hacerlo.
  • Utiliza tu música como contenido: Haz uso de tus creaciones musicales como contenido digital y muéstralas permanentemente. Para que la gente sepa que existes es necesario que te expongas, y tu música es tu mejor carta de presentación. Experimenta con tu contenido y muéstralo con diferentes formatos en internet (redes sociales, tu página web, YouTube).
  • Haz un seguimiento de tus seguidores: La relación con tus seguidores no termina al realizar una venta (de una entrada, de merchandising o de tu disco). Ahí es cuando el círculo se abre y puedes hacerlos más comprometidos ; pueden referirte a otros,  estrechar la relación contigo y generar más ventas, y darte a conocer de forma indirecta.
  • Experimenta en internet: No hay garantías de que siguiendo un patrón tu contenido se haga viral. Tampoco existe una fórmula mágica para triunfar online. Juega con tu creatividad y experimenta; eso te ayudará a conocer mejor cómo funcionan los medios, qué herramientas se adaptan mejor a ti, y quizás puede que hasta tengas éxito con alguna publicación.


2. Lleva tu música al directo

 

Los ingresos de las actuaciones en directo han aumentado significativamente en los últimos años. Tener un contacto directo con el artista es de los actos más preciados para sus seguidores, y si tus objetivos van encaminados a enganchar a tus fans, debes tener buen cuidado de ellas.

El último año, debido a la crisis sanitaria de la COVID-19, las actuaciones en directo se han pasado al ámbito digital. Hay una proliferación de streamings y LIVE Sets sin precedentes, lo que hace de las plataformas online una nueva herramienta a la que sacarle provecho.

Consigue tus objetivos musicales en tiempos de pandemia.

Tanto si tienes pensado directos en sitios físicos, como si prefieres hacerlos online, debes cuidar la calidad de tus directos,  apoyarte de profesionales que sepan lo que hacen y promocionar tu evento para darle visibilidad.

Las presentaciones que hagas en directo se pueden convertir en piezas de contenido que van a nutrir todas las plataformas en las que estés expuesto. No olvides hacer fotos, grabar videos y pedir feedback de los asistentes; así tendrás material de sobra para seguir promocionándote.

 

3. Crea nuevos productos

 

Además de la composición musical, hay varios factores que rodean a tu creación y que pueden ayudarte a darte a conocer. Esta es la parte divertida, ¡es hora de crear alrededor de tus temas!

¡Piensa como un fan! Producción de vídeos musicales, creación de productos relacionados con tu música (merchandising), colaboraciones con otros artistas, creación de un portafolio de fotos, son algunas de las ideas que te ayudarán a fomentar las compras de tus fans e incentivarán la demanda de tu producto musical.

 

Complementa estas 4 temáticas clave, con la guía gratuita de los 9 pasos para emprender en la música
Descárgala aquí

 

 

4. Mima a tus fans

 

La interacción directa y real entre artistas y fans es una consecuencia del impacto de internet y del surgimiento de las redes sociales. Desde que la publicidad tradicional y unidireccional se ha vuelto cada vez más obsoleta, resulta imprescindible crear una experiencia para que los fans tengan algo de lo que hablar. Recuerda que ellos son tus prescriptores, y debes darles el mensaje que quieres que ellos transmitan.

Aquí van algunas ideas para consolidar la relación con tus seguidores:

  • Preparar una experiencia íntima, en la que pongas en valor el compartir tiempo contigo. Los meet&greets, por ejemplo, son eventos que dan exclusividad y generan engagement.
  • Comunícate con tus seguidores. Se agradecido con tus fans, no en vano te siguen en una época cargada de información en la que hay poca capacidad de atención. Interactúa con ellos, préstales atención y entabla conversaciones con ellos.
  • No olvides actualizar constantemente tus perfiles online para que no haya sensación de abandono o de descuido. Cualquier síntoma de apatía o de que no te importa tu imagen, será mal vista por tu comunidad.

También puedes leer Marketing Digital en la Industria Musical: guía para artistas.

Con estas herramientas podrás avanzar sin temores por el amplio universo del emprendimiento musical. No será un camino fácil, pero si crees en tu trabajo y te trazas objetivos claros, no pasarás desapercibido.

 



Cómo hacer música urbana: 6 claves para convertir tus beats en temazos

 

 

Si te gusta la música urbana, te proyectas como artista, productor y/o beatmaker de hip hop, reggaetón, dancehall, trap o rap; y sobre todo, si quieres seguir los pasos de las grandes figuras del género urbano que hoy están en la cima de la industria musical global, este post es para ti.

No cabe duda de que el género urbano ha conquistado a un amplio sector de público y artistas, y que su popularidad no para de crecer. Por eso, y para que puedas hacerte un hueco en este nuevo ecosistema de la industria musical, sigue estos 6 consejos que te servirán para producir y promocionar la música que hagas en este género.

Y lo mejor es que están inspirados en la masterclass que hicimos en  DJP Music School  con Daniel Gallego, CEO de Polar Nights, agencia de booking y managment de reconocidos artistas de la escena urbana actual como: Rojuu, Elillumunari, Lennis Rodríguez, Afrojuice195, Steve Lean, Alizzz, The Zombie Kids, Fyahbwoy, Pimp Flaco, UMMO, Mc Buzzz, Fyahbwoy, Kaydy Cain, Morad, Ms Nina, Rvfv, entre otros.

¡Comencemos!

 

1 - Trabaja constantemente

Tu proyecto musical puede tardar en funcionar mucho o poco tiempo. No hay una fórmula precisa que determine exactamente cuántos meses o años puede llevarte dar a conocer exitosamente tu música

Algunos artistas han duplicado su caché y firmado interesantes contratos en cuestión de meses, otros por el contrario han necesitado de más tiempo para lograr sus objetivos. Uno de los recursos para conseguir un crecimiento exponencial de tu carrera, es trabajar constantemente tus sonidos y tener cabeza como artista para lograr resultados cada vez más originales. 

Ser el gran artista urban que quieres ser no se dará como por arte de magia. Así que asegura conseguir este propósito con trabajo constante en el estudio

 

 

2- Ensaya tus directos

Ensaya y evita que tus bolos sean un desastre, y que después de una primera presentación no haya una segunda. Aunque creas que no, el público se da cuenta de todos los detalles que fallan y de la falta de ensayo.

Las bandas de música por ejemplo, tienen muy interiorizado el concepto de ensayar, de ir a un local y juntarse algunos días a la semana para practicar lo planeado, los artistas urban no tienden mucho a tener este tipo de hábitos. En el ecosistema de la música urbana el acto de ensayar está teniendo cada vez menos importancia. 

Sin embargo, Daniel Gallego, CEO de Polar Nights, hace hincapié en que si quieres tener una carrera larga en el género que está en la cima de la industria musical global, lo mejor es conservar la rutina de ensayar y ofrecer a los fans lo que verdaderamente merecen, actuaciones limpias que los enamoren cada vez más de la música que haces. 

 

 

3-  Conoce cómo es el negocio de la música urbana

Si lo tuyo sin duda es el género urbano, además de descubrir cada vez más técnicas para crear y componer temas, también debes enfocarte en aprender cómo funciona la industria de la música urbana. Para hacer de tus beats canciones de éxito, no solo tienes que concentrarte en producir sino también en conocer y saber de este negocio.  

No puedes ser un artista que produzca infinidad de canciones pero que no tenga ni idea de por ejemplo, qué es publishing, qué es un contrato discográfico o un contrato de distribución digital

Entender la figura de mánagers, promotores, agentes, editores, del equipo que puedes llegar a necesitar para gestionar tu proyecto musical y de los diferentes términos que se manejan dentro de la industria. Así como prepararte para gestionar tus contratos, entender sus condiciones, saber qué firmas, entender de derechos de autor, etc. “Tu manager o promotor no puede ser tu niñera, tu padre o tu banquero”, indica Daniel Gallego.

 

 

Los promotores de artistas se enfocan en talentos que puedan gestionar estratégicamente para lograr resultados, y la mayoría de veces eso lo define el background del artista dentro de la industria, y no tanto su nivel de producción o la música que haga. 

Conocer la industria también te llevará a saber enfocar la promoción de tu música para darte a conocer, identificar canales, plataformas digitales, conseguir que te recomienden, hacer contactos con sellos discográficos, compañías de publishing, distribuidoras digitales, editoriales, agencias de management y booking, entre otras figuras. Y sobre todo, resaltar entre los tantos proyectos que surgen a diario.

 

Haz de tus beats canciones de éxito y aprende cómo gestionar contratos, derechos de autor y tu propio proyecto en el mundo de la música urbana, apúntate al PUMP: Urban Music Program, Programa Certificado de Producción y Promoción de Música Urbana en DJP Music School.

 

4- Cultiva tu creatividad artística

La creatividad es un recurso que no te puede faltar para llegar a tener éxito, conseguir ser bueno y vivir de la música. Además te permitirá pensar en ideas que puedan funcionar, en algo más que invertir mucho dinero y en contenidos diferentes a lo que ya existen en el mundo de la música urbana. Quizá ve más allá de mostrar chicas o chicos bailando en un vídeo. 

Con poco presupuesto puedes realizar múltiples acciones interesantes. Por ejemplo, el querer crear un vídeo no siempre es sinónimo de desarrollar una producción gigante o de hacer una gran inversión. Actualmente, la tecnología te facilita muy buenas soluciones low cost para reflejar el sentido de tu música

Hasta puedes acudir a amigos con talento que te ayuden y con quienes logres trabajar de manera seria y profesional. Más que el dinero lo importante es la creatividad.

 

 

5- Produce pensando en artistas

Si tu principal enfoque es la producción, la creatividad también te permitirá saber llegar a los artistas, influir en su música y hacer producciones con las que se identifiquen e interesen

Al crear tu música no esperes que los demás se adapten a ella, mejor identifica artistas que vayan por la línea de lo que haces, analiza lo que han hecho hasta ahora, piensa en cómo puedes mejorar eso que ya han hecho y qué podrías aportar para que se fijen en ti como productor y acaben usando tus beats. Llega a esos artistas con una propuesta que sea más original de lo que ya han hecho

Más que hacer cosas extrañas, es inteligente y funcional producir pensando en ciertos artistas. Si simplemente produces basándose en lo que te gusta para ver quién te lo compra, puede que no tengas suerte.

 

 

6- No pares de buscar tu sonido propio

Si no tienes un sonido que te identifique te será muy complicado destacar. Quien canta tiene su propia voz y es muy difícil que alguien la pueda copiar. Pero en el caso de los beatmakers por ejemplo, los millones de beats gratuitos que suenan en internet llegan a jugar en su contra. Los artistas generalmente pueden decidir entre descargar un beat gratis de internet o hacer una inversión en un beatmaker. 

Por eso, en la carrera de un beatmaker influye mucho el hecho de tener sonidos propios, bien trabajados, distintos a los demás, que no sean estándar y tengan aspectos concretos. Se trata de un proceso interno de buscar y buscar hasta encontrar ese sonido diferencial

Existen casos de beatmakers que lo han petado, dedicando gran parte de sus largas carreras a encontrar sus sonidos propios, luego de varios intentos, fracasos, aciertos, dejándolo por momentos y volviéndolo a retomar hasta conseguirlo. 

Además de estos 6 consejos puedes conocer otros 4 poderosos hábitos para hacer música con impacto. Y por si tienes más dudas aquí puedes saber más sobre Ableton Live y aprender lo básico para usarlo.

 

 


Consigue tus objetivos musicales en tiempos de pandemia

No dejes de aprender en la ‘nueva normalidad’

 

 

¡STOP! De repente y sin previo aviso todas nuestras rutinas y nuestro día a día se transformaron. Un parón obligado y una situación sin precedentes hicieron que todos tuviéramos que frenar nuestras actividades y esperar a que llegara la ‘nueva normalidad’.

Muchas personas se han sentido frustradas al tener que suspender sus proyectos y hacer un parón. Otros por el contrario han decidido ver el lado positivo de la situación y hacer frente a un nuevo estilo de vida sin dejar de lado sus sueños y aspiraciones.

En DJP Music School queremos mostrarte cómo se vive ‘la nueva normalidad’ en nuestra escuela y animarte a que sigas el camino que te llevará a alcanzar tus objetivos en la música.

En esta entrevista con Harvey Cubillos, Director de DJP Music School, te contamos todas las medidas de seguridad que hemos tomado y te mostramos cómo estamos preparados para el año lectivo.

 

Harvey Cubillos, Director de DJP Music School

¿Qué medidas de seguridad ha tomado DJP Music School ante los tiempos actuales?

Harvey Cubillos: Pensando principalmente en la tranquilidad y seguridad de nuestros alumnos, así como de profesores y staff, estamos siguiendo con precisión las medidas exigidas por el Ministerio de Sanidad en España y a nivel internacional.

Actualmente tenemos un aforo limitado en todas nuestras aulas y cada una de ellas cuenta con diferentes puntos de higiene. Todas las estaciones de trabajo se encuentran separadas por mamparas para garantizar la distancia necesaria.

Esto sumado al uso obligatorio de mascarillas dentro de las instalaciones, la desinfección diaria de todas las áreas y el seguimiento permanente del protocolo de seguridad que hemos creado, nos permiten estar preparados para continuar impartiendo todas las clases.

 

Las puertas de nuestra escuela están más abiertas que nunca. Las instalaciones pueden ser visitadas con cita previa.
Solicítala aquí o a través de un tour virtual.

 

 

¿Qué ayudas brinda DJP para quienes quieran estudiar en este momento?

HC: Somos conscientes de que nadie ha sido ajeno a esta situación, que de una u otra manera a trastocado la vida de todos. Por eso, también nos hemos adaptado a esta realidad, estableciendo facilidades de pago para que quienes tengan el propósito de aprender a hacer música puedan hacerlo.

Logramos reducir y congelar las tarifas de nuestros programas, dado que los precios suelen subir en cada convocatoria. También hemos flexibilizado los criterios de aprobación para que los alumnos cuenten con la posibilidad de pagar sus estudios de manera fraccionada.

Sumado a esto, hemos cerrado nuevos acuerdos con importantes marcas proveedoras de software de audio profesional y de diferentes recursos de producción musical, con el fin de que los estudiantes tengan fácil acceso a equipos y herramientas profesionales para su aprendizaje. Esta serie de facilidades benefician a actuales y nuevos alumnos, así como a ex alumnos.

Y como medida exclusiva tenemos una muy buena noticia, hemos abierto una nueva convocatoria de becas para quienes quieran realizar estudios de producción musical avanzada.

 

¿Puedes darnos más detalles acerca de esta convocatoria?

HC: Se trata de un plan de becas exclusivo que hemos abierto, para quienes quieran desarrollarse en producción musical, desde un nivel profesional y avanzado. El plazo para hacer la solicitud de beca es hasta el viernes 14 de agosto de 2020. Es muy sencillo aplicar, basta con revisar en detalle los requisitos y las bases, y rellenar el formulario de solicitud. Puedes informarte más e inscribirte desde este enlace y contactarnos si tienes dudas.

 

Becas de Producción Musical Avanzada, convocatoria abierta.
Infórmate y haz tu solicitud aquí.

 

 

 

Los cursos que ofrece DJP se han adaptado a la nueva normalidad ¿Cómo lo han hecho?

HC: A pesar del momento extraño en el que nos encontramos, seguimos trabajando para ofrecer la mejor la experiencia y acercar a ella los nuevos talentos.

Nuestra oferta formativa presencial permanece intacta, y hemos sumado alternativas semipresenciales y a distancia, para poder enfrentar futuros escenarios que pueda provocar la COVID-19. Másters como el de Producción Musical tienen posibilidad de realizarse en formato online o presencial.

Y para facilitar aún más la formación de nuevos artistas desde donde quiera que se encuentren, también siguen activos nuestros programas 100% online con clases en directo.

Ofrecemos la posibilidad de realizar a distancia programas certificados de FL Studio o Ableton, así como nuestro Máster de Emprendimiento en la Industria Musical, un programa para especializarse en el negocio de la música.

 

¿Cómo enfrentaron en DJP el reciente confinamiento?

 HC: Tuvimos que detener nuestra actividad presencial, pero logramos afectar lo menos posible el día a día académico de nuestros alumnos, adaptando las clases al formato online.

Creemos que los momentos complicados tienden a dejar algo positivo y lo comprobamos. Aún en medio de estos tiempos revueltos, nos reinventamos y conseguimos volcar con éxito la experiencia DJP también al escenario online.

Diseñar una oferta formativa de calidad en producción musical no es tarea fácil, pero los resultados han sido satisfactorios, también gracias a la experiencia previa de DJP como escuela online en sus inicios.

Desde el 15 de junio de 2020 volvimos a abrir las puertas de nuestra escuela y aquí seguimos, sonando más fuerte que nunca. Han sido días de transformación total como sociedad, hemos demostrado nuestros valores como seres humanos y la familia DJP se ha unido para sobrellevar de la mejor manera posible, el escenario en el que ahora nos toca actuar.

 

En clase - Curso Certificado de Producción en FL Studio Online

 

¿De qué manera, quienes sueñan con abrirse camino en la industria musical pueden aprovechar el panorama actual?

HC: Sin duda, formándose. Esta nueva normalidad no es una etapa para detenerse y ver todo negativo. Todo lo contrario, hay que reinventarse y buscar la forma de hacer lo que queremos como amantes de la música. Vienen grandes momentos para la industria musical, lo mejor es que quien quiera ser DJ, productor o artista se dedique ahora a desarrollar su pasión y a explotar todo su potencial.

Esta es nuestra visión, la música nos mantiene optimistas. El principal objetivo de DJP Music School es que quienes sueñen con ser artistas puedan acceder a la formación que necesitan para llegar a donde quieren llegar.

Este es un excelente momento para formarse, especializarse y crear contenido musical. Así, podremos estar mejor preparados para trabajar y triunfar cuando llegue la real normalidad que tanto deseamos y que esperamos esté aquí pronto.

Que la incertidumbre que a veces podamos llegar a sentir, no detenga nuestras ideas, la creatividad y la música. Mientras cuidamos de nuestra salud, sigamos compartiendo nuestra pasión por la música, no paremos de crear, de cacharrear y de fomentar nuestro talento.

 



Ableton Live: Descúbrelo en 4 pasos


La música es una de tus grandes pasiones. Tanto que quieres ir más allá y te gustaría crear tus propios sonidos. De repente el mundo de la producción musical te interesa mucho y quieres aprender más, entonces surge la pregunta del millón ¿cómo hacerlo?

Cuando intentas familiarizarte con herramientas y técnicas para hacer música, acudes a algún amigo(a) para que te comparta un poco de lo que sabe, y muy seguramente vas a San Google o a Youtube para informarte. Pero ¡oh sorpresa! te encuentras con un montón de opciones en diferentes formatos para explorar; unas más complejas, otras no tanto. 

Probablemente, gracias a la búsqueda que has hecho has llegado hasta aquí, lo que significa que vas por buen camino. En este post encontrarás los 4 pasos para empezar a descubrir Ableton Live, uno de los softwares que más te facilitarán la vida a la hora de producir música de manera digital.

¡Advertimos! Si ya tienes conocimientos de producción musical y dominas Ableton, este post podrá parecerte muy básico. Si por el contrario quieres conocer más sobre el software del que todo el mundo habla y aprender lo básico para usarlo, el contenido de este artículo es para ti.

 

Descubre Ableton Live en 4 pasos

 


1. Entender
qué es Ableton Live

 

Te lo explicamos: Ableton Live es una de las plataformas digitales más populares que existen en el mercado para producir música. Es un completo estudio virtual, en el que puedes hacer temas de calidad desde tu casa o cualquier lugar, con un ordenador, un controlador y otros elementos muy asequibles.

Para iniciar en la producción musical no tienes que hacer una gran inversión en el montaje de un estudio con instrumentos tangibles, todo lo tendrás integrado en el software, y basta que cuentes con ello para empezar a crear tu música. 

Ableton es más que un programa de producción de sonidos, se trata de todo un estudio virtual. Esto no quiere decir que sea complicado, pero sí te vendrá muy bien interesarte en explorarlo cada vez más, aprovechar al máximo todas sus herramientas y descubrir técnicas que lleven tu música por el mejor camino.

 

2. Conocer cómo descargar Ableton


Si usas PC o Mac puedes descargar Ableton sin ningún problema, existen las versiones para ambos sistemas operativos. 

La descarga del software se realiza principalmente desde la página web de Ableton, donde encontrarás distintas alternativas para adquirirlo. Entre ellas, su reciente trial gratuito disponible por 90 días, que incluye la versión completa de la plataforma, con los múltiples instrumentos, efectos, sonidos y elementos que puedes utilizar para crear la música que quieres.

Anteriormente esta versión de prueba gratuita estaba disponible solo por 30 días y no en versión completa, sino con limitaciones. Ahora, con la ampliación del trial gratuito es el momento para que pruebes todo lo que puedes hacer con Ableton

Otras posibilidades 

Al trial de 90 días gratuito se suman otras posibilidades para que puedas tener por siempre este software. Si eres estudiante de producción musical en DJP Music School, podrás adquirir la licencia Ableton Live ilimitada con un 40% de descuento

Y otra más: dependiendo del programa de estudios de producción musical en el que te inscribas y del método de pago que elijas, también podrás adquirir la licencia Ableton sin ningún coste. Todo esto gracias a que DJP Music School es Ableton Certified Training Center . Si necesitas más información puedes contactarnos aquí y resolveremos todas tus dudas.   

Así que ya sabes a donde ir cuando quieras tener Ableton en tu ordenador.

 

 

3. Tener una idea de los instrumentos que encuentras en este DAW 


Ese super estudio que tendrás en tu ordenador con Ableton, también es conocido como
Digital Audio Workstation (DAW). Así también son denominados otros softwares que existen para hacer música, como Logic Pro, FL Studio, Reason, Cubase, ProTools, Studio One, etc. 

Si te preguntas ¿cuál de todos esos es el mejor? La respuesta es: el que domines. Puedes explorar las características de Ableton tanto como las de otros DAW, y quedarte con el que sientas más destreza, comodidad o dinamismo. 

Pero volvamos a lo que íbamos a tocar en este punto: los instrumentos que te encuentras en Ableton. Una vez que descargas e instalas el software, lo abres y te encuentras una pantalla con ventanas y un montón de opciones. Algo que a simple vista puede parecer complicado, por no saber qué hacer ni para donde ir. 

Por eso, aquí vamos a hacerte una especie de mapa para que empieces a tomar rumbo. 

Imagina que en tu nuevo estudio tienes un par de armarios para abrir; en el primer armario tendrás una colección de sintetizadores de diferentes modelos y marcas, en el segundo algunos samplers. 

Pues bien, eso mismo es lo que encontrarás al abrir Ableton Live. Ubica el Browser que está a la izquierda, en la sección Instruments tendrás una increíble suite con diferentes alternativas propias del programa (sintetizadores y samplers), cada uno con un nombre o “marca” diferente. Estos son los sintetizadores que encontrarás:

  • Analog
  • Operator
  • Tension
  • Collision
  • Electric
  • Wavetable

Los siguientes son los samplers:

  • Impulse
  • Drum Rack
  • Sampler
  • Simpler

Si no te suenan mucho las palabras sintentizadores y samplers, de momento puedes quedarte con la idea de que son un par de instrumentos esenciales para hacer música y que los encuentras en Ableton. En próximos posts ahondaremos con más detalles sobre ello.

 

Podrás crear sonidos propios con cualquiera de estos instrumentos y guardarlos para incluirlos en tus proyectos. O también en el menú Sounds encontrarás sonidos ya listos para usar. 

Adicionalmente, no pierdas de vista la poderosa herramienta Max for Live, en donde encontrarás aún más instrumentos y podrás trabajar con plugins de Ableton, o instalar los creados por otras marcas como: Massive, Sylenth, FM8, Kontakt, Serum, Waves, UAD, Native Instruments, por solo nombrar algunas de las más famosas.

Podrás ir alimentando aún más esta suite de instrumentos con lo que quieras para tus sonidos. Échale un vistazo a la sección packs de la página web de Ableton, en donde encontrarás una amplia variedad de opciones para sumar a tu software.

 

4. Fijarte en cómo puedes grabar tus audios


Desde Ableton, también puedes grabar audios o sonidos con micrófonos para crear tu música. Esta alternativa te vendrá muy bien, pues podrás grabar audio de fuentes externas, tanto de instrumentos electrónicos (hardware), como de instrumentos acústicos o voces. Para esto necesitarás realizar una configuración especial en Ableton.

Puedes acceder a librerías de sonidos en la sección Sound Banks y crear composiciones. Estas librerías las encuentras dentro de Ableton en packs disponibles o puedes descargarlas en tiendas y en páginas web de librerías de sonidos

En estas librerías te encontrarás con dos tipos de archivos de audio: loops y hits (también llamados one shots). Los loops son bucles de audio que están creados para que al dispararlos se repitan sin parar. Los hits son sonidos sueltos que te valdrán para crear patrones rítmicos, melódicos o armónicos.

 

Esperamos que esta introducción al mundo Ableton te haga sentir más seguridad para empezar a manejar el software. No comiences fijándote en lo más técnico y enloqueciendo viendo muchos de tutoriales; ten los ojos puestos en estas claves y úsalas como punto de partida

 

4 poderosos hábitos para hacer música con impacto

 

Paso a paso estarás más cerca de moverte como pez en el agua dentro de esta plataforma, que cada vez es más usada por productores destacados en el mundo.

No te pierdas nuestros siguientes posts en los que seguiremos descubriendo juntos, muchos más recursos de producción musical. No pares de aprender y sigue en la búsqueda de tu sonido. ¡Hasta la próxima!

 



Qué es BeatSource Link y cómo pinchar música en streaming

Beatsource LINK es la nueva plataforma musical online en la que DJ’s de open format podrán encontrar un extenso catálogo de música en streaming para sus sesiones. Además podrán acceder con o sin conexión a internet. Aquí todos los detalles:

La unión entre Beatport y DJ City ha hecho surgir a Beatsource, una propuesta en forma de tienda online para descargar tracks enfocados al open format (música urbana, latina y otras). Ahora estos dos grandes nos presentan Beatsource Link, un nuevo servicio de música por streaming dirigido principalmente a DJs.

Lo mejor de este servicio es que da la posibilidad de reproducir música aún sin conexión a Internet. Dependiendo de la suscripción, se podrán reproducir hasta 100 canciones en modo offline.

Beatsource LINK tiene disponibles millones de pistas y cientos de listas de reproducción de los géneros más conocidos. Una enorme biblioteca musical que ha sido seleccionada por una amplia red de DJ’s alrededor del mundo.  

A su vez, Beatport y DJcity se han aliado con algunos de los sellos discográficos más importantes para ampliar la oferta musical especial para DJ’s. Sony, Universal, Warner, Epic, Columbia, Atlantic, Interscope Records, Republic Records, Def Jam Recordings, Mad Decent, Dim Mak, Monstercat, Empire, entre otros.

 

Cómo usar Beatsource LINK

Con este servicio de streaming que se encuentra en su versión beta, podrás explorar cada una de las listas de reproducción  y/o crear playlist propias de manera personalizada. También tendrás la posibilidad de almacenar y organizar música dentro de la misma plataforma, y acceder a ella con o sin conexión a internet.

Tendrás tu música disponible para pinchar en cualquier momento y lugar.  Podrás dejar de lado los pendrive y no depender de tener suerte para que te funcione bien internet minutos antes de tu actuación.

Y eso no es todo, con Beatsource LINK también es posible vincular tu selección musical a tu equipo DJ favorito. Actualmente, puedes hacerlo con Rekordbox 6.0.1. , y próximamente podrá integrarse con más softwares.

 

Acceso gratuito

En Beatsource LINK cuentas con un mes de acceso totalmente gratuito a cualquiera de sus distintos planes. Las diferencias entre cada plan son la cantidad de pistas disponibles offline y la calidad del audio. La plataforma maneja formatos digitales premium: 128kbps AAC (equivalente a 192 MP3) y 256kbps AAC (equivalente a 320 MP3). Podrás utilizar tu plan hasta con 5 dispositivos y cancelarlo cuando quieras.

Gracias a esta potente herramienta podrás crear mezclas más emocionantes y contar con la mejor música para reproducir en tus sets. ¡Cuéntanos que tal te va usándola!

Como DJ no debes parar de buscar la mejor propuesta musical para actualizar tus sesiones, hacer que evolucionen y lograr que sean novedosas y originales. Conoce también RecordRadar: la app para descubrir en vinilos tus playlist de Spotify.

 



9 falsas teorías de la producción musical

En este caso hemos querido analizar algunas de las teorías que más se escuchan en el mundo de la producción musical.

A continuación desmentimos 10 de ellas:

 

1. No necesito saber de música para comenzar

 

Es una teoría bastante errada. Aunque no seas músico o no toques algún instrumento, estás haciendo música y por tanto, algo debes saber. Como mínimo, contar los compases de un loop, poder crear melodías a oído y tener cierto conocimiento musical. Si eres arrítmico o tienes problemas con la amusia, debes trabajar en la educación musical para poder crear música electrónica.

Siendo DJ lo primero que se aprende es a empatar canciones, con lo cual la parte rítmica se debe dominar (claro, si no usas mucho el SYNC).

Incluso teniendo herramientas de ayuda melódica o armónica como las de Ableton Live, hay que entender los conceptos básicos de notas, tonos y semitonos. Lo mejor que se puede aprender antes de empezar a producir, es sobre conocimiento musical, básico o avanzado. Y si, aunque quieras crear techno o minimal underground con pocas lineas melódicas, también necesitas aprender música.

Fórmate para adquirir conocimientos musicales básicos y poco a poco llegar a los avanzados. Échale un vistazo a nuestra oferta académica, en ella encontrarás los cursos de nivel básico y principiante que te podrán ayudar.

 

2. Debo trabajar con el DAW que tenga “el mejor motor de audio”

 

¡Absolutamente no! La manera de lograr buenos resultados es trabajar con el DAW que mejor domines y educar tu oído. Esto lo consigues con horas y horas de aprendizaje y práctica.

Lo del “motor de audio” es todo un dilema; muchos dicen que se trata del algoritmo con el que se procesan las muestras de un software determinado. Otros han realizado minuciosas pruebas acerca del procesamiento de las frecuencias en distintos DAW, con el fin de comprobar si existen diferencias notables. ¿Pero realmente el usuario final lo nota?

Existen trabajos de gente profesional y amateur, tanto en programas de gran peso comercial, como en otros menos conocidos, algunos con grandes estudios y otros con un ordenador y pocas cosas más, y te sorprenderías con los resultados.

 

3. Tengo que comprar los plugins más caros porque son los mejores

 

¡Que no, que no! No hace falta que tengas plugins caros para asegurarte de un buen resultado. Muchos buenos productores usan recursos simples e incluso gratuitos.

Como en todo tipo de productos que ves a diario, el marketing hace su trabajo, pero no te olvides que independientemente de su coste, es más importante lo útiles que sean para ti las herramientas que trabajas.

 

4. Mi música es mejor que la de otros porque no uso loops

 

Cada vez que escuchas un tema nuevo y te gusta, ¿piensas si usaron muchos o pocos loops? Hay una cierta satanización hacia los loops y puede ser entendible.

Existen temas en los que se reconocen muy fácilmente loops de alguna librería que ronda por la red en descarga gratuita. Así como productores que tienden a sacar gran cantidad de tracks por semana, simplemente uniendo algunas secuencias y basando su trabajo en las limitaciones que tiene un puzzle de sonidos.

Aun así, esto no es una razón de peso para no usarlos y llegar a puntos radicales. Tu música no es mejor o peor porque uses o no loops, el arte está en la forma de usarlos y de transformarlos, y hay muchas formas de hacerlo.

Decir que usas loops no debería darte vergüenza, pero también es respetable que quieras hacer tus secuencias paso a paso sin el uso de librerías. De eso se trata la creación musical.

 

5. La masterización salvará el sonido de mi tema

 

¡Falso! Lograr un buen sonido requiere de un conjunto de detalles, procesos y etapas de trabajo desde el principio hasta el final de la producción.

Por ejemplo: los samples que eliges, los instrumentos virtuales, la armonía de un tema, los procesos y efectos, una voz afinada, un buen micro para grabar, unos buenos previos si usas mic.

También el buen uso de los plugins que tengas, la mezcla del tema, el mastering. Este último paso ayuda bastante a que la calidad del sonido sea buena, pero si desde el principio trabajas mal, se va a notar en el resultado final.

 

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6. Soy excelente productor porque saco muchos temas al mes

Esto no es así. Más que crear temas constantemente, lo más importante es generar recordación con tu música.

Un tema que sea reconocido y recordado por el público, que tenga algo que lo caracterice y que se escuche en las diferentes plataformas, los clubs, la radio, tiene mucho más valor que un montón de temas producidos en tiempo récord, que estén en tus librerías y que solo tú sepas que existen. Incluso pueden correr el riesgo de vivir poco tiempo o no vivir.

Un tema bien producido toma su tiempo, porque lo ideal es que te enfoques en buscar buenas melodías, armonías, vocales si las quieres; que descanses tu oído y lo vuelvas a escuchar unas semanas después para mejorarlo (pero que esto sea una o dos veces), probarlo con la gente, saber qué sensación causa.

Asimismo, es necesario que muestres tu proyecto a otras personas con criterio, que lo escuche un ingeniero de mezcla y que un ingeniero de mastering te de su punto de vista.

En definitiva, pensar en algo que caracterice tus temas y no limitarte a lo que tengas en tus librerías. Así como plasmar la melodía o sonido que realmente quieres. Esto ciertamente ayuda a frenar la sobreoferta de música y de un montón de temas que seguramente tengan poco tiempo de vida, si es que llegan a vivir.

 

7. Si saco un tema con un sello, tengo la promoción y el éxito asegurados

 

Para quienes empiezan en el mundo de los contratos con labels, esto les puede sonar familiar. Hoy en día, hacer un tema es tan sólo el 20% del trabajo de un DJ Productor y es lo más fácil, respecto a lo que sigue: la promoción y el posicionamiento.

Debes tener claro que con la firma de un contrato de licencia (venta de un tema), el sello puede ofrecerte una promoción hasta cierto punto, no necesariamente lo incluirá todo para la promoción y el posicionamiento de tu producción.

Según sean tus posibilidades como artista, puedes aprender sobre emprendimiento en la industria musical y sobre estrategias de marketing y promoción musical, y aplicar todo esto para promover tu trabajo. O bien tienes la posibilidad de acudir a agencias especializadas en ello y que disponen de figuras como managers, agentes de prensa, asistentes, etc.

Detrás de un DJ Productor que pasa de las cabinas de un club a pinchar en grandes festivales, o de grandes cifras en reproducciones musicales, hay mucho trabajo y todo un equipo humano. No es algo que suceda por arte de magia o que se logre solo con estar en redes sociales.

 

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8. Si tengo monitores de alta gama lograré un sonido más plano y fiel

Aunque las mejores y más costosas marcas de monitores de audio ofrecen excelentes productos, tus resultados dependerán mucho más del lugar en donde los uses. Un espacio demasiado pequeño es el principal enemigo de las frecuencias graves.

Lo ideal es que te formes y asimismo, consultes experiencias en foros, en blogs y en pruebas de productos para comprobar qué monitores se adaptan mejor a tu estudio. La posición de los monitores y la absorción del sonido también influyen.

 

9. Mi estudio debe estar totalmente adecuado acústicamente para eliminar reflexiones

 

Las espumas y las láminas acústicas son muy chulas. En las páginas web donde las venden muestran diseños de estudios muy atractivos… es como mirar un maniquí en un escaparate con una prenda que te gusta mucho. Y ahí es cuando surge la pregunta ¿me quedará igual a mí?

Con los estudios sucede lo mismo que con la ropa, primero tienes que tener claro lo que quieres y buscar los productos que mejor se adapten a ti. Si quieres una cabina de grabación, efectivamente vas a necesitar una alta absorción de las reflexiones sonoras, si piensas en un estudio de producción te puedes apañar con algunas soluciones básicas.

Eliminar todas las reverberaciones es contraproducente, ya que necesitarás escuchar el sonido en un espacio natural y el tema final lo escucharán en un club, en un coche, en un dispositivo móvil, en el ordenador.

Como podrás darte cuenta, el universo de DJ y del productor musical está lleno de falsas teorías. Ya conoces las 10 más famosas, abórdalas y empieza a crear un criterio profesional y personal para saber en qué creer y en que no. Eso también influirá en el éxito de tu carrera musical.

En DJP Music School te alentamos a que estudies la carrera de tu sueños, pero obteniendo un título oficial a cambio. Ten en cuenta que te acompañaremos en todo tu proceso como artista y te proporcionamos cada una de las herramientas con las que podrás formar tu criterio y estilo musical propio.

 



RecordRadar: la app para descubrir en vinilos tus playlist de Spotify

Una nueva aplicación exclusivamente diseñada para que tengas la posibilidad de descubrir tu música de Spotify en discos de vinilo que están a la venta, y que podrás adquirir de una manera muy sencilla.

Conoce RecordRadar, la nueva APP para amantes de la música

Se trata de una nueva aplicación exclusivamente diseñada, para que tengas la posibilidad de descubrir tu música de Spotify en discos de vinilo que están a la venta y que podrás adquirir de una manera muy sencilla.

Basta con acceder a la aplicación desde https://recordradar.com/, iniciar sesión con el usuario y la contraseña de tu cuenta de Spotify o de Facebook, e inmediatamente RecordRadar hará un escáner de tus colecciones para encontrar los vinilos que contengan tus pistas guardadas. Ten en cuenta que esta app realizará la búsqueda de registros, usando solamente las listas de reproducción creadas por ti directamente.

 

Una nueva aplicación exclusivamente diseñada para que tengas la posibilidad de descubrir tu música de Spotify en discos de vinilo que están a la venta, y que podrás adquirir de una manera muy sencilla.
RecordRadarPrácticas con vinilos en DJP Music School

 

Posteriormente, te mostrará de forma instantánea las coincidencias con tus álbumes y artistas, así como todos los detalles para adquirirlas desde Discogs, una plataforma online con un inventario de más de un millón de discos de vinilos disponibles y una amplia comunidad de vendedores. Desde allí, también podrás construir tu lista de vinilos favoritos, opinar sobre el amplio catálogo, comparar condiciones y descubrir lanzamientos.

A través de RecordRadar podrás explorar tu música en vinilos de forma totalmente gratuita, el único coste que tendrás que asumir es el de los vinilos que elijas desde Discogs.

 

RecordRadar te mostrará de forma instantánea las coincidencias con tus álbumes y artistas, así como todos los detalles para adquirirlas desde Discogs
Tu música de Spotify en vinilos con RecordRadar

 

Para ti que eres un fiel amante de la música, esta aplicación te resultará más que perfecta, pues te permitirá combinar dos de las cosas que más te gustan: tus listas de Spotify y los vinilos. ¡Úsala ya!

DJP Music School en Spotify ¡Síguenos!

Descubre cómo comenzar a ser DJ Productor teniendo vinilos dentro de tu equipamiento.

 



Los mejores momentos de la graduación 2019

Máster en Producción Musical & DJ 2018-2019

En septiembre de 2019, realizamos la Ceremonia de Graduación y Entrega de Diplomas para los alumnos del Máster en Producción Musical & DJ, promoción 2018-2019.

En este evento reconocimos el esfuerzo y la dedicación de cada uno de nuestros estudiantes. Además, fueron premiados los alumnos más destacados por su desempeño académico y por la calidad de sus trabajos entregados. Ernesto Guevara recibió el Premio a la Mejor Producción Musical y Roberto Carlos Garrido se llevó el Premio al Mejor Alumno.

La ceremonia se realizó en el Espacio Guindalera, un teatro independiente muy cerca de DJP Music School.

Ernesto Guevara Premio a la Mejor Producción Musical
Roberto Garrido Premio al Mejor Alumno

La industria musical, una carrera que exige actitud

Durante el evento, nuestro Director Harvey Cubillos recordó a los alumnos la importancia de la actitud, la constancia y el empeño para avanzar día a día en la carrera de la industria musicalMás fotografías de la graduación en nuestra fanpage.

Harvey Cubillos, Director DJP Music School

Carmen Buendía, Coordinadora Académica, invitó a los estudiantes a mostrar al mundo todo lo que llevan dentro como DJ's y productores musicales, inspirada en la frase “ser DJ no es darle al público lo que quiere, sino darle lo que no sabía que quería del destacado DJ y productor inglés, John Digweed.

Carmen Buendía, Coordinadora Académica, DJP Music School

Enhorabuena a todos los alumnos que han finalizado con éxito el Máster en Producción Musical & DJ y muchos éxitos en todo lo que emprenden de aquí en adelante. Gracias por formar parte de la familia DJP ¡Nos vemos en el camino!

 

 


Beats By Girlz ya ha elegido a sus alumnas ¡Descubre si eres una de ellas!

Arranca el capítulo de Beats By Girlz Madrid

La convocatoria para el capítulo Madrid de Beats By Girlz ha sido todo un éxito, más de 230 mujeres se han inscrito para optar por una plaza gratuita en el Curso de Introducción a la Producción Musical con Ableton.

Gracias a esta cifra, y con la intención de que más estudiantes se beneficien de esta iniciativa, hemos decidido con el apoyo de Ableton, abrir un segundo grupo de nueve mujeres.

Esto quiere decir que el curso de Beats By Girlz se realizará en dos grupos, uno de mañanas en horario de 10:00 a 14:00h y otro de tardes en horario de 16:00 a 20:00h.

El curso de Producción Musical con Ableton se realizará en tres sesiones los sábados 26 de octubre, 16 de noviembre y 14 de diciembre de 2019 y será impartido por la artista y productora musical Tuna Pase.

 


Revisa la lista de alumnas de producción musical seleccionadas y descubre si eres una de ellas:

Grupo 1: Mañana
Horario: 10:00 – 14:00 h   

  • Carla Calleja Ortiz
  • Gema Fuentes López
  • Sara Klobuznik Mateo
  • Carla Camarón
  • Silvia Rocío Apaza Linares
  • Alba García Alderete
  • Ángela del Río López
  • Susana Alonso Vaquero
  • Silvia Teixera López

Grupo 2: Tarde
Horario: 16:00 – 20:00h

  • Carla Luque Cupeiro
  • Soraya Cadalzo Ruíz
  • Alejandra Peñaloza
  • Mayte Cabrera
  • Estela Hernández Dato
  • Adina L. García
  • Rebeca Rodríguez Tome
  • Ana Baquera Gómez
  • Elena Carrilero Jiménez

¡Enhorabuena a todas las ganadoras!

Y si te has quedado fuera de esta convocatoria pero quieres aprender a hacer tu propia música, échale un vistazo a nuestro Programa Certificado de Producción en Ableton.

 

Acerca de Beats By Girlz

Beats by Girlz es un proyecto dedicado al empoderamiento de chicas y mujeres a través de la intersección entre la música y la tecnología.

Los propósitos de dicho proyecto se cumplen llevando a cabo cursos gratuitos de producción musical e ingeniería de sonido para mujeres, trans y género no binario en diferentes ciudades alrededor del mundo.

Conoce más sobre Beats By Girlz en beatsbygirlz.org